The Rock Blog Review

Django Django - Rough Trade East - 01.02.12

2012-02-03T15:53:00.000Z

Clap your hand, your coconuts and say... Django Django!

First of all: Django Django has nothing to do with Django Reinhardt, the virtuoso gypsy jazz guitarist and composer, along with Stéphane Grappelli invented an entirely new style of jazz with the “Quintette du Hot Club de France”.

It’s a Wednesday night particularly cold and the band "Django Django" is on stage in a famous record store. I’ve heard this band the same day, and one post with a word for FREE is enough. I check the video, send a couple of emails to my friends and it’s done. I'm queuing up for a sold-out gig, to see the debut album launch and instore show. I’m discouraged by the security guy at the door, and without a ticket or the unfindable (and famous) wristband waiting for more than 45 minutes. I know it's worth it, and this mass that is queuing with me outside is not crazy as I am not.

These adventurous and psychedelically guys are at their first showcase at the Rough Trade East - Brick Lane in London, their debut album and has been released the 30 of January 2012. Produced by David MacLean under “Because” label, the London-based band plays psych pop and indie and is definitely one of the best rootsy acoustic and beaming music I have heard in years.

The foursome guys who meet at “Edinburgh College Of Art” in 2009, took time expanding upon this blueprint, trying to find out how far it can be pushed. In a particularly mix of odd instruments with numerous synths, samplers, tribal drums, electro-whooshes, cowboy whistles and maracas, a range of tambourines, multiple other percussion, the standard guitar, drums and bass setup and also the added benefit of four voices able to sing and whistle in harmony! Simplicity and successful perfection.

The drummer and band mastermind David Maclean with Vincent Neff (lead singer), Jimmy Dixon and Tommy Grace are constantly swapping instruments mid song. But the time is quick, only about 40 minutes of music. They play “Introduction” and then the Single “Waveforms”, “Love’s Dart”, “Zumm zumm” the magic “Wor”, “Firewater” and finally “Default” [that seems a cover of Franz Ferdinand, but is not]. Electro, indie, funk, world, dance, rockabilly and even an oriental sound like the beautiful “Skies over Cairo”. irresistible chorus inspired the entire work and they are hypnotizing me and all the audience.

Like a psychedelic desert sunrise I Got to get to know (this amazing album)... to have a good time.

Antonello Furione

Contacts:

http://www.djangodjango.co.uk

Giacomo Lariccia - Colpo di Sole

2011-12-16T09:01:00.005Z

“Sant’Eccehomo è nu gran santu.... è lu mejo di tutti li santi / Ce l’abbiamo solo noi!..... Sant’Eccehomo prega per noi.”

Gli artisti che lasciano il proprio paese hanno forse una maggior lucidità per ascoltare il mondo, più coraggio per esporsi e tolti i filtri nazionali sono liberi. Questo il caso di Giacomo Lariccia che pubblica il suo nuovo disco auto prodotto “Colpo di Sole”: un album fresco, semplice, a tratti doloroso, quasi drammatico (vedi “Roma Occupata”) ma anche accompagnato da brani pieni di speranza, ritmi danzanti a cavallo della migliore tradizione popolare. Il lavoro è stato interamente auto finanziato da Giacomo e dalle cento persone amiche che hanno creduto in questa “avventura in musica”.

Poco più che trentenne, Lariccia, chitarrista jazz dopo una Laurea a Roma, si trsferisce in Belgio, studia al Conservatorio Reale di Bruxelles e decide di rimanere a vivere all’estero. Si è spesso costretti ad espatriare, ci sono mille motivi in questo modo, pensando sempre al paese d'origine, si scrivono canzoni un po’ malinconiche, canzoni di disagio, nel non riconoscersi nell’Italia di oggi, si raccontano storie passate, di amori, di lotte sociali, storie di guerre, di difficoltà, di passioni, storie di viaggi e di riflessioni.

Giacomo Lariccia, ricorda il passato e canta con passione e con rabbia, la sua ricerca di un paese migliore. Il brano “Povera Italia” insieme a “Nella vasca degli squali” così diventano quasi un inno, un po’ come lo era stato il pezzo di Alessandro Mannarino “Svegliatevi Italiani” qui si canta: “Cambio paese, cambio continente, cerco di nascondermi tra la gente, ma è la mia gente che non riconosco....”.

Per concludere, la breve canzone "Come Vorrei" (compresa solo come bonus track) ripresa e tradotta da “Song For The Asking” di Paul Simon è uno dei punti più intensi e toccanti dell’intero album “...Come vorrei per te, come vorrei lo sai, cambiare almeno un po’ se lo chiedi, chiedimi e suonerò l’amore che provo per te...”. Spesso il suono della sua chitarra è trascinante fino a non riuscire a seguire il testo, ma le sensazioni che la parola e la voce di Lariccia danno in questo confronto sono assolutamwnte valide e, forse proprio perché viene cantata in italiano, più commoventi.

Con uno spirito critico Lariccia si guarda intorno, racconta un mondo reale, anche se ormai vive lontano dalla Povera Italia, nonostante “Nella vasca degli squali, io non voglio nuotare piu’..." ci si aspetterebbe forse solo, qualche traccia in più con soluzioni radicali e meno sognanti, anche solo pensando, prima o poi, di incamminarsi sulla strada di casa. Un disco per avventurieri.

Antonello Furione

Contatt:

www.giacomolariccia.com

www.facebook.com/giacomolaricciamusic

Mark Knopfler - Sailing to Philadelphia - HMV Apollo Hammersmith - 20.11.11

2011-11-22T12:23:00.000Z

Le Gros Ballon - La Nuit EP

2011-10-08T09:01:00.017+01:00

Il 20 novembre 2010 è uscito La Nuit, il nuovo EP de Le Gros Ballon. Il duo milanese composto da Francesco Campanozzi e Marco Capra pubblica un breve l’Ep impreziosito da alcuni ospiti: la cantautrice italiana Denise e l'autrice teatrale francese Alexandra Dadier.

L’opera è composta da cinque tracce: canzoni in francese e in inglese, tre stumentali e due cantate che sembrano brani cinematografici, lente armonie acustiche folk che diventano quasi lunari e galleggiano in un ambiente morbido e sognante ad un passo dal sonno profondo.

Il lavoro inizia con "Quello che è rimasto dei sogni" e lo stile vocale di Denise Galdo, trasmette serenità e pace. A seguire tre minuti e mezzo strumentali tra una chitarra e un glockenspiel. L'armonia scorre e fresca con “La Nuit”, ed è davvero interessante come questo pezzo potrebbe essere anche utilizzato per l’inizio di un film d’avanguardia francese. Alexandra Dadier canta, parla e sussurra, ed il volume aumenta mentre la progressione delle note dando l’idea di un aumento del ritmo: è una composizione molto interessante, molto probabilmente il culmine dell'album intero.

Le ultime due tracce sono entrambe strumentali, "Sleeping" e "Sogno Numero Due". L'EP si chiude dolcemente come se si stesse di nuovo per riaddormentarsi. Minimalista fino a ricordare il duo norvegese dei Kings Of Convenience, il lavoro è però focalizzato sul suonato e meno sull’atmosfera vocale. Sono melodie semplici, ma ogni volta che si ascolta la mongolfiera vola tra le nuvole e per ogni nuovo viaggio sarà una nuova brillante (ed un po' soporifera) colonna sonora.

Antonello Furione

Contatti: www.myspace.com/legrosballon

Ratafiamm - Low Budget Invasion

2011-09-21T09:01:00.004+01:00

Ci sono album che non sono punk ma sono comunque rivoluzionari, questi sono ancora più diretti e per qualcuno anche più pericolosi, perchè descrivono la vita vera e raccontano quasi in sordina con parole libere, poesie e musiche fatti che scoprono la realtà ed hanno l'intento di capire la quotidianità che ci circonda.

Così se non si ascolta bene, i marziani potrebbero invaderci semplicemente mettendosi dei berretti strani e noi non ce ne accorgeremmo neppure. Una specie di invasione a basso budget. Ecco finalmente il primo disco dei Ratafiamm. Low Budget Invasion è il nuovo disco dei Ratafiamm e come dice Jean Baptiste le Rond d'Alembert: “ogni musica che non dipinge nulla, non è che rumore”. Questo album è pieno di emozioni che vengono dipinte dall’inizio alla fine. Dopo due Ep: “Pausa” e “Meteo” (uscito in download gratuito) ecco prodotto il loro primo Lp, 13 canzoni, 40 minuti di musica e di testi densi e importanti.

Ballate acustiche che senza urlare arrivano, come lo zucchero più rapidamente al cervello. Parole potenti cantate leggere, costruito su tensioni sonore che suonano fuori tempo e che rincorrono molto spesso una musica lenta e pacifica. Ogni brano è degno di nota, da “Ci tocca Sparire” alla canzone autobiografica “Ratafiamm”, da “Trenta gradi” alla bellissima e diretta “Verso fine Aprile” e poi ancora a “Luci fuori” tutti brani che risvegliano gli animi.

Il brano “Il passo obliquo” viene ripreso in versione elettrica da “Pausa Ep”, e questa volta viene ne viene nascosta un po’ la potenza, ma è notevole il nuovo arrangiamento. Enrico Cibelli e Andrea De Nittis con la stessa intensità e lo stesso passo del gorilla, ricordano De Andrè in un incontinenza verbale e una musica minimale che da sempre li rappresenta. “Low Budget Invasion” cambia prospettiva, il gruppo diventa duo ma prosegue il viaggio intrapreso e diventa a differenza del passato un disco essenziale.

Anche se è un disco costruito con pochi mezzi, rimane l'idea di creare arte per chi crede ancora che l’impulso e la passione sia un arma vincente. I Ratafiamm cantano di “Pupazzi, regali e ricordi, di viaggi, ferma-carte e fermagli” ed è un disco preciso curato, leggero e forse troppo poco commerciale (se di difetto si può parlare), vero folk cantautorale di classe, inaspettatamente maturo e finalmente completo.

Antonello Furione

ADRIANA SPURIA - "Il mio modo di dirti le cose"

2011-09-11T09:01:00.000+01:00

Donne, amori distratti, cuori spezzati, considerazioni personali e tentativi per lasciarsi andare al futuro pieno di sorprese, per crescere. “Il mio modo di dirti le cose” di Adriana Spuria, esce dopo due anni di preparazione, dopo un primo Ep autoprodotto e varie collaborazioni. Il disco è stato prodotto da Tony Carbone, ex Denovo ed è stato masterizato da Claudio Giussani al Nautilus di Milano.

La cantautrice siciliana fa parte di una enorme scena musicale proveniente da Palermo e dintorni che negli ultimi anni, continua a sorprendere con idee e ottimi produzioni. Un album suonato davvero con cura, preciso e pulito. Tuttavia c’e’ chi innova e chi, come in questo caso, rimane legato alle sonorità più classiche, “sanremesi” e retrò all’Italiana. E’ musica d’autore raffinata, cantautorato elegante e passionale: piacevole. Tra Amalia Grè ed un paragone più stiracchiato con Carol King e Mina, la cantautrice sembra avere comunque carattere, anche se dovrà crescere, spazia tra jazz, pop anni settanta senza troppi problemi. Senza troppi virtuosismi ed un po’ poca potenza vocale ha una voce cullante e preparata. Da ascoltare “Gli Anni Della Confusione” ed il singolo “Non credo”. Con un po’ più di qualità delle liriche “Il mio modo di dirti le cose” sarebbe ancora più profondo e accattivante da ascoltare. Un buon inizio.

Antonello Furione.

Contatti:

http://www.myspace.com/adrianaspuria

01. Sabato Sera

02. Gli Anni Della Confusione

03. Portami Via

04. Un Colpo Al Cuore

05. Non Credo

06. Una Donna

07. Tu Non Mi Basti Mai

08. The Day Before I Met You

09. Il Mio Modo Di Dirti Le Cose

10. 3 Sul Rouge

BLACK DUB

2011-09-02T09:01:00.011+01:00

“Ring the alarm, another sound is dying”

HAPPY BIRTHDAY MR.LANOIS

Sessanta candeline e nuova vita per Mr. Lanois, meglio conosciuto come Il produttore degli U2 (in particolare di The Unforgettable Fire e Joshua Tree), di Neil Young, di Bob Dylan, di Peter Gabriel e Willie Nelson solo per citarne alcuni tra i più importanti. Daniel Lanois oltre che "uomo della musica" è chitarrista e cantautore e nel corso degli anni si e sempre distinto per il coraggio di rimettersi in gioco e tentare sempre strade nuove.

Così facendo, questo nuovo progetto: l’album di debutto dei Black Dub è diventato un gioiello. Il super gruppo formato da Trixie Whitley, la figlia del bluesman Chris Whitley (scoparso nel 2005) ha una voce roca e profonda e un attacco preciso e pulito che ricorda a tratti Janis Joplin, il batterista Brian Blade che ha suonato con Wayne Shorter e Joni Mitchell improvvisa continuamente, ricalcando il groove che corre da New Orleans fino ad arrivare a Memphis. Armonie abbozzate di chitarra registrate alla perfezione sembrano reagire istantaneamente con le ritmiche e le parti vocali. Jim Wilson è la stabilità del gruppo che rifinisce il sound con posate linee di basso.

Black Dub e' sicuramente un disco da avere a tutti i costi, dove ad una gran classe del gruppo si affianca una voce della ventiduenne Trixie davvero sensuale e preparata. A cavallo tra soul vintage Motown, assoli ricercati, echi reggae fino ad arrivare a momenti gospel il disco è davvero riuscito e la musica scorre veloce. Lanois valuta costantemente le strutture metriche e gli spazi, come stesse componendo un mosaico. Black Dub infatti a detta di Lanois è stato creato per esplorare ogni possibilità del ritmo.

Tutti i brani sono scritti da Lanois nel 2009, ma l’uscita del disco è stata ritardata a causa del grave incidente motociclistico che ha avuto nel luglio 2010. Dopo un recupero abbastanza miracoloso, l'album è stato finalmente pubblicato nel tardo autunno del 2010 e ha ottenuto ottime recensioni.

Il disco è stato registrato per la maggior parte in presa diretta, così il viaggio già di per sè avventuroso diventa reale. I cori ed i rumori ambientali creano la giusta atmosfera. Tra i brani migliori il bellissimo lento “Surely” il reggae dub di "I Believe In You" dove Blade da il meglio di se ed infine la potente "Ring The Alarm". Voci semi-ufficiali prevedono che dopo il tour americano torneranno in studio per lavorare ad un secondo album. Per il momento non possiamo far altro che aspettarlo godendoci oggi questo strabiliante sound. Un disco assolutamente da avere, da ascoltare e da riassaporare in ogni occasione. Il viaggio continua.

Antonello Furione

Contatti: http://www.blackdub.net/

Ravi Shankar - Live at Barbican Center - London - 21.06.2011

2011-08-26T09:01:00.117+01:00

NEVER ENDING ENERGY - Ravi Shankar - Celebrating his 10th Decade
Tue 21 Jun 2011 8pm - Barbican Hall, London
An Evening of Ragas (solo recital) in celebration of Ravi Shankar's 90th birthday.

Raramente mi è capitato di assistere ad una performance indimenticabile, ma questa lo è stata assolutamente. Ravi Shankar è colmo di riconoscimenti e di premi ed è senza dubbio, musicalmente parlando, l'ambasciatore indiano più noto e apprezzato. Una limpida capacità di interpretazione e di mediazione è stata la chiave del successo per raggiungere negli anni un pubblico sempre più vasto.

La data del tour per celebrare i suoi novanta anni (oggi 92) è ovviamente sold out. Il pubblico è eterogeneo. Ci sono adulti che conobbero Ravi attraverso i Beatles, per l’amicizia con George Harrison, attraverso la psichedelia di Woodstock o attraverso le collaborazioni con i musicisti jazz o direttori d’orchestra di classica, come John Coltrane, Philip Glass, Yehudi Menuhin, Andrè Previn e poi ci sono giovani che hanno sentito parlare della spiritualità del grande musicista magari fra una rassegna di film di Bollywood o una compilation del Buddha Bar.

Il mio posto a sedere, proprio dietro ad Anoushka Shankar, era già di per se un evento nell’evento, la figlia del grande maestro, neo trentenne (nata il 9 giugno), teneva in braccio Zubin il piccolo di 4 mesi, chiamato così in nome dell’acclamato direttore d’orchestra ed amico Zubin Mehta con il quale nel 1981 Ravi condusse “Raga Mala”. Anoushka è circondata da tutta la numerosa famiglia, marito e bambinaie comprese e, per lo spettacolo del Barbican, come per gran parte di questo tour, ha deciso di non salire sul palco, occupandosi del piccolo e lasciando spazio interamente al padre, che è rimasto solo sul palco con i suoi musicisti.

Le luci si spengono. Seduti su tappeti orientali i suoi sei musicisti, trai quali Tanmoy Bose ai tabla, grande maestro e amico di Ravi da decenni, Ravichandra Kulur al flauto, il giovane Pirashanna Thevarajah al mridangam e Parimal Sadaphal allievo “senior” al sitar, introducono la serata con Raga tradizionali. Venticinque minuti di presentazione che creano nella platea già un enorme esalzazione. Suonano da soli, con il posto riservato al maestro vuoto: sguardi, sorrisi e connessioni celebrali che sembrano dei fili tesi tra le loro menti.

Poi, alle otto e mezzo infine eccolo. Un enorme applauso accoglie subito il maestro quando spunta dal tendone di velluto alle spalle del palco. Si aiuta con mancorrente dorato per fare i pochi scalini e si mette a sedere al suo posto su un piccolo palco rialzato: “Spero mi abbiate riconosciuto, io mi chiamo Ravi Shankar” è quasi irriconoscibile con la folta barba bianca che gli ricopre il viso, il pubblico scoppia in una fragorosa risata. Prende il suo sitar, che era appoggiato su un lato e con una prima profonda nota ferma gli applausi in un secondo. In rispettoso silenzio due ragazzi salgono sul palco, nella calma e pace più assoluta, accendono numerosi incensi intorno a lui ed una nuvola di silenzio e di estasi trasporta in trance tutto il teatro. Il concerto era davvero incominciato.

Senza nessuna notazione musicale, la musica classica indiana si basa su una serie di modi melodici: i “Raga”, ritmo e melodia. Sono serie di note che in maniera crescente coinvolgono ed esplodono in un dispiegarsi di armonizzazioni e interazioni. Le improvvisazioni ed i giochi musicali che rimangono in equilibrio, oscillano sempre più veloci e sempre più complicati.

La grande acustica di questa sala aiuta molto anche chi è rimasto in galleria. Il suono rasenta la perfezione da studio, ma da così vicino, dove mi trovo, si sentono le dita scorrere sulle corde. Le tablas sembrano parlare e tutto il concerto continua per cinquanta ininterrotti magici minuti, diventati poi un ora e mezza con i bis ed i ringraziamenti. E’ un crescendo di passione e divertimento che coinvolge tutti. Con sguardi intensi e severi Ravi dirige tutte le composizioni, mentre la figlia prediletta segue seduta, come noi, piena di ammirazione e di amore, la fantastica abilità del padre.

La sua energia senza fine risiede nel piacere che questa musica ancora riesce ad infondergli. Guardarlo sorridere, scherzare ed ammiccare ai suoi musicisti, riuscire ad avere ancora un controllo così perfetto del suo strumento è davvero un' esperienza incredibilmente commovente ed una grande lezione di vita.

Il trionfo annunciato è la conferma che i contenuti dei Raga che Ravi interpreta e crea e spiega fra un brano e un altro, non hanno tempo. Mi stupisce e mi sorprende ancora sempre come questo linguaggio musicale, così distante dal nostro, sia entrato a far parte della nostra percezione. Numerose composizioni in questi anni hanno trovato una propria vita in maniera più o meno esposta in brani occidentali. Noi spettatori, pur non avendo forse capito completamente l’identità di queste musiche, ci siamo posti e continuiamo a porci domande. La lezione musicale e spirituale di Ravi Shankar, oggi come da quasi mezzo secolo continua a trainare la sperimentazione, la ricerca e l’evoluzione della musica moderna, al di la di ogni confine, tempo e cultura.

Antonello Furione

EGOKID - Ecce Homo

2011-07-08T09:38:00.000+01:00

Tre anni dopo “Minima Storia Curativa” esce il quarto album dei milanesi Egokid. L’electro-pop italiano va molto di moda ed ha avuto buone critiche. “Diego Palazzo e Piergiorno Parido, il primo dottorando in Filologia Classica ed il secondo insegnante di Lettere, tra Baustelle, Velvet, Bluvertigo, e cover un po’ strampalate dei primi Blur creano l’esperimento “Ecce Homo” che scorre con qualche difficoltà. Uscito il 18 gennaio, l’album della band milanese è stato prodotto da Sergio Maggioni e Giulio Calvino ed è stato registrato alle Officine Meccaniche a Milano. Il disco, avrebbe dovuto segnarne la maturità ma pare solo una fotografia di mille colori e un po’ sfocata di quel brit pop anni novanta che a fatica seguendo questi brani si riesce a ricordare.

Si rivisita così un periodo, annacquando quello che era il significato, evidenziando esclusivamente sfumature nostalgiche di quello che fu. Nonostante ciò tutto è ben confenzionato e viene presentato come fosse un nuovo punto di partenza per il futuro. Undici (+1) brani orecchiabili e radiofonico-plasticosi, cantabili e stracolmi di ricercate citazioni. Questo lavoro in definitiva è un replicare e collegare intuizioni altrui come in un enorme puzzle, brani che citando il passato, fotografano un presente intriso di un malessere di una società che spesso sembra troppo individualista.

Un pregio di questa disco è tutto il lato collaborativo, a partire da Sergio Carnevale, Batteria e percussioni di Bluvertigo, Morgan, Baustelle, Fausto Rossi, voce in “Non si uccidono cosi anche i cavalli?”. L’intento degli Egokid è quindi quello di riuscire a capire il presente con istantanee sbiadite del passato e avere una migliore conspevolezza personale per la costruzione di un futuro migliore. Ma se “il citazionismo è un elemento fondante della composizione pop, quest’ultimo dovrebbe essere popolare, per la massa e questo disco risulta anche se ben fatto, davvero spinoso, di difficile ascolto, rimanendo purtroppo lontano dall’ impressionare.

Antonello Furione

Sito del gruppo:

www.myspace.com/egokidit

The Straits - live at The Royal Albert Hall - London - 22.05.2011

2011-05-24T11:52:00.003+01:00

DIRE A METÀ E VELOCE... MA PER LA CARITA'!

Gli ex membri dei Dire Straits, più alcuni ospiti "speciali" (Geno Washington su tutti) si son trovati per una un concerto di beneficenza a favore dello sport, con lo scopo di favorirlo nelle aree più disagiate del Regno Unito con il The Lord's Taverners, associazione giovanile di cricket fondata nel 1950. Una serata speciale con Alan Clark, Phil Palmer, Chris White, e anche con Steve Ferrone alla batteria, Terence Reis alla voce, Mick Feat al basso ed il giovane ventiquattrenne Jamie Squire alle tastiere.

I Dire Straits continuano ad avere un enorme successo, (con Mark Knopfler solista), e con album come Making Movies, Brothers in Arms, che hanno venduto oltre 120 milioni di dischi in tutto il mondo. Hanno vinto tre Brit Awards, quattro Grammy e due MTV Music Awards, ma la rara opportunità di vederli dal vivo per la prima volta in 20 anni alla Royal Albert Hall non è stata così seguita dal pubblico londinese. L’unica data non era sold out, forse perchè come ricordato anche dal palco da Terence, tutti i reali membri fondatori John Illsley, Mark Knopfler, Pick Withers e David Knopfler non erano presenti in sala. La Line up era quella delle tournée di “Alchemy” e di “On the Night”, ultimo colossal tour dei Dire Straits del 1993 prima di uscire dalle scene.

In tre i membri della band sul palco: Alan alle tastiere, Phil alla chitarra e Chris al sassofono. I redivivi capitanati da un mediocre Terence Reis alla voce, non riescono ad esaltare, ma si fanno ancora valere. Dovrebbero forse scegliere meglio i loro nuovi compagni di viaggio e trovare magari qualcosa "Dire" di nuovo. Infatti sembra proprio che dire "the straits" sia come pensare ad un orchestra intera senza direttore, come ai Cream senza Clapton, ai Doors senza Jim. I brani, scorrono molto veloci, meccanici e tutto diventa senza anima, schematico. Il batterista, Steve Ferrone, anche se viene riconosciuto dai suoi colleghi come uno dei più grandi batteristi del mondo e ha suonato con Tom Petty, Clapton, Quincy Jones, Scritti Politti, Chaka Khan e Slash non riesce ad entrare nell'atmosfera, è davvero il peggiore elemento della serata, fuori tema, fuori posto, fuori tutto, fino ad arrivare ad una "Tunnel of Love" suonata in versione punk che proprio potevano risparmiarsela ampiamente.

The Straits (sono metà) e si trovano in grossa difficoltà, causa di qualche mancanza e poca attenzione alle piccole cose. Si conoscono a memoria i brani, è ovvio, (almeno per me) a partire da “Private Investigation”, versione Alchemy, o la ritrovata "Two Young Lovers", ma è difficile capire la poesia e la struttura dinamica di ogni parte, alcuni riff vengono posti e sovrapposti qua e la, ma la magia ed i silenzi mancano, nascosti o travisati da una velocità che trova difficile risposta.

Anche gli assoli di Phil Palmer che in fin dei conti è solo un ottimo turnista (che ricordo ha collaborato con Lucio Battisti, Eric Clapton, Bob Dylan, Tina Turner, Renato Zero, Baglioni, George Michael ed in "On The Night" nel ultimo tour post "On Every Street" (1991) suonava la chitarra slide), sono buoni, anzi ottimi, ma sembrano studiati e ripetuti come un bravo scolaretto per la gioia del pubblico, che tanto saltella imperterrito comunque.

Quello forse di "Sultan of Swing" che viene abbozzato da Terence si spinge un po' più in la, ricopre sempre le orme di "Alchemy", ma risulta meno artefatto. Sono frasi fatte, ripetute con passione ma senza un contributo (necessario) personale. Fraseggi slegati, testi cantati senza dinamiche e un uso dei volumi da parte della chitarra del cantante non curati, o almeno non come ci ha abituati Mark. Alan Clark alle tastiere, è il più "vecchio" e anche il più "originale" del gruppo, (dal 1980 "Making Movies" con i DS) e rimane sempre strepitoso anche in "Tunnel of Love", se non fosse che doveva destreggiarsi trai ritmi impazziti del batterista. Chris White, definito il più bello della band si destreggia ancora bene e raggiunge l'apice con il solo di sax in "Romeo and Julliet" e soprattutto con "Your latest trick" davvero impressionante il suo fiato ed il timbro indimenticato. Una serata quindi non da buttare, per la grandiosa venue reale e per la gioia di rivedere la metà di una grande band insieme dopo vent'anni come ai tempi d'oro.

Senza una guida diventa però tutto più leggero e dimenticabile, così questa si ricorderà come una bella serata "revival". Davvero troppa nostalgia, per i tempi che furono, per gli arrangiamenti di "Alchemy" e di "On the night" che, per chi non li ha visti in diretta, regalano ancora magici e fantastici momenti. Per chi credeva (come me) che il miracolo dopo l'apparizione di David Gilmour al Roger Water The Wall Live Tour, potesse ripetersi con il secondo miracolo di Knopfler (senza chiedere che anche Illsley ed il fratello David potessero salire sul palco), si deve ricredere di aver visto abbastanza ed essere contento lo stesso. Alla fine, quelli che c’erano, dopo questa serata, torneranno a vedere Mark con occhi differenti per l'aver capito la sua scelta artistica di virare in un mood più personale e creativo, e aver capito anche (se ce n’è fosse stato bisogno) chi era ed è l'anima del gruppo.

Sarà un peccato magari non poter più ascoltare questi pezzi dal vivo, così come son stati creati e con i contributi di tutto il gruppo, ma bisogna guardare avanti e continuare ad assaporarli nei dischi passati, e magari un giorno rivederli davvero tutti insieme. Se ancora oggi con gli assolo della chitarra di Mark ci si riesce ad infiammare e si può ascoltare ancora splendide ballate, è grazie al suo esclusivo talento creativo ed al suo “Golden Heart” che non ha mai smesso di battere da 33 anni a questa parte ed ancora crea idee e proseliti.

Antonello Furione

Setlist:

Intro

1. Private Investigation

2. Walk of life

3. Telegraph road

4. Romeo and julliet

5. Tunnel of love

6. Your latest trick

7. Brother in arms

8. Two Young Lovers

9. Sultan of swing

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Encore:

10. Money for nothing

11. Going home (Wild theme)

Marco Albani - Encuentro

2011-04-06T09:01:00.006+01:00

Nylon, Hammond, Passione e Charango.

A volte si trova una musica per tutti, una musica per tutte le stagioni, per ogni gusto, per ogni viaggio, una musica per ogni avventura, che ha il valore di accompagnarti nel tuo viaggio personale, portandoti per mano e riuscendo ad esaltare esclusivamente quello che vivi, senza troppa difficoltà, senza infastidirti, senza chiederti niente in cambio, esclusivamente rimane vicina ai tuoi pensieri come una buona compagna di viaggio. Questo è il caso di Marco Albani, con il suon nuovo lavoro “Encuentro” che arriva a quattro anni di distanza da “Chronos” (del 2006).

Nick the Night Fly ascoltando questo disco che di sicuro potrebbe inserire nella sua playlist notturna direbbe esclusivamente “Nice one...”, perchè non c’e’ proprio niente da aggiungere, solo da ascoltare un disco elegante e latino con qualche appiglio al mondo di Pat Metheny. L’artista romano, con la sua chitarra acustica, ci catapulta dentro ad un viaggio estivo e sudamericano, alla ricerca di nuove sonorità. Dal profondo Brasile di “Cadeau Cadeau”, dove l’occidente incontra altre culture, si passa ai tanghi argentini di “Pasiòn”. Undici brani acustici e strumentali, eccetto “O Meu Avo“ dove la malinconia e lo stupore vengono profondamente amplificate dalla voce di Umberto Vitiello: un testo in portoghese dedica al nonno che gli ha trasmesso l’amore per la musica.

Tra Jazz acustico e World Music si fondono passione ed entusiasmo, l'accuratezza e il tocco, portano la qualità di questo lavoro ad alti livelli. Fraseggi che spesso hanno il sapore della maestria, di chi improvvisando sa cosa dire e soprattutto sa dove vuole andare. Così sembra che la tecnica diventi sicurezza e semplice capacità di far parlare la propria chitarra. La bellissima chiusura del disco affidata a “Niños Por Siempre” fa rimanere sospeso tutto il viaggio, una melodia che insegue se stessa, ed è come se una volta che avete sperimentato il viaggio, con queste atmosfere, non potete far altro che lasciare il disco sul piatto e riascoltarlo di nuovo per continuare il vostro viaggio. È un album raffinato che non stanca. Accompagnato da tanti ospiti musicali come Maurizio Giamarco, Marco Siniscalco e lo Gnu Quartet. Albani arriva all’apice della musica latina partendo dal sud america e approdando alla fine nel Mediterraneo.

Antonello Furione

Contatti:

marcoalbani.com

REVEAL - [scopri-plagio] - "Noah and the Whale" Vs "The Kinks"

2011-04-04T23:37:00.000+01:00

Citazione ?!

First single from the new album 'Last Night On Earth'- out in March 2011

Written by Ray Davies and performed by The Kinks - Release 12.07.1970

TERZOBINARIO - La Prima Volta

2011-03-26T09:01:00.002Z

“Il mondo e grigio il mondo è blu”

"Siamo rimasti colpiti dalla frase di Eleanor Roosevelt: Dove hanno inizio, dopo tutto, i diritti umani universali? In posti piccoli, vicino a casa, così vicini e così piccoli che non possono essere visti su nessuna mappa del mondo. Il suo pensiero è alla base del testo di “Rights Here! Rights Now!” e il nostro desiderio è che da un piccolo posto che crede fortemente nei Diritti umani, quale è Villadose, il nostro grido possa diffondere la voglia di grandi cambiamenti". Questo era la dichiarazione dei Terzobinario al momento della vincita del premio Voci per la Libertà, Una Canzone per Amnesty XII edizione.

Il manifesto musicale di Michele Negrini (voce e chitarra), Marco Malavasi (tastiere e synth), Franco Manco (basso), Gionata Tralli (batteria) basterebbe già a mio avviso a farli amare, ma quando si ascolta il disco “La prima volta” per intero, almeno per quanto riguarda i testi, non si può proprio più avere dubbi. Pubblicato lo scorso 10 settembre, il disco d’esordio della band mantovana, contiene 10 pezzi originali ed una cover di Paolo Conte “Via Con Me”, con un particolare arrangiamento che non si discosta molto dalle sonorità dei pezzi contenuti nell’album. Michele Negrini ha una voce potente, chiara ed incisiva, e tutta la band è raccolta intorno al significato.

Brani come “Sono Stanco”, in cui si ascolta “Grido la mia indignazione perchè questo sistema promuove la collusione, sul vizio di forma e la norma che diventa eccezzione. Sono stanco stanco che sia normale, che sia onorevole un criminale, si perde il senso tanto è uguale, le cose avvengono e non sappiamo più come, chi controlla le parole ci racconta ciò che vuole, ma sono stanco....” oppure come la bellissima “La violenza - La misura di ciò che non sono” ci si sofferma sul fatto che le violenze abbiano imparato a camuffarsi e sempre meno riusciamo a riconoscerle come tali. Fra chi sottomette e chi subisce, spesso la violenza nasce dalla paura che ognuno di noi ha di rientrare fra questi ultimi. "Quanto più sono violento, quanto più sottometto gli altri, tanto io valgo": ed è per questo che la violenza diventa la misura di ciò che sono.

“Il mondo e grigio il mondo è blu” cantava Battiato parafrasando una canzone di Nicola Di Bari e così anche per i Terzobinario, i colori, le sfumature non sono solo binarie, ma vanno oltre, anche per la loro prima prima volta, che diventa un disco immediato, con una inusuale onestà e sensibilità critica, perchè ognuna di queste canzoni come spiegava in un intervista Negrini è frutto del bisogno di comunicare qualcosa e per questo ha una sua storia. E allora vengano canzoni magnifiche e da ascoltare assolutamente come “Le Piramidi” o “La prima volta” o anche un intensa e coraggiosa interpretazione di “Vieni via con me” di Paolo Conte. Ad una musica rock pop elettronica trita e ritrita si affiancano quindi ottimi testi e “La prima volta” risulta quindi essere un bel disco, come non ne ascoltavo da tempo. Questa band fa ancora pensare che esistano artisti che abbiano qualcosa da dire, ma la canzone d'autore “perfetta” se si vuole proprio, dovrebbe essere ricercata anche su strade musicali diverse, arrangiamenti e sperimentazioni per amalgamare e rendere se possibile ancora più carico il significato, senza perdersi in facili accordi, per far si che la musica come diceva Fossati continui a girare intorno.

Antonello Furione

Contatti:

www.terzobinario.it

myspace.com/terzobinario

HUMAN VOID - Era Zero

2011-03-22T09:01:00.001Z

Album di debutto per gli italianissimi Human Void: “Era Zero” un disco estremo e minaccioso, dal suono crudo tanto rapido quanto evanescente.

Anche senza troppe innovazioni la giovane band underground riesce ad emergere dal sottosuolo a pochi anni dalla sua nascita ed anche senza uscire dal suo genere crea comunque buon lavoro. Violenza sostenibile, ed un muro sonoro piuttosto lineare non sconvolge ma fa pensare che dal vivo, in un contesto adeguato, il lavoro possa diventare davvero qualcosa di buono ed accattivante. Per quanto riguarda il lavoro da studio, la sezione ritmica è davvero potente ma riesce a confondere, e offusca spesso lo sguardo su tutto quello che direttamente dovrebbe essere il messaggio che arriva all’ascoltatore.

E’ comunque un disco riuscito, la combinazione di metal ed industrial che parte dal passato, porta avanti la “vecchia scuola” con onore. Le scelte stilistiche meno lineari verranno si spera con i prossimi lavori, meno strutture precise e chiuse. Questo è un lavoro scorrevole, che non incanta ma non stufa nemmeno, freddo conciso e pulito al punto giusto. La rabbia interiore è incanalata, le parti elettroniche dosate bene. Gli Human Void se riusciranno a rallentare i ritmi tecnici ed a stare attenti al suonato, perfezionando la tecnica al di fuori della velocità saranno sicuramente sui binari giusti per arrivare a quello che vorranno nel panorama internazionale ed a stupire meglio che all’interno del mercato esclusivamente italiano.

Antonello Furione

Contatti:
myspace.com/humanvoiditaly

SINTOMI DI GIOIA - Interview (for live 93 Feet East 24.03.2011)

2011-03-21T11:58:00.001Z

SINTOMI DI GIOIA - Interview (for live 93 Feet East 24.03.2011)

Your First album “Segnalibro” released in 2008 was produced with Cristiano Lo Mele from Perturbazione and Alessandro Ciola from Imagina Production.How did you meet Alessandro?

We rang his doorbell and introduced ourselves! Alessandro listened to us live and in his studio, and after that we began collaborating. We recorded “Segnalibro” and part of “L’animale” at the Imagina Production studio. The recording studio is great especially for the atmosphere there.

2010 was the year when “L’animale” was released. “L’animale” is a peculiar album, as it includes three cover songs and one original song recorded with a cell phone. Why did you choose a cell phone to record your album? Was it a choice to remind everyone how people today often listen to music, including cell phone ring tones?

I usually record the first version of all my songs with my cell phone because is convenient and easy, so I did the same with “L’animale”. After we listened to the song we soon realized that that its mood was very peculiar. We could not have arranged the song in the studio without losing that original mood. We decided then to work on the original version. The original song as it was recorded with a few arrangements is the version we kept for the album. We decided together with Fabio Magistrali, who is the producer of our EP, to keep this song as close as possible to the original version.

Regarding the technical aspect of the song and the way it was recorded, it does probably suit well our times where despite the advanced technologies we have access to, many people end up listening to music playing from simple devices such as MP3 players and cell phones. It is also a way to focus more on the content and message of the song, and not too much on the tech toys it is recorded or reproduced with. Alessandro from Imagina Production supported us with this project from the beginning and by publishing this song, we made ourselves a fantastic and great present: we have freed ourselves from the traditional mindset that songs must be rearranged in studio.

You play the Le Orme cover “era inverno” in your album. Tell us more about your experience with Tony Pagliuca. What did you learn and what does your music have in common with the Italian progressive rock of the seventies?

In some reviews of Segnalibro, our style is associated with Progressive rock. We were honestly surprised to read these comments but I think the way we structure our songs, the succession of specific sounds can recall the prog rock approach.

Playing with Tony Pagliuca has been a great learning experience. He taught us that if you make music for yourself, to nurture your passion, you never stop making music. Tony is very knowledgeable of the contemporary music scene and he made us feel at great ease. He is an extremely pleasant and affable artist and professional. Together we had very spontaneous chats about how to play different parts of the song, such as how the organ should sound in “Era Inverno” and so on.

“Felona e Sorona” by Le Orme, where “Era Inverno” is from, is a great album and we played with the same Tony Pagliuca of those times! It was a great experience for us and we didn’t celebrate enough for the great opportunity we were given. We should miss a practice once and buy ourselves a lobster dinner!

We felt the same after playing “Arrivederci Addio” by Pertubazione. Their album “in circolo” where Arrivederci addio is from is great and we deeply admire Perturbazione.

This is the first time for you to play in England. How do you feel about it?

I think I will make mistakes and forget some words of our songs! Many people won’t understand right?! Just kidding. We are very proud and excited to play in a city such as London. It is hub for culture, music, art and we will have the opportunity to play in front of a truly omnivorous audience. I hope our English friend will be able to listen and enjoy the sounds of our music and of our language. We expect a lot of people to come and we are truly happy about this opportunity.

What are your future projects? one question as a fan: when are you going to release your next album?

We are planning to release an EP by the end of this year and a full album by the end of 2012. We have plenty of material ready to be recorded but everything will depend on our own personal commitments and also on the number of live shows we will do. Things never go as you expect them to go.

Antonello Furione

PIERO DELLE MONACHE - Welcome

2011-03-20T09:01:00.002Z

Un mini album, ventisette minuti soltanto per un ottimo antipasto di benvenuto. Fresco, deciso ed elegantemente aggressivo, “Welcome” è un lavoro di alta qualità, traghettatore di uno stile linguistico-narrativo che trova origini nel passato, in un tipo di jazz comunque moderno, tra Charlie Parker, John Coltrane ed il grandissimo Sonny Rollins, per arrivare ad un jazz di più recente di matrice Chill Out/Elettronica di stampo newyorkese.

Cinque brani ed un reprise, tutti scritti dal giovane sassofonista, ad eccezione della brevissima Noir Intro (Diodati e Ceccarelli) e Noir, del solo chitarrista romano, dove spicca la tromba di Andy Gravish. Piero Delle Monache, pescarese, classe 1982, laureato al Conservatorio e produttore dell'etichetta Altotenore ha le idee chiare in questo album di debutto ed è alla ricerca di innovazione. Cura con sapienza le atmosfere corpose e fluide dai molti colori, rimanendo in perfetto equilibrio tra i musicisti. I suoni caldi sembra abbiano esclusivamente il compito di esprimere quello che Delle Monache ha nel fiato, nella testa e nel cuore. Il sassofonista abruzzese ora vive a Bruxelles, dove ha trovato terreni più fertili per la musica e condizioni e occasioni più rispettose per chiunque voglia esibirsi e raccontare con uno strumento la propria arte.

In questo album l'artista, cerca di mantenere un sound il più omogeneo possibile per aiutare chi come tanti, si stuferebbe e non avrebbe la testa per iniziare ad ascoltare al jazz partendo dai classici anni ’50, "Welcome" è un lavoro che, anche se non si può paragonare ai tanti capolavori di quell'epoca, può essere sicuramente un buon punto di appiglio ascoltare qualcosa di nuovo, che ha origini nel passato più lontano e per qualcuno più complicato della storia della musica jazz. Questo è solo il primo passo di Delle Monache, che non sembra volersi fermare, dalla creazione della sua etichetta discografica, ha una miriade di altri progetti musicali paralleli, possiamo solo dirci molto curiosi di vedere quello che accadrà, anche perchè, con questo disco coinvolgente e accessibile, Piero ci ha dato solo giusto un piccolo benvenuto.

Antonello Furione

Contatti:

www.pierodellemonache.net

www.myspace.com/pierodellemonache

www.altotenore.com

Perturbazione + Sintomi di Gioia [24.03.11 - Live in London - Interview]

2011-03-15T14:32:00.004Z

In occasione del loro prossimo battesimo londinese i Perturbazione rilasciano un’ intervista interessante sul futuro e su cosa si aspettano dalla data all 93 Feet East di Londra il prossimo 24 Marzo. A supportarli come "special guest" ci saranno anche i Sintomi di Gioia che hanno ultimamente collaborato con loro. Anche loro alla fine hanno risposto a qualche domanda sull’evento.

PERTURBAZIONE

Partiamo dalla fine, uno degli ultimi live: come è stata la vostra esperienza a LifeGate Radio e alla Salumeria della Musica? Anche visto le catastrofi nucleari di questi giorni, qual è il vostro rapporto con l’ecologia?

L'esperienza alla Salumeria è stata fan-ta-sti-ca. Posto bellissimo, bella l'idea della diretta per la radio, pubblico in sala come sempre attento e affettuosissimo. Una serata speciale in una città (Milano) divenuta ormai per noi altrettanto speciale. Quanto al nostro rapporto con l'ecologia non so davvero che dire, mi sembra un tema troppo individuale e che ognuno considera come crede nella sua vita. Diciamo che viaggiamo tutti assieme (band e strumenti) sullo stesso pullmino, quindi proviamo ad abbattere l'inquinamento gratuito :-) Non c'è molto di immediato e diretto che una band possa fare e tutta la storia delle emissioni zero mi pare un po' demagogica.

E’ la prima volta che venite a suonare a Londra ed in Inghilterra? Cosa vi aspettate da questa data Inglese?

Per chi come noi è cresciuto ascoltando musica inglese (e americana) è l'avverrarsi di un sogno. Come andare dove tutto è nato, in una metropoli, un paese, che conintua e continuerà a tirar fuori sempre nuovi stimoli e nuove band. Mi aspetto che qualcuno incuriosito da questa strana band italiana che usa la sua lingua e non l'inglese possa venire a vedere concerto e canzoni senza pregiudizi. Così come speriamo che siano incuriositi alcuni italianai ormai residenti a Londra, consci del fatto che in Italia c'è anche un'altra musica, oltre a quella più becera e tradizionale.

Che cosa vuol dire essere musicisti indipendenti in Italia? E' diverso che esserlo in Inghilterra secondo voi? Voi di definite indipendenti?

Veramente a noi delle definizioni non importa nulla, non ci definiamo e basta. Essre indipendenti in Itaia è una necessità, anzi tutto, più che una scelta. Poi, certo, ci sono i benefici del caso, la libertà artistica e così via. Ma essenzialmente mancano gli investimenti, cosa ben diversa dall'Inghilterra, dove anche label totalmente indipendenti gestiscono budget che permettono agli artisti di crescere. Noi in pratica facciamo tuto da soli, il che spesso è un problema. Ma è anche vero che il nostro DIY credo abbia contribuito a farci crescere e renderci più solidi, più consci.

Avete mai pensato di portare il progetto "Le città viste dal basso" fuori Italia?

Onestamente non ci abbiamo mai pensato. Sarebe interessante sì, è pieno di meravigliose canzoni sulle città, soprattutto lontano dall'Italia. Ma è pur vero che il progetto è nato con una base narrativa fortemente italiana, con il racconto delle città italiane. L'iter per eseguire questo spettacolo all'estero sembra un po' tortuoso.

Avete mai pensato di collaborare con musicisti stranieri o inglesi? Se si, a chi avete pensato?

Abbiamo pensato, soprattutto ai tempi di Pianissimo fortissimo, a dei produtori stranieri. Ci piaceva molto l'idea di lavorare con Chris Walla (produttore e chitarrista dei Death Cab For Cutie), ma la sua agenda era pienissima, quindi non ce l'abbiamo fatta. Abiamo tentato un abbocco con Phil Ek, altro produttore americano, ma diciamo che ci sono state divergenze artistiche. Per il resto ci piace esgeuire ogni tanto dal vivo brani di band inglesi (Roxy Music, Cure, Smiths) o americane (Sufjan Stevens, American Music Club).

Come si coniuga la scena indie e tutti i format tipo x-factor, amici e vari? Dove sta la possibilità di uscire allo scoperto anche se non subito diventare famosi, farsi conoscere con le proprie idee e le proprie cose da dire? Voi che siete ormai un gruppo “rodato” dov’è il compromesso?

Noi non siamo famosi, non nel senso tradizional almeno. Abbiamo un nucleo di persone ch ci seguono ormai da anni e che per fortuna si rinnovano in tutta Italia. Da qui ne discende che nel nostro caso non esiste alcun compromesso: nel bene e nel male, noi siamo veramente quello che siamo e suoniamo per dirla con David Bowie. Il mondo dei talent è qualcosa che non ci riguarda, senza giudizi etici o estetici. Non abbamo fatto quel percorso, non ci interessava né ci interessa farlo. Veniamo dalla musica suonata, dai sogni sotto forma di dischi, dai palchi delle birrerie e dei centro sociali. E' un'iconografia se vuoi tipica, ma è la nostra storia. Scrivere, comporre, registrate, andare in giro. Se qualcuno ci segue è perché raccontiamo il nostro pezzo di storia e suoniamo la nostra musica, non quelle di altri con parole di altri inserite dentro griglie confezionate. La nostra identità per così dire artistica è la nostra anima, sporcarla non avrebbe (avuto) senso.

Ci parlate un po’ dell’esperienza di Radio Deejay ? Com’è andata veramente?

Dipende a cosa ti riferisci. Nel 2003 per caso Linus ascoltò Agosto e Nicola Savino vide il video su MTV. Entrambi rimasero colpiti da canzone e clip, quindi il nostro rapporto con loro è nato lì, con la programmazione della canzone. Tanto che qualche anno dopo hanno chiesto a Tomi di reinterpretare la sigla finale di "Deejay chiama estate". Nell'autunno del 2010 è poi successo che Deejay ha cominciato a passare insistentemente Buongiorno buonafortuna. La canzone è piaciuta anche al pubblico (sennò ci mettono poco a toglierti dalla programmazione) e da lì sono accadute altre cose. Siamo stati ospiti di "Tropical Pizza", una dlelle trasmissioni di punta dell'emittente. E poi abbiamo rielaborato la sigla di "3 minuti", lo show serale che va in onda dal lunedì al venerdì.

In quale momento della vostra carriera durante le interviste hanno smesso di chiedervi "Perchè vi chiamate così?"

Temo che non abbiano ancora smesso a dire il vero. Il peggio è quando qualcuno (credendosi originale) fa la rima con masturbazione. Desistete, l'hanno già fatta altri mille prima di voi.

Quando usci "In circolo" c'era una frase tipo "un gruppo che potrebbe suonare a San Remo come in un centro sociale". Avete mai pensato di andare a San Remo visto che dei musicisti con cui avete collaborato come Mauro Ermanno Giovannardi o Afterhours hanno partecipato?

Sanremo rimane tuttora uno dei nostri sogni bagnati, lo diciamo senza facili snobismi. A Sanremo ci siamo conosciuti durante una vacanza io, Tomi e Gigi, anzi tutto. Poi c'è una questione di immaginario italiano che in parte Sanremo rappresenta. E la volontà di esibirsi dal vivo con l'orchestra, con i nostri genitori felici di tanti sforzi, sul divano magari. Ciò detto, centri sociali, rispetto a una volta, ce ne sono di meno, ma da lì siamo partiti, girando l'Italia.

Che impressione vi ha fatto quando una band come i Sintomi di gioia ha scelto di lavorare su una vostra cover? Direi che siete ormai un punto di riferimento per alcuni musicisti italiani? Quali progetti avete per il futuro prossimo?

Quando veniamo a sapere che qualcuno riprende in mano un nostro pezzo naturalmente è sintomo... d'orgoglio. Non credo che i Perturbazione siano un riferimento. Credo però che il fatto di aver sempre lavorato sulla nostra identità, non svilendola, abbia fatto sì che molti si accostassero al nostro gruppo con affetto e rispetto per il nostro percorso e per le cose che cerchiamo di dire. Poi possiamo non piacere, ma fa parte dle gioco. In futuro abbiamo in mente diversi progetti, tantissimi, forse troppi: un disco nuovo fra un po', portare in giro La buona novella di De Andrè in occasione del quarantennale del disco, un progetto basato su rilettura e traduzione di cover italiane e non. E fra un po' scocca il decennale di In circolo...

SINTOMI DI GIOIA

Il vostro primo disco "Segnalibro", uscito nel 2008 è stato prodotto con Cristiano Lo Mele dei Perturbazione ed Alessandro Ciola (Imagina Production). Come avete incontrato Alessandro e il suo studio?

Ci siamo letteralmente presentati suonando il campanello. Alessandro ci ha chiesto di poterci ascoltare anche dal vivo. Abbiamo suonato in studio e da lì è nata la nostra collaborazione. Ad Imagina Production abbiamo registrato sia “Segnalibro”, il nostro primo album del 2008, sia parte de “L’animale”. Imagina Production è uno studio molto bello anche per l’atmosfera che si respira.

Nel 2010 è uscito l'EP "L'animale" con tre cover e un vostro pezzo originale registrato con un telefono cellulare e rielaborato in studio. Perchè con un cellulare? Rispecchia forse la qualità di ascolto che si fa oggi della musica in generale, suonerie comprese?

La scelta di utilizzare un cellulare è venuta spontaneamente poiché solitamente registro le prime versioni delle canzoni con il telefono, per comodità. Pian piano ci siamo resi conto che la versione di quella canzone in particolare (“L’animale”) aveva un’atmosfera impossibile da riprodurre e così abbiamo deciso di lavorare su alcune sovra-incisioni della traccia audio originale registrata con il telefono. Questa traccia (escluse sovra-incisioni) resta la prima e unica versione di questo pezzo, è stata registrata mentre la scrivevo. Abbiamo preso questa decisione insieme a Fabio Magistrali che è il produttore artistico di questo ultimo EP. Poi hai ragione, riguardo all’aspetto tecnico questa scelta si sposava anche bene con il periodo storico attuale in cui si utilizzano tecnologie di altissima qualità per registrare ma la gente comune ascolta la musica in formato mp3 dalle casse di un portatile. Forse per noi è un motivo in più per cercare di concentrarsi maggiormente sui contenuti anche quando abbiamo macchine splendide a disposizione. Alessandro di Imagina Production ha accolto il progetto a braccia aperte e noi ci siamo fatti un regalo enorme pubblicandola, è una liberazione e un premio che ci siamo concessi.

In "L'animale", c'è una cover di "Era inverno" de Le Orme. Che effetto vi ha fatto suonare con Tony Pagliuca? Cosa vi ha insegnato? Quale affinità ha la vostra musica in comune con quella prog rock degli anni settanta?

In alcuni recensioni si parlava di “Segnalibro” come di un disco con influenze Prog degli anni settanta, noi ne siamo stati sorpresi, forse è il nostro modo di strutturare alcune canzoni o di dare un senso di causa e conseguenza a determinati eventi sonori che poteva richiamarne l’approccio. Tony ci ha insegnato che se fai musica per te stesso di solito non smetti mai. Può spaventare ma è tendenzialmente vero. Tony è molto attento al panorama musicale attuale, ci ha messo a nostro agio, è una persona molto gentile. Pensa che mentre si pranzava si discuteva insieme su come suonare la parte di organo nella nostra versione di “Era Inverno”. “Felona e sorona” de Le Orme è un disco incredibile e noi abbiamo suonato con lo stesso Tony che ha suonato in quel disco!!!! … Forse non abbiamo ancora festeggiato abbastanza per questo evento. Dovremmo imporci di saltare una prova e cucinare un’aragosta :)! Questo vale anche per "Arrivederci addio" dei Perturbazione, "In circolo" è un disco stupendo.

Non avete mai suonato in Inghilterra? Cosa vi aspettate? Siete attratti da questa esperienza?

Mi aspetto di poter sbagliare i testi… molta gente non capirà l’italiano :) e nello stesso tempo sono contento di cantare nella mia lingua in una capitale della cultura come Londra davanti ad un pubblico onnivoro. Spero che gli inglesi possano apprezzare anche solo il suono delle parole come abbiamo fatto noi per molti anni, prima di avere una buona conoscenza dell’inglese. Ci aspettiamo tanto pubblico, siamo molto contenti.

Quali sono i vostri progetti futuri ? Una domanda da fan: A quando un disco “completo?

Sai che le cose non vanno mai come si programmano ma ti posso dire che vorremo far uscire un’altro EP entro l’anno e stiamo pensando ad un nuovo album più sostanzioso per il 2012. Abbiamo molto materiale già registrato su cui stiamo lavorando da tempo. Mi piacerebbe molto mantenere queste scadenze ma dipende dai nostri impegni personali e anche dal numero di live che faremo.

Bene allora l'appuntamento è per giovedì 24 Marzo al 93 Feet East a Londra.... e con queste premesse proprio non potete mancare!!!!

Piccola Bottega Baltazar - Ladro di rose

2011-03-14T09:01:00.003Z

La paura di scegliere.

Tra Brassens, Tenco e De Andrè, forse non c’è così un abisso, ma lo stile folk tradizionale, teatrale e cantautorale italiano a parole unisce davvero un panorama musicale troppo vasto per poter esser descritto in un ora o poco più. Così, in questo lavoro, l’enormità di parole trova poca ricerca, poco spessore e poca continuità. Parole e parole ed un dialetto veneto un po’ fastidioso. A tre anni di distanza da "Il disco dei miracoli", La Piccola Bottega Baltazar pubblica un nuovo lunghissimo lavoro, quindici brani che vedono la produzione artistica di Carlo Carcano. La formazione padovana, nata nel 2000, con questo nuovo lavoro intitolato “Ladro di Rose” continua a percorrere la stessa strada del passato, una canzone d’autore artigianale e costruita al millimetro. “Ladro di Rose” è dedicato alla memoria del poeta afghano Zaher Rezai, morto nel 2008 a Mestre, durante il viaggio verso la terra promessa italiana e la speranza di una vita migliore.

La buona novella di De Andrè, ripresa e aggiornata non è più così lieta, invece di avere un occhio all’esterno con l’idea di innamorarsi di tutte le novità, in questo lavoro tutto sembra volersi richiudere nel “casolare” della propria abitazione, nella propria provincia, con un occhio, con una scelta, quella proprio a partire proprio dal dialetto che stona non poco con i 150 anni dell’unità d’Italia. La voce di Giorgio Gobbo, racconta denunciando un mondo disilluso, dove tutto è esclusivamente raccontato senza prendere parti. Il fenomeno tutto Veneto che appassiona il pubblico locale e la critica, tocca un enormità di temi: migrazioni, fabbriche, serate in discoteca, razzismo, una miriade di racconti popolari che non riescono ad essere sviluppati ne musicalmente ne per lo stile o per le liriche e rimangono esclusivamente narrati.

Tra le migliori dell’album sicuramente la di calviniana memoria “Se una notte d’inverno...” e “Ferragosto nell’Orto” davvero intense. Probabilmente se si fosse riuscito a scegliere le migliori canzoni arrivando ad avere un opera di 9/10 pezzi questo disco sarebbe potuto essere completamente diverso, migliore, più diretto, deciso e di facile comprensione.

Il coraggio di decidere e scegliere quelle che sono le migliori canzoni, le migliori parole, le migliori note ed anche i migliori silenzi forse fa davvero la differenza. Le parole servono a comunicare e raccontare storie, ma anche a produrre trasformazioni e cambiare la realtà. Quando se ne fa un uso lontano dalla realtà o insicuro, l'effetto è il logoramento e la perdita di senso. Ripensare il linguaggio quindi, per una band così elegante, e con tante potenzialità potrebbe essere la svolta per una comprensione più diretta e essenziale e parlando di rose questa volta davvero pungente. In definitiva è un disco molto interessante, ma difficile e purtroppo per pochi.

Antonello Furione

Contatti:

www.piccolabottegabaltazar.it

www.myspace.com/piccolabottegabaltazar

24.03.2011 PERTURBAZIONE + SINTOMI DI GIOIA live @ 93 Feet East

2011-03-12T19:24:00.004Z

24th MARCH 2011 - TIJ EVENTS PRESENTS:
PERTURBAZIONE + special guest SINTOMI DI GIOIA
7:30PM - 11:00PM - £5 ENTRY

BUY TICKETS HERE

PERTURBAZIONE is an Italian rock band formed in 1998 in Rivoli, Turin. Founding members are Tommaso Cerasuolo and Romasso Antonio Lo Mele. They were joined a year later by Stefan Milano and Gigi Giancursi. Their debut album, 'Waiting To Happen' was released in 1998, featuring their debut single 'Violet'. Elena Diana joined the band to enrich the sound with her piano and cello. At the beginning of 2002, the band release 'In Circles', featuring 'August' which wins an award for the best animated video in 'Videoclipped The Radio Stars'. In 2006, Tomasso designed and directed the music for a short film. The orchestral concert created a unique show for the Cafè Liber in Turin. The story is of a man grappling with the most cinematic of its essence: his own shadow. The orchestra, which is the rest of the group, said 'with its unusual themes, the show finds its essence in live performance'. It has already been performed in cinemas, concert halls and theaters around the world.

More about this gig

How do you describe the indescribable? With difficulty! SINTOMI DI GIOIA are one of the most interesting and promising new bands to emerge from Italy in recent years. They span indie, rock and acoustic music with flair and ease and to top it all, they have a killer sense of humour. The band has collaborated with the headliners of this fantastic evening in their native Piedmont. Catch them at their London debut. Enjoy!

R.E.M. - Collapse Into Now

2011-03-11T19:33:00.005Z

Seguirà "Loosing My Religion"?!

Tra tanti ricordi nostalgici, brani rivisitati e corretti dagli archivi storici, poche chicche geniali, che comunque stenteranno a lasciare il segno nel panorama della musica mondiale “Collapse Into Now” e il nuovo lavoro dei R.E.M: il quindicesimo. Non stupisce, non crea rivoluzioni, ma proprio per la sua semplicità questa volta forse è geniale. Nonostante i motivetti che continui a cantare come mantra anche dopo pochi ascolti, rimane un disco che sarebbe dovuto uscire dieci anni fa, prima della lunga carrellata di canzoni soporifere ed album noiosi che seguirono l’uscita dalle scene del batterista Bill Berry.

La band ha registrato il disco a Berlino negli Hansa Studio ed il risultato è discreto, ha lavorato anche sulla lunghezza dell’intero lavoro che dura più dell’ultimo album da studio: “Accelerate” del 2008 (che rasentava ogni record con i suoi 34:39) ed ha lavorato anche sicuramente sulla qualità, con i tanti aiuti degli amici più stretti, che nei momenti del bisogno servono sempre. Le scoperte partono proprio tralasciando le prime due canzoni Rock-mono-tone di apertura e arrivando diretti alla traccia tre: Überlin, ovvero “Drive/Fall on Me” (1988 e 1992) sono queste le chicche dal cilindro del mago Stipe che aspettavamo da anni. Scott McCaughey nel valtzer “Oh My Heart” è presente fin troppo e quasi fa perdere le tracce dei Rem, ottimi i brani come la divertente A.A.A.A. “Alligator Aviator Autopilot Antimatter” dove la voce di Merrill Beth Nisker, leader dei Peaches è semplicemente di monsteriana memoria.

Uno dei brani forse più belli del disco è :"Every Day is Yours To Win", ma la parte più bella del disco continua con un possibile prossimo singolo: "It Happened Today"backing vocals Mr. Eddie Vedder che a stento si sente. Con "Discover" e "Blue" (Country Feedback / E-Bow the letter) cantate entrambi da Patti Smith sono molto interessanti, ma gli ospiti in questo album hanno sempre pochissimo spazio e sembra solo che con il loro aiuto Michael riesca solo a trovare più facilmente l'ispirazione. Tutto è solare e sembra che i musicisti si divertano ed abbiano trovato davvero la giusta chimica per risollevare egregiamente le sorti della carriera della band di Athens Georgia. Stipe crea per divertirsi e ci crede davvero. "Mine Smell Like Honey" poteva essere contenuta in "Green" e suona come "Orange Crush","Walk it Back" è "Sad Professor"contenuta in Up, "That Someone is You" è Hyena di Life Rich Pageant. I suoni vengono comunque curati come sempre alla perfezione: d’altro canto Stipe è sempre stato un perfezionista.

Strano pensare che con la dipartita di Berry nel lontano 1998 con l'album “New Adventure in Hi-Fi" sia da dieci anni che la band sia ancora alla ricerca di quel sound e di qualcosa di nuovo che nei novanta portò loro tanta fortuna. Dopo aver provato e riprovato a lungo, c'e sempre la nostalgia che galoppa e la sicurezza di buone canzoni che anche se riprese e riprese ancora, alla fine funzionano sempre sul pubblico almeno, ed alla fine trovano facile rifugio sempre e comunque nella chitarra di Buck.

Dopo aver riascoltato la “Compilation anni '90” che avrebbe dovuto segnare il crollo che si legge nel titolo, ci si rende conto che anche se Stipe appaia un po’ stanco ed il suo sound ogni tanto datato “è successo oggi” che i Rem si stiano riscoprendo, perchè in fondo "ogni giorno è un giorno buono per poter vincere". Allora anche se le cose non cambieranno mai, la strada è sempre quella, si fa bene percorrerla fino alla fine, sempre e solo quella, trovando nuovi significati, nuove luci, mentre si è accompagnati dalle più sane ispirazioni artistiche degli amici, che si troveranno di giorno in giorno sulla propria cammino e su quello che si farà tornando a casa.

Antonello Furione.

Mumford and Sons. @ Dingwalls, Camden Lock, London. 22nd February 2011

2011-02-23T22:58:00.000Z

London - In un intimo spettacolo al Dingwalls di Camdem i Mumford and Sons sono tornati la scosa sera per presentare una manciata di nuovi brani ancora in lavorazione. Tornano in questo piccolo locale da 400 persone dopo che nel novembre del 2008 avevano presentato il loro primo e fortunato Ep “Love Your Ground”. Ad accompagnarli nella lunga serata anche l’esplosiva Anna Calvi, Marcus Foster e Rachel Sermanni.

Poteva essere il solito concerto alla fine di un meraviglioso tour esclusivamente per battere cassa, ma il il gruppo ha pubblicato solo un album e cosi nonostante abbia già ampiamente dimostrato di essere davvero geniale, ha pensato bene di testare sul pubblico londinese il nuovo repertorio. E stato così il banco di prova per una lunghissima serie di nuovi brani che hanno accompagnato il pubblico del Dingwalls per un oretta (22.20 - 23.45). Solo quattro brani del album d'esordio e tante belle sorprese.

Marcus Mumford, abbastanza nervoso per il numero di persone e si vede intento a ricordarsi i testi dei nuovi brani, così la scelta della scaletta insolita ha dato prova di quanto la band sia già ampiamente proiettata verso la pubblicazione di un nuovo lavoro. Marcus si sposta alla batteria con facilità, o imbraccia una chitarra elettrica rossa fiammante.

Se “Cavallo che vince non si cambia” come diceva in un intervista di un po’ di anni fa Richie Sambora dei Bon Jovi (prima del crollo artistico) anche i Mumford sembrano cavalcare in grande stile le sonorità del passato, non scostandosi molto da “Sigh no more”, nonostante questo alcuni “inserti” ancora in lavorazione fanno davvero ben sperare e scoprono gioielli che sarà interessante ri-ascoltare capirne l’evoluzione in un prossimo lavoro da studio.

E stata come una prova generale, per capire quanto le nuove canzoni alcune anche senza titolo, alcune non finite e come ha annunciato Marcus sul palco alcune anche senza idee potessero funzionare, e l’ottimo banco di prova ha probabilmente avuto i risultati sperati. Anche perché anche senza parlare di “cavalli”, al momento, non c’e’ proprio motivo per la band di andare a cercare altre sonorità perfette, rischiando di perdere il successo ottenuto. Per il futuro più a lunga distanza si vedrà ma per il momento nessuno si e ancora stufato di questo sound folk così tanto antico e traditional che pare tanto innovativo e coinvolgente e ancora da scoprire.

Antonello Furione

Setlist Mumford and Sons:

1. Below My Feet

2. Nothing Is Written

3. Roll Away Your Stone

4. Lover Of The Light

5. Timshel

6. Walk Slow

7. Broken Crown

8. Awake My Soul

9. Hopeless Wanderer

10. The Cave

11. Angeline The Baker

12. Sigh No More

13. Whispers In The Dark

14. Little Lion Man

Vinicio Capossela @ Barbican - London 15.2.2011

2011-02-22T12:08:00.002Z

“Finche non arrivano i Barbari al Barbican”

- Londra - Aveva promesso “Niente Canzoni D’Amore” per il concerto di San Valentino tenutosi a La Cigale di Parigi, ed invece le canzoni d’amore ci sono state, eccome, come sempre le migiori del repertorio di Vinicio. Ci sono state anche il giorno successivo al concerto del 15 Febbraio al Barbican di Londra costruito a puntino per festeggiare "2Oth years show", che ha ripercorso i primi vent’anni di successi dell’artista. Accompagnato sul palco da Jimmy Villotti, Giancarlo Bianchetti alle chitarre, Enrico Lazzarini al contrabbasso, Zeno De Rossi alla batteria, Mauro "Otto" Ottolini al trombone, Achille Succi al sassofono, Alessandro "Asso" Stefana, Glauco Zuppiroli, l’incredible Vincenzo Vasi al theremin, ha costruito una scaletta perfetta, oltre a vecchi brani c’e’ stato anche lo spazio per un paio di anticipazioni del nuovo album di prossima uscita. Il disco che Vinicio ha definito di “Faith, Destiny and seas”, un'opera sul fato, sul viaggio ed il mare è una metafora del destino umano. Da Omero a Dante, da Melville a Conrad, il disco, registrato in gran parte ad Ischia, nella sarestia della Cattedrale dell’Assunta e nel Castello Aragonese, trova ispirazione nella letteratura di tutti i tempi e in cui risuoneranno il mito, le voci di marinai, di profeti sirene e balene.

Nella Music Hall londinese i concerti come tutti gli spettacoli iniziano molto presto e alle 8.15 Capossela era già sul palco davanti ad un pubblico numeroso. “God Save the Queen... Swan” Entra così in scena dopo un breve avan-spettacolo del Mago che ormai è diventato un rito per ogni introduzione di ogni suo concerto. Da “Con una Rosa” da Canzoni a Manovella (2000) a “Ultimo Amore” contenuto in Modì (1991) è una immensa “Gio-gio-ia” scoprire che tra il pubblico pagante ci siano anche tantissimi inglesi, che al termine dello spettacolo composti come sempre sussurrano di aver scoperto ed apprezzato non poco il cantautore italiano, qualcuno si ripromette di tornare per uno spettacolo futuro.

Per tutta la serata, comunque, vi è l’impressione che anche se si può “esportare” l’arte nostrana, Vinicio sia davvero “nostro”, esclusivamente italiano. Magari non ci sarà disaccordo nel cielo, come canta lui, ma sarà difficile percepire in profondità la corrispondenza tra testi cantati in italiano le le emozioni che riescono a suscitare esclusivamente a chi riesce a capirle. Così come erano inascoltabili i brani degli anni sessanta tradotti, Vinicio ha un carisma strepitoso, unico e probabilmente questo lo aiuta a trasmettere il suo genio anche a chi non ne capisce proprio tutto il significato.

Confrontarsi come fa lui col mondo estero, come fanno in pochi nel nostro paese, vuol dire mettersi in gioco e anche con vent’anni di esperienza rischiare e arricchirsi con coraggio. Tra l’acustica esibizione de “Il paradiso dei calzini” si passa a “Maraja” per arrivare a “Si è spento il sole” dedicata all’amore di suo padre per Adriano Celentano. Davvero interessante il medley del brano di Renato Carosone “E la barca torno sola” con “Che Cos’e’ l’amore”. Scorrono veloci “Non è l'Amore che va via”, “Corvo Tordo” e "Nella Pioggia” dove tutti schioccando le dita creano il rumore a comando della pioggia. Sono forti emozioni e ottima musica.

Poco dopo metà concerto, viene il momento tanto atteso dei nuovi brani. Il primo degli inediti (Jim?!) è un brano sull’irreparabilità degli errori, dove nessuno è mai protetto dalla sua debolezza. Il secondo inedito è un brano quasi che si potrebbe definire di risurrezzione di stampo dantesco, dove s’invoca la guarigione solo a chi ha la Cura dal male d’amore, “per tornare a vivere per te, per tornare a vita per noi”. Il live prosegue senza pause, ed entra nella sua fase più “animelesca” per “L’uomo Vivo (Inno Al Gioia), “Al Colosseo - Il Rosario Della Carne”, “Brucia Troia” ed infine il tanto atteso “Il Ballo di San Vito”dove tutti si scatenano alzandosi in piedi e ballando. Con l’indimenticabile “Ovunque Proteggi” (dedicata a Renzo Fantini) si conclude il concerto.

Questo sentimento di appartenenza che pare quasi un specie di unità ritrovata, (sembra vivo solo all’estero ahimè) e anche solo se per poche ore comunque ha fatto intravedere il vero orgoglio di essere italiano. C’e’ da chiedersi allora se siamo “Orfani ora” e se questo sconosciuto sentire possa esistere ancora oggi nella realtà anche in Italia. Dovremmo forse farci aiutare a ritrovarlo dai veri artisti, come Vinicio, che portanando l'italianità all'estero in maniera semplicemente geniale trasmettono le proprie radici a chi non le conosce o chi ha le dimenticate, senza distorsioni in modo naturale e libero.

Il concerto di Capossela fa parte di una rassegna del “Tij Events”, una rassegna per promuovere la cultura italiana all’estero. Introdurre le comunità straniere all’arte, alla cultura e allo stile del Belpaese, profondamente radicato nel passato e costantemente proiettato verso il futuro. Così i rappresentanti dell’Italia d’oggi sono i futuri “traghettatori” culturali. Il programma continuerà con i Litfiba il 3 Marzo al HMV forum, Beppe Grillo all’O2 Shepherds Bush Empire il 12 Marzo, i Perturbazione al 93 Feet East il 24th Marzo e gli Africa Unite il 10 Aprile al Barfly.

Antonello Furione

A Ernesto

Setlist:

1. Intro mago

2. Con una Rosa

3. Ultimo Amore

4. Il paradiso dei calzini

5. Maraja

6. Si e’ spento il sole

7. I Pianoforti Di Lubecca

8. Dove siamo rimasti a terra Nutless

9. Pena dell’alma

10. E la barca torno sola / Che Cos’e’ l’amore

11. Non E' L'Amore Che Va Via

12. Corvo Tordo

13. Nella Pioggia

14. Orfani Ora

15. La Faccia della Terra

16.* [Lord Jim - inedito1]

17.* [Billy Budd - inedito2]

18. Dio, chi mi difenderà?

19. Santissima dei naufragati

20. L’uomo Vivo (Inno Al Gioia)

21. Al Colosseo - Il Rosario Della Carne

22. Brucia Troia

23. Il Ballo di San Vito

24. Ovunque Proteggi

Domani...

2011-02-13T19:44:00.000Z

Amore
non ha senso incolpare qualcuno
calcare la mano
su questo o quel difetto
o su altre cose che non contano affatto.

Amore
non ti prendo sul serio
quello che ci manca
si chiama desiderio.

Il desiderio
è la cosa più importante
è l’emozione del presente
è l’esser vivi in tutto ciò che si può fare
non solo nell’amore
il desiderio è quando inventi ogni momento
è quando ridere e parlare è una gran gioia
e questo sentimento
ti salva dalla noia.

Il desiderio
è la cosa più importante
che nasce misteriosamente
è il vago crescere di un turbamento
che viene dall’istinto
è il primo impulso per conoscere e capire
è la radice di una pianta delicata
che se sai coltivare
ti tiene in vita.

Amore
non ha senso elencare problemi
e inventar nuovi nomi
al nostro regredire
che non si ferma continuando a parlare.

Amore,
non è più necessario
se quello che ci manca
si chiama desiderio.

Il desiderio
è la cosa più importante
è un’attrazione un po’ incosciente
è l’affiorare di una strana voce
che all’improvviso ti seduce
è una tensione che non riesci a controllare
ti viene addosso non sai bene come e quando
e prima di capire
sta già crescendo.

Il desiderio è il vero stimolo interiore
è già un futuro che in silenzio stai sognando
è l’unico motore
che muove il mondo.

[Giorgio Gaber]

Deco - La stanza dei colori

2011-01-22T16:31:00.000Z

Ne sentivamo proprio il bisogno di un disco così? Ebbene si, due fratelli, Marco e Matteo Visonà, i DECO in onore di quell'art decorativa che tutto il mondo conosce compongono “La stanza dei colori” motivi esageratamente pop cantati dal buco di una serratura. Tra Tiromancino e Zero Assoluto è musica leggera che passa senza stupire ne incantare.

Probabilmente anche loro ne sentivano il bisogno perchè otre a musiche di poco spessore, si fanno scrivere i testi ed il peggio è che abbiano così scelto e accettato di cantare frasi del tipo: ...”Tra foglie che cadono e fiori” e “tutto quello che vorrei e solamente un po’ di te”, “pensieri che volano, speranze che cadono”, cantano una probabile traduzione del testo di Miss Sarajevo degli U2 (ma tralasciano la musica), cantano “ giro giro tondo come è bello il mondo” e ancora “Vogilo solo cancellare pagine di sole e lacrime per tornare a vivere....” Il non riuscire a scriverei le canzoni da soli, anche se il mio punto di vista questo e' abbastanza inaccettabile ci può anche stare, quando si parla di grandi cantanti come Sinatra, Battisti o Mina, dove davvero voci stratosferiche fanno la differenza e anche a distanza di decenni non trovano eguali. Il lavoro dei parolieri comunque in ogni caso era all’altezza dell’interprete. Ascoltando questo disco ci si chiede se anche i parolieri (i testi sono a cura di a cura di Luca Bassanese) abbiano ben qualcosa da dire oppure se i tempi delle idee e delle parole siano finiti. I gemelli vicentini De&Co abbozzano qua e la qualche idea musicale non geniale ma radiofonicamente passabile, però bisognerà farne di strada Deco se vuoi vedere com'e fatto il mondo diceva qualcuno, perchè in definitiva un disco italiano, immediato, radiofonico, leggero e commerciale riesce a creare spesso come in questo caso solo brani invisibili.

Ci sono voluti tre anni di lavoro insieme al produttore Stefano Florio (già con Frankie Hi Nrg e Lucio Dalla) perché questo album vedesse la luce ed il risultato non è proprio dei migliori per un gruppo al suo esordio su album. Una canzone di Francesco De Gregori (“Sempre e per sempre”) che avrebbe potuto risollevare le sorti del lavoro lo affonda senza nessuna possibilità di replica, viene cantata con la passione di chi canta lo spot del Mulino Bianco. Allora se forse “Tutto passa come fosse un flash... ma rimarranno gli eccessi e le banalità" loro sicuramente, se non evolveranno e cambieranno strada rimarranno immobili nella loro stanza dei colori.

Antonello Furione

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Dreaming 23 - Bittersweet

2011-01-12T08:01:00.001Z

Niente di troppo speciale, niente di tropo terribile nel voler replicare il sound delle band che si amano. Il 15 ottobre 2010 i Dreaming-23 da Cagliari pubblicano il loro primo album. Punk hardcore melodico e cinque sognatori che con “Bittersweet” si divertono e riescono a coinvolgere anche da studio. Attivi con la formazione attuale dal 2008, creano undici tracce, melodie orecchiabili e grande passione, tanti riff di chitarra ma poca sperimentazione. Si naviga in acque sicure, con la sicurezza di un genere che viene ormai portato avanti da decenni e da decine di band, italiane e straniere.

Anche se la scena underground sarda probabilmente non è delle più semplici, i brani sono costruiti bene, ma risentono davvero di un livello amatoriale ancora troppo pressante per poter uscire allo scoperto da veri professionisti. La differenza per una svolta importante, in futuro, la farà la tecnica strumentale, l’intonazione, la tenacia, la maturità ed uno spessore intellettuale con tracce più personalizzate e sentite. Belli i cori presenti un po’ ovunque, in particolare sul finale di “Nothing Special” e la carica grezza di “Jump”. La naturalezza dell’unica traccia in italiano “Senza Te” è interessante perchè sia che si canti in inglese che in italiano si devono avere questo tipo di idee per poter pensare di far la differenza, senza cadere nella banalità, creare brani diversi, nuovi, interessanti e mai scontati. Se continueranno su questa strada riusciranno a convincere, anche se più facilmente dal vivo, le platee più numerose.

Antonello Furione

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William Wilson - Just For You Not For All

2011-01-10T08:01:00.024Z

«Tu hai vinto ed io muoio. Ma d’ora innanzi anche tu sei morto, morto al mondo, al Cielo e alla speranza! Tu esistevi in me, ed ora tu vedi nella mia morte, in questa stessa immagine che è la tua, come abbia assassinato te stesso!”» William Wilson oltre ad essere il protagonista di un racconto di Edgar Allan Poe, (ed anche un marchio di moda) è il nome di questo cantautore ragusano di nascita ma siracusano di adozione, classe 1981.

Dieci tracce solo per te, ma non per tutti, “Just For You Not For All” Wilson, dopo aver capitanato diverse formazioni e navigato in diversi generi musicali, decide a creare un disco da solo, autoprodotto, personale e non solo più un EP. Dopo aver esplorato diversi paesaggi sonori, dal 1998 al 2007 e sperimentato non poco, si cimenta in un disco dalle tinte un po’ sfocate, timido ed evanescente. Un opera quasi accademica, in cui il “minimale” e la semplicità non riescono ad essere dei valori aggiunti ma sembrano denotare soltanto la mancanza di tecnica e fantasia. Un disco acustico, in cui anche quelle idee che avrebbero potuto definire meglio il suo pensiero e la sua poetica vengono a mancare. Delicato ed intimo il lavoro prende corpo tra ballate e cover a cui si ispira l’artista, trai quali Tim Buckley (“To The Siren”) ed una lettura personale di poesie in francese di Boris Vian e Gregory Corso che si sviluppano leggere tra linguaggi che non sembrano esser ancora stati interiorizzati troppo. Anche il supporto di Giuseppe Forte (chitarre, tastiere, batteria) e Francesco Inturrisi (basso), amici di vecchia data del cantautore non sembrano aiutare nell’ardua impresa di risollevare le sorti del disco. Ci sarebbe davvero voluto qualcosa in più. Il futuro bisognerà strutturare meglio le proprie idee ed evitare un altro passo falso.

Antonello Furione

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www.williamwilson.weebly.com

www.myspace.com/williamwilson81

Roberto Fiandaca - Amirbar

2011-01-08T08:01:00.002Z

Il giovane ed il mare.

Un Ep veloce, nato nell'arco di sei mesi circa, un piccolo lavoro acustico suonato con passione, di quelli che, anche se non lasceranno il segno, si lasciano seguire con curiosità fino alla fine. Buon esordio del giovane cantautore siciliano Roberto Fiandaca, che crea folk cantautorale vecchia scuola, con intarsi di Faber, Fossati, e della più classica tradizione italiana. Prodotto da Fabio Rizzo (Waines, The Second Grace, Il Pan del Diavolo) e mixato al The Cave Studio di Catania insieme a Daniele Grasso, questo è l’ennesimo lavoro che denota quanto la scena siciliana musicale abbia tutte le carte in regola per diventare il futuro della musica italiana, e quanto il baricentro si stia spostando in funzione di zone sicuramente più interessanti e prolifiche.

Il buon mestiere di un cantautore è quello di chi sa raccontare storie, chi sente l’esigenza di comunicare e Amibar lo fa in grande stile. Roberto Fiandaca, palermitano classe 1985, con ironia e leggerezza, esplora la sua via (forse ancora un po’ con timore), come fosse all’interno del romanzo “Il vecchio e il mare”. Dopo aver appreso da “Santiago” i rudimenti del mestiere, Fiandaca, come Manolo è un personaggio molto importante perché sarà la speranza per il futuro e la salvezza della tradizione. Tra passato e presente ed una semplice chitarra, racconta in venti minuti vaghe storie alla ricerca di soluzioni.

Amibar deriva da “Al Emir Bahr”, titolo di un romanzo di Alvaro Mutis che in arabo significa “Capitano dell’acqua”, o “Ammiraglio”, un felice padrone della propria vita. D’ora in poi, la cosa importante per l’ammiraglio Fiandaca sarà quella di imparare a camminare senza stampelle, con forza e coraggio riuscire ad esplorare più a fondo (per rimanere in tema marino come fosse Capitano Nemo) le mille leghe sotto i mari della musica e dare un contributo più personale possibile alla sua arte.

Antonello Furione

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Onorato - Sangue Bianco

2011-01-06T08:01:00.001Z

Il cantautore della letteratura.

A distanza di anni per Giancarlo Onorato c’è di nuovo una prima volta, si chiama “Sangue Bianco”. Pubblicato su etichetta Lilium/Venus, il cantautore, pittore e scrittore di Monza classe 1960 ha presentato a metà novembre al Tenco un nuovo capitolo discografico. Dieci brani incentrati su testi letterari ispirati e poetici, spesso in bilico tra amore e sensualità, tra pop e rock, ballate caratterizzate da suoni delicati che oscillano tra ambiguità, ombre, solitudini e desideri. Situazioni raffigurate da immagini e visioni del suo particolare universo interiore, sono suonati con oltre venticinque musicisti in cinque studi di registrazione del nord Italia.

È un disco drammatico, elettrico ed elettronico, con accordi allungati, e arpeggiati, Onorato usa una fitta trama poetica, cupa e che allo stesso tempo vorrebbe essere raffinata. Ma l’artista non teme l’estremo, la parola è il fulcro e tutto gli ruota attorno. Un lirismo complicato e non sicuramente banale, ma forse un po’ troppo sperimentale. Laddove il sangue diventa bianco tra erotismo e misticismo, le ballate classicamente respirano profonde e creano infiniti universi paralleli fuori dal mondo. Tra soffi di vita e intensi giri armonici, davvero una nuova avventura per Onorato. Un cinquantenne anarchico, osceno e visionario, che goccia a goccia dosa una minimale energia che solo un poeta del nostro tempo saprebbe scrivere. Un buon disco, da ascoltare, ma forse non proprio per tutti.

Antonello Furione.

Contatti:

www.giancarloonorato.com

www.myspace.com/giancarloonorato

www.liliumproduzioni.com

Fabio Accardi - Arcoiris

2011-01-04T08:01:00.000Z

Il batterista e compositore barese Fabio Accardi nasce a Bari il 2 luglio del 1973 e comincia a suonare già all’età di 13 anni. Ha suonato e coordinato ensemble di ogni tipo, collaborato con eccellenti musicisti, da Gianluca Petrella, Dalla Porta a Bearzatti. Non c’è da stupirsi quindi se, nel suo primo lavoro solista, la sua musica sia piena di influenze. Vive a Parigi e in dieci tracce riesce facilmente a creare lo spirito di “Arcoiris”: sette strumenti, sette musicisti insieme, che, come fossero i colori dell’arcobaleno della copertina, sviluppano l’idea portante del lavoro: suoni morbidi e miscelati oltre le nuvole sembrano creare addirittura magica luce. Un album pronto da un paio di anni scritto e arrangiato da Accardi come fosse “fatto in casa” ma pieno di ricercate melodie incise tra il febbraio e l’ottobre del 2007 che vedono la luce solo ora a distanza di anni grazie alla Mordente Record.

A temi sviluppati con circolarità si affianca la sintesi un’ottima tecnica e l'intercambiabilità delle cellule melodiche, che ne fanno un’opera davvero d’avanguardia. Ritmica calda e delicata. Colpisce davvero il vibrafono di Stephane Carracci ed il piano di Nicola Andrioli (soprattutto nell’ultima traccia: “Iles Lontaines”). Tra Pat Metheny e la musica brasiliana di Jobim e Rosália De Souza, tra Piazzolla e Bill Evans, tra Marvin Gaye e Stevie Wonder, Arcoiris è un disco fresco e ben costruito, pieno di tonalità e sfumature fanno da colonna sonora alla vita e viene dedicato alle donne protagoniste della vita del batterista. Compito del Jazz è aggregare generazioni contro il degrado in cui la nostra generazione sembra sprofondare, e arricchire anche se solo musicalmente i tempi difficili della nostra società. Accardi crea suoni ricchi e prendono forma così le proprie emozioni plasmate dalle tante esperienze vissute, evocazioni, visioni che si traducono poi in definitiva e semplicemente in nuove forme di poesia in Jazz.

Antonello Furione

Contatti:

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San La Muerte - "San La Muerte"

2011-01-02T08:00:00.001Z

È uno scheletro bianco con un cappello, è San La Muerte, un santo non riconosciuto dalla chiesa cattolica, “la Calavera” il cui culto è diffuso in Argentina e in Paraguay. Noto anche come Señor de la buena Muerte, a volte, per timore, viene chiamato solamente “San”, ma in questo disco, le canzoni vengono suonate e cantate davvero senza nessuna paura. Il nuovo lavoro di Leo Pari e Renzo Fiaschetti uscito il 14 novembre 2010 traccia un percorso da Bennato a Battisti, che sembra breve, ma il famoso Capitan Uncino che sembra tornar vivo in “Mr.Even” (e che è in fondo “il migliore amico che si possa avere”), si trasforma nel migliore blues-rock che continua, per tutto il disco, a scorrere nelle vene. In “The Donor”, ballata cantata in inglese, richiami evidenti a Robert Johnson e Skip James ed un’anima blues profonda. In “Ghost and machines” si torna ad un vecchio sound blues e southern rock, qualche inserto rap alla Jovanotti ed un testo denso di significato, denuncia una visione di un mondo futurista in cui sarà difficile relazionarsi e trovare il proprio spazio tra energie poco pulite e una probabile invasione di robot.

Cinquanta minuti precisi di ottima musica, registrata tutta in presa diretta tra il 27 e il 29 dicembre del 2009, tra Gov’t Mule, Bennato e Battisti suonano ottimi musicisti con una sezione ritmica davvero invidiabile. A creare un buon disco, non ci va poi molto, basta a volte credere davvero in quello che si scrive e si canta, e le persone capiranno. Sono ballate in onore del santo “innominabile”, che ricordano il passato nazionale e guardano al futuro e scorrono davvero troppo veloci. Tra i migliori pezzi di sicuro “Domani Smetto” ed “Il duello”. In tutte le tracce filtra il viaggio che negli States per due mesi ha permesso alla band di imparare a respirare e riscoprire la propria anima. Senza campionamenti senza elettronica come in passato Leo Pari con l’amico Renzo Fiaschetti crea dodici nuovi brani ruvidi ed intimi, con grandi influenze ed ispirazioni. Un suono classico che sarà interessante ed irresistibile da ascoltare dal vivo.

Antonello Furione

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www.myspace.com/wsanlamuerte

www.myspace.com/leopari

Venua - Gli Abitudinari

2010-12-31T08:00:00.000Z

“Gli Abitudinari” è il disco d’esordio dei Venua, un album rumoroso, volutamente analogico e abitudinario. Cantano d’abitudine, di vita ordinaria, di metodicità nella vita di tutti i giorni che rende schiavi di se stessi e fa vivere vite senza entusiasmo, senza stimoli, senza voglie. Sembra quasi che per trovare un rimedio ad una malattia il trio bergamasco si curi esclusivamente con un vaccino senza antidoto. Sono chitarre crude e visionarie, suoni psichedelici, anni sessanta old style che anche se intensi, suonati discretamente e cantati bene, non aggiungono nulla di moderno, di nuovo di non “abitudinario”. Testi immediati, brani esclusivamente vintage, formazione classica che "Funziona bene" ma è soltanto surf-pop unita a beat e sequenze d’altri tempi. I Venua ricercano l’originalità e l’idea improbabile di parole che nessuno ha mai detto cadendo nel loro stesso gioco, diventando abitudinari. Manca quell’aria di novità di freschezza tanto sottolineata nelle dieci tracce.

La band, formata da Samuele Ghidotti (voce, chitarre), Jodi Pedrali (tastiere, basso synth) e Davide Paolini (batteria), ha un sound che segue le orme a tratti de I Ministri di Davide Autelitano, ma a differenza del vocalist della band milanese, Ghidotti non riesce ad imprimere la stessa potenza d’espressione, ed i testi non hanno lo stesso rilievo. A partire dalla foto ingiallita della copertina tutto sembra decantare (ed elogiare) il retrò. Con un mix di generi musicali c’è la voglia di comunicare idee ed emozioni a tutte quelle persone che sprecano la propria vita non vivendo fino in fondo i propri desideri e le proprie passioni, a tutte quelle persone che non rischiano e che persono così i migliori anni della propria vita. Se questo come si intende è uno dei manifesto dei Venua, e se “gli abitudinari contano solo da zero a tre”, la band dovrà crederci ed in futuro imparare a contare almeno fino a cento per uscire dal guscio, abbandonare la torre d’avorio e riuscire nell’intento di comunicare i malesseri e le nevrosi moderne come diceva Lorenzo Jovanotti partendo dal basso e poi andare su.

Antonello Furione

Contatti:

www.myspace.com/venuaband

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Hellzapop - Finché la luce è accesa

2010-12-28T08:00:00.004Z

In questo disco uscito venerdì 7 maggio 2010, l'elettronica diventa elettricità e tutto si tinge di verde. Sono micro sistemi strumentali digitali, supportati da chitarre acustiche campionate e trasformate in canzoni. La natura informatica diventa energia pulita condita con molta speranza per il futuro. “Finchè la luce è accesa” è elettronica pop per intenditori. Da un idea di Luca Urbani, Davide Cappelletti crea l’opera prima degli “Hellzapop” un progetto surreale nato come i precedenti interamente strumentale, etereogeneo e già di per se completo, che viene però impreziosito questa volta per l’occasione da tanti ospiti alle voci, a partire da Mao in “La notte delle sirene di plastica”, Aua, con la bellissima “Bevo Sakè”, Garbo, Masatomo, Sarah Stride, Lele Battista ed altri ancora: grandi esperienze volte esclusivamente a sottolineare la purezza dei suoni di un solido lavoro. L'artista monzese elabora dieci tracce morbide e veloci che che affondano radici nel Trip Hop, indie, nella pop music più complessa e interessante, ma che alla fine comunque stentano a lasciare un segno preciso e profondo.

Un primo album tiepido e delicato, ciclico e riflessivo ma allo stesso tempo confortevole grazie alle molte belle voci ospiti che lo trasformano in un ottimo esordio. Guardandosi attorno c’e’ ancora da scoprire “C’e’ ancora molto da vedere”, è come si avesse aperto gli occhi solo adesso...”. Un augurio che si può fare agli Hellzapop è proprio quello di riuscire ad avvicinarsi con frequenze diverse e sempre emozionanti a qualcosa di più diretto, corposo e di facile ascolto: “Finché la luce è accesa” come dicono anche loro ci sarà speranza, se potete quindi ascoltateli e continuate a tenere la luce accesa.

Antonello Furione

Contatti:

http://www.hellzapop.com

http://www.myspace.com/hellzapop

Mambassa - Lonely Planet

2010-12-26T17:27:00.002Z

È del futuro che ho la nostalgia.

Un rhodes della fender intimo e scintillante apre con “La Costruzione della Notte” Lonely Planet il nuovo disco dei Mambassa: la band indie-pop-rock nata 15 anni fa a Bra (CN). Dopo sei anni di attesa un nuovo lavoro. E’ nei tempi di crisi che si guarda al passato con un occhio di nostalgia e di speranza, così il disco è un viaggio compatto fatto di ricordi e di archi, di ritratti eleganti che vagano stanchi e sofferti alla ricerca della luce. Dieci brani inediti raccolti in un album pieno di vita, che come una guida turistica delle migliori ripercorre i momenti più complicati del vivere quotidiano, i paradossi della modernità, e le tante solitudini. Per orientarsi in un viaggio che non ha una meta sicura, serve una scrittura raffinata ed una voce che illumini la via, e nonostante i testi svolgano il compito primario, per la voce di Stefano Sardo il lavoro diventa un po’ più arduo, nonostante sia precisa e davvero coerente. Sono atmosfere mature tra i Tiromancino e gli Air tra arpeggi circolari dei migliori Led Zeppelin acustici e arrangiamenti psichedelici harrisoniani, sono soffuse e malinconiche ombre che arrivano quasi sempre dirette e pungenti al cuore come le verità più sincere. Grande cura quindi per un rock cantautorale popolare italiano davvero tra i migliori. Tra i brani più belli di sicuro “La Pioggia di Settembre” titolo preso in prestito da una favola di Gianni Rodari e “Ora che non ci sei più tu” molto beatlesiane entrambe.

Se la vera arte è seguire l’ispirazione e non le regole del mercato discografico, questo disco puo’ entrare a far parte di questa categoria, perchè ha saputo aspettare ed essere come doveva essere al momento giusto. Anche se gli anni novanta sono finiti in LP ci si guarda indietro con onestà mettendo in luce il momento non facile della società italiana di oggi. Così, ad esempio, in “Casting” la band esplora le paure e la precarietà del mondo del cinema e in ogni traccia i Mambassa disegnano strade per uscire dalla solitudine che colpisce sempre più persone. È un continuo mettersi in discussione dà un’ inadeguatezza post-trenta che fa leva sull’esperienza raccolta. Con grande stile si tracciano bilanci, si è alla ricerca di una ripartenza, così si canta di come le cose cambiano, e si analizzano i ricordi con onestà. In definitiva, mettendo tutti i tasselli al loro posto, il disco è emozionante ed è un viaggio alla scoperta di un futuro con un po’ di nostalgia.

Antonello Furione

Contatti:

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Sintomi di Gioia - L’Animale

2010-11-20T08:00:00.004Z

Come prima più di prima.

Ogni tanto succede che l’allievo superi il maestro. Così è per “Arrivederci Addio” prima traccia acustica de “L’animale” nuovo mini album dei Sintomi di gioia che è anche il titolo dell’unica canzone scritta dal gruppo di Tortona. E’ un lavoro davvero suonato in grande stile, come Luca Grossi e tutta la band ci avevano abituato in passato. Anche se pochi brani e pochi minuti, in questo caso la qualità è meglio della quantità. “L’Animale” è prodotto da Fabio Magistrali, già produttore delle versioni originali di “Arrivederci Addio” e “Spazi Autogestiti” e fonico e produttore per Afterhours, Karma, Ritmo Tribale, Marta sui Tubi, Perturbazione, Bugo.

La cover dei Perturbazione è davvero il manifesto di questo progetto. la voce di Luca Grossi è incredibilmente pulita, il sound è sempre quello che caratterizzava anche i lavori precedenti come in “Segnalibro”, ma “L’animale” è una rinascita, un punto a capo, e come diceva Battiato “Vivere non è difficile potendo poi rinascere...” e allora perchè non continuare la propria ricerca coltivando le proprie passioni e ripartire proprio da capo mettendo in discussione di nuovo tutto per evolvere? Anche solo ritrovandosi ad amare insieme alcune cover del passato, ci si aiuta a focalizzare il nostro presente, e “Sentirsi fuori, fuori moda, fuori di sè...” non è poi un gran peccato di questi tempi, davvero.

Gli ospiti presenti in questa piccolo gioiello gratuito e scaricabile dal sito ufficiale della band sono notevoli da Cristiano Lo Mele dei Perturbazione, a Tony Pagliuca, tastierista e leggenda de Le Orme, gruppo indimenticable degli anni settanta sulla scena del progressive italiano insieme alla PFM e al Banco del Mutuo Soccorso. La traccia portante di questo album è stata registrata con un telefono cellulare e nel “L’animale” tutto è possibile. E’ un momento di crescita, è il momento in cui si bada ai contenuti, al passato ed al futuro, perchè in definitiva, come cantano bene i SDG “Ogni fondo in fondo è una rincorsa per chi ha fiato ancora da buttare”, e allora aspetteremo con ansia dove questa altra salita ci porterà.

Antonello Furione

- "Arrivederci addio" (cover Perturbazione) con Cristiano Lo Mele e Tommaso Cerasuolo

- "Era inverno" (cover Le Orme) con Tony Pagliuca

- "Spazi autogestiti" (cover Ritmo Tribale)

- "L'animale"

Contatti:

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http://sintomidigioia.info/2010/10/28/lanimale-download/

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Harper Simon - Bush Hall, London - November 18, 2010

2010-11-19T19:18:00.002Z

Lo ammetto sono andato a vedere Harper Simon anche perché amo la musica del padre, ma questo è solo uno dei motivi: la curiosità per vederlo in uno spettacolo dal vivo, nella sua “seconda casa” londinese è stato sicuramente il motivo più grande e le aspettative alla fine non sono stata disattese. Pensavo di aver vissuto l'esperienza del concerto live peggiore di ogni tempo una sera all’arena di Milano, (Live poi annullato a notte inoltrata), quando io e la mia ragazza del tempo andammo a vedere quel burlone di Sir Bob Geldof. Probabilmente ai tempi, vista l’affluenza ci dicemmo che il motivo delle venti persone paganti era che ai milanesi oltre ad uccidere i sabati, non piacciono nemmeno i lunedì (un po’ come cantava anche Vasco), e come in quella occasione avrebbe dovuto cantare anche Sir Bob con i suoi Boomtown Rats. Ma parliamo d'altro.

Ospiti d’apertura di serata Martina Baker, musica soul acustica da immaginare, una voce calda che ricorda Skye Edwards dei Morcheeba agli esordi. Chitarra e voce per un unplugged che fa ben sperare. Louis Eliot and the Embers, country folk, solo, anche lui esclusivamente in acustico. Sul palco ricorda un po’ John Mayer, un po’ John Lennon per la somiglianza fisica e di alcuni giri armonici. Ha il tocco di Chris Isaak e canta bene, ma come tanti, senza entusiasmare. Al concerto di Simon’s son, almeno per tutta la prima parte mancava solo la sabbia, ma il deserto era ovunque. Harper Simon è tutt'altro che un cattivo musicista e cantautore e nella cerchia di "grandi figli d’arte" risulta a mio avviso, uno che, forse come Dylan Jakob ed il nostro De Andrè Cristiano, hanno meglio saputo distinguersi, chi prima chi dopo, continuando a camminare per la loro strada, pur non dimenticando i nomi così spesso invadenti dei padri, tentando di rinnovare e dare il proprio contributo nel tempo in cui vivono.

Anche se con notevoli differenze d’intonazione dall’album in studio prodotto da Bob Johnston, Harper ha cantato discretamente, ha suonato meglio, canzoni come “Wishes and stars”, “Tenessee” e “Berkeley Girl” sono stati i momenti migliori del concerto. Ad accompagnarlo un'ottima band di tournisti forse solo un po’ troppo potente e rodata per esaltare bene le doti del cantautore newyorchese agli esordi. Basso batteria e slide guitar (completo pacchetto Fender) con l'aggiunta poi nell seconda parte del concerto di un gruppo di fiati sax tenore contralto e tromba, che non hanno dato quel qualcosa in più che ci si aspettava. Harper Simon ha concluso con questa serata il suo tour con la "sua" band, che lo ha visto attraversare l’Europa ed il nord America, proseguirà il tour da solo a partire dal prossimo 22 Novembre da Berlino (C-Club) con Isobel Campbell. “Con una steel guitar ed un microfono/ spero troverai la tua strada / Un giorno scoprirai chi sei / Un giorno sarai più che una stella cadente” ("Shooting Star") un altro modo per dire a se stesso che “il ragazzo si farà, anche se ha le spalle strette” come diceva Francesco De Gregori. Staremo a vedere.

Antonello Furione

Contatti:

http://www.harpersimon.com/

www.louiseliot.com

Vanderlei “L’inesatto”

2010-11-18T08:01:00.006Z

Uscito il 19 Ottobre 2010 prodotto da Paolo Benvegnù “L’inesatto” dei Vanderlai non è solo l’ennesimo album indie italiano. Quando le certezze crollano ci si aggrappa ai sogni, alle proprie radici e si rimette tutto in discussione per poter ripartire da zero proprio dal passato. Così questo lavoro ripercorre un pò i capisaldi della cultura indie italiana post anni novanta, dai primi Afterhours e Marlene Kunz, dai Cccp ai Diaframma, dai CSI ai massimo Volume passando magari anche proprio anche per gli Scisma. Contiene nove tracce, e disegna un bozzetto non troppo leggero come quello in copertina di buon alternative-rock cantautorale. Suoni crudi, taglienti, sporchi che si sposano a un gusto negli arrangiamenti e nella produzione che confermano ancora una volta la caratura artistica di Benvegnù.

La band emiliana con Critian Volpi alla voce e chitarra, Massimo Gandolfi e Stefano Franchi alle chitarre, Piero Gualandi al basso e Vincenzo Matozza alla batteria, crea un disco nervoso, a tratti dolce e a tratti molto diretto, lontano dalle mode e fuori dal tempo, ben scritto suonato e sudato. I Vanderlai cantano di fallimenti, di amori, di rinascite, di accettazione del sè. “L’inesatto” è rock d’autore a tratti noise, e testi ispirati magari anche dalla migliore tradizione Ciampiana. Una necessità impellente di accettare i propri limiti accettarsi “inesatti”, instabili, vivi, senza regole, danzando abbandonati verso una ricerca esistenziale oggi sempre più necessaria per tutti. Questo disco in definitiva anche se sarà difficile da ascoltare in radio, sfamerà di sicuro la migliore fame di musica indie italiana di oggi.

Antonello Furione

Contatti:

www.vanderlei.it

Mumford & Sons - “Sigh no more”

2010-11-14T11:21:00.000Z

“It was not your fault but mine”

Le radici sono una costante per ognuno, a prescindere dalla geografia, ma a Londra, la musica tradizionale americana sembra venire sempre meno snobbata dai musicisti inglesi. Uscito nel mese di febbraio “Sigh no more” è stato subito accolto brillantemente da tutti: pubblico e critica, ricevendo persino una nomina al Mercury Prize. Dietro a questo successo britannico davvero travolgente, ci sono quattro voci, quattro giovani musicisti che, mescolano musica tradizionale folk inglese, blue grass a tratti esplosivo e musica da ballo. Marcus Mumford: voce solista, chitarre e strumenti a percussione, Ted Dwyne al contrabbasso, Country Wilson al banjo ed infine Ben Lovett alle tastiere. La passione, un’ attenzione sincera ai dettagli, la narrazione a immagini, che viene evocata, creano la differenza in questo album che raccoglie in un passato, arrangiamenti dolciamari che riescono a dare leggerezza a testi malinconici ed una vibrazione positiva. Citano Steinbeck e Shakespeare, e proprio a partire dalla prima traccia, passando da “The Cave” a “I gave you all” tutto sembra creato come una confessione personale e privata, un’ affare di famiglia: amori, rimpianti, speranze, coraggio, tradimenti e solitudine alla ricerca di semplice un aiuto. I suoni sono sorprendentemente istantanei e questa è probabilmente una delle carte vincenti della band londinese.

I Mumford & Sons hanno individuato la formula magica, che se usata con parsimonia anche per il futuro, modificata e smussata a dovere funzionerà alla meraviglia, ma che se ingerita a dosi elevate potrebbe danneggiare quel che c’e’ di buono in questo momento. Esempi come Arcade Fire e Freelance Whales che hanno replicato magnificamente i loro primi successi ne sono l’esempio. In sostanza, nel corso di Sigh No More, i Mumford & Sons giocano al sicuro ed al riparo, ogni canzone segue una parabola fine a se stessa e anche se il risultato è splendido, si cammina sempre attraverso sentieri conosciuti. Musicalmente parlando non viene servito nulla di nuovo, la sfida dei Mumford & Sons è solo rendere accessibile una musica abbastanza lontana dal tempo e dalle orecchie delle persone. Armonie suggestive e delicate come l’invernale “Timshel” scoprono il lato malinconico della band, altre eleganti ed irresistibili come “The Cave” al di fuori dei soliti canoni evocano perfino il suono della E Street Band, così, il successo è assicurato anche nel 2010 se si riesce a dire qualcosa che collega emotivamente i pensieri senza trasformarli in un luogo comune. Ogni singola traccia è un delicato equilibrio teso come una ragnatela creato per catturare il cuore di chi ascolta, ogni elemento è calibrato ad arte, e anche se dovesse sembrare un po’ poco spontaneo il risultato è perfetto: semplicemente "Sigh No More".

Antonello Furione

Contatti:

http://www.mumfordandsons.com/

myspace.com/mumfordandsons

N.A.M.B. – Bman

2010-11-03T08:00:00.001Z

Tra Depeche Mode, Nine Inch Nails, tra Faith no More e Muse, l’uso dell'elettronica nell’ultimo disco dei NAMB e’ quasi esasperato, ma la seconda esperienza discografica per la band torinese è sicuramente migliore della prima e le idee musicali sembrano proprio non mancare. I Namb, che sono Davide Tomat, Gabriele Ottino, Silvio Franco, Davide Compagnoni dal 2004 viaggiano all’interno della psichedelia e della musica elettronica post-industriale e per questo nuovo lavoro creano 18 nuovi brani, davvero tante idee musicali in 70 minuti e armonie davvero curate, mancano solo un po’ di contenuti e qualcosa in piu nel campo originalità. Bman (il nome della band al contrario) è un concept album sulle avventure di un robot chiamato B-man; Il booklet accompagna egregiamente l’opera con un centinaio di disegni a tema.

Se, come dice Davide Tomat, leader della band, si è usciti vivi dagli anni ottanta forse solo perchè non si sono vissuti appieno quegli anni, i Namb hanno studiato bene qualsiasi minuscola caratteristica per ricostruirle musicalmente al meglio quegli anni. La cura dei particolari, la scelta dei suoni, dei rumori, i delay, i synth, e gli arrangiamenti nel complesso sembrano proprio quelli di chi conosce bene il tempo ed il mestiere. Qualche testo in italiano, la maggior parte in inglese, e tra i pezzi migliori sicuramente “Radiorace”, “Musichetta in pausa sigaretta” e la chiusura “Blue sky”, manifesti delle ottime capacità di gruppo ed un alchimia perfetta della nuova scena indie italiana. Il disco viene pubblicato il 12 ottobre 2009 in Europa, negli Stati Uniti il 23 febbraio 2010, il brano L.O.N viene anche scelto come colonna sonora per il tredicesimo Brooklyn International Film Festival, in Italia finalmente anche ad aprile.

Antonello Furione

Contatti:

www.namb.it

www.myspace.com/nambzone

GRAFFITI 6 - COLORS - 93 Feet East - Brick Lane - London

2010-10-31T18:57:00.000Z

Una bella rivelazione per il sottoscritto quella di ieri sera al 93 Feet East di Brick Lane. Si sono esibiti alcuni gruppi tra i quali i Graffiti 6 un progetto che spazia dal surf al folk, dal soul al funk. La band, nata circa 18 mesi fa, e’ composta dal produttore inglese Tommy D, che ha collaborato con artisti come Jay-z, Kanye West, Kylie Minogue, Kt Tunstall, e dal cantautore Jamie Scott, turnista e splendida voce di Alicia Keys e Kelly Claskson. Ieri sera c’erano sul palco anche altri 2 turnisti che si alterneranno per i live. La storia del duo inizia con un semplice brano “Stare in to the sun” creato per una colonna sonora creata per una campagna pubblicitaria televisiva del quotidiano The Sun. Jamie Scott scrive una manciata di pezzi: “Annie you save me”, “Free”, e la bellissima “Stone in my heart” e’ in questo modo che a marzo 2010 vede la luce il primo Ep.

Sul palco lo spettacolo inizia con “Stone in my heart” a cappella, davvero di forte impatto: e’ un improvvisazione continua che prosegue senza confini di generi e di stili. In un intervista TommyD dice: -"Quello che amo di questo gruppo è che non abbiamo mai avuto un piano: quando creiamo un brano, non abbiamo alcune idea di dove andremo a finire”- e cosi’ e’ stato. Sono grandi vocalita’, grande professionalita’ e qualche suono piu’ soft e piu’ acustico di quelli elettronici che si ascoltano sul disco. Le due voci piu’ le altre due di supporto dal vivo si intrecciano alla perfezione, e anche se, ogni tanto, sembra un po’ tutto preparato a tavolino e troppo perfetto per essere vero, la musica cattura velocemente i cuori di tutto il pubblico pagante della serata e quando all’una in punto si accendono le luci e la security irrompe sul palco bloccando il live a causa della “tarda” ora, nonostante ci fosse un pezzo ancora in corso, la delusione e’ tanta, ma non si potra’ far altro che aspettare impazienti il prossimo show londinese.

Per la maggior parte i testi sono pieni di ottimismo, la voce ricorda a tratti Ray Lamontagne, ed e’ musica che cattura i cuori e la fantasia di molti, come per altre folk band in questo momento, i Graffiti 6 sono a meta’ tra old style, northern soul anni 60, e Futuro, con una grande ricchezza e sapienza nell’uso di svariati strumenti musicali (da studio) affiancati ai tradizionali, campane, xilofoni, violini e percussioni acustiche. Interessanti riff ed in definitiva una combinazione vincente. Anche alcune cover rimaneggiate alla perfezione anche dal vivo come “I Gotta Feeling” dei Black Eyed Peas e “Fuck You” di CeeLo, danno al gruppo riflessi freschi, giovani e davvero pieni di colori tutti da scoprire.

Antonello Furione

Membri del gruppo:
Jamie Scott: vocals, guitar, production
TommyD: guitar, production

Contatti:
www.graffiti6.com
http://www.myspace.com/graffiti6
www.93feeteast.co.uk

PARCHED - Arc

2010-10-16T00:12:00.006+01:00

Due anni per creare "Arc", album d'esordio di Parched, che è uscito ad inizio settembre, da un'idea di Eraldo Bertocchi, chitarrista e produttore e David Tiso: fondatore degli Ephel Duath. Musica ambient, che scorre come una colonna sonora, nove composizioni, che si concentrano sui bassi, per migliorare il suono. Le due chitarre si fondono insieme come in un dialogo tra vecchi amici. Sono grandi atmosfere, suonate in grande stile per una nuova frontiera italiana di sperimentazione ed elettronica, è ambient e alternative post rock a tratti ipnotico, che ricorda “Who can you trust?” dei Morcheeba o i primi dischi dei Portished, musica per paesaggi desertici, aridi dove scoccare la propria freccia verso momenti di piena solitudine alla ricerca di inesplorate oasi. Arpeggi rarefatti e strutture armoniche con infiniti loop e di effetti sospesi che destabilizzano un po’, ma la cura e la fantasia della ricerca nonostante la calma piatta non sfocia mai in noia.

Ai silenzi mancano forse solo qualche momento in più di lucida follia, in cui risollevarsi dall’apnea musicale per riassaporare anche solo dopo pochi attimi un oceano diverso di suoni e visioni. L'album ha richiesto un lungo tempo, e un lungo sforzo alla ricerca di un perfetto bilanciamento tonale - ogni brano si concentra su un aspetto diverso della dinamica musicale, suoni non casuali che appaiono e scompaiono, migliorando il suono e la profondità emotiva delle canzoni. Si tratta di un disco visionario e riflessivo, molto complesso, ma altrettanto semplice se lo si lascia scorrere senza pensieri. Da assaporare più volte, perchè sembra cambiare suoni ogni volta che lo si riascolta.

Antonello Furione

Indi(e)Avolato 2010 – 2011

2010-10-12T20:06:00.000+01:00

Una rassegna itinerante, “decidi tu” (quanto pagare ogni spettacolo) otto mesi di durata e per tre diverse città, grandi sperimentazioni sonore ed in definitiva tanta buona musica dal vivo. Terza edizione di Indi(e)avolato che si terrà quest’anno tra ottobre 2010 e maggio 2011 portando sul proprio palco alcuni dei nomi più importanti della nuova scena indie italiana. Tra Asti, Torino e Milano, l’obiettivo è quello di espandersi capillarmente, e così anche sarà per gli anni a venire. Tre locali scelti per ospitare la manifestazione sono senza dubbio tra i più prestigiosi live club del nord Italia: lo Spazio 211 di Torino, il Diavolo Rosso di Asti e La Casa 139 di Milano. Per Marco Notari, direttore artistico della rassegna insieme a Roberto Sburlati è quanto mai necessario cercare nuove soluzioni, che partano dalla qualità della proposta musicale. Tra i nomi già confermati per i primi mesi di Indi(e)Avolato ci sono alcuni dei più interessanti nomi nuovi della musica italiana a partire da Brunori sas, vincitore dell’ultimo Ciampi, al duo dei Lombroso. o ancora il cantautore toscano Andrea Chimenti ed i Mambassa. La formula è la solita della passate stagioni, all’headliner della serata verrà affiancata una band locale per l’apertura della serata, e così sarà anche per il nuovo Indi(e)avolato LAB, una domenica al mese, scrittori, pittori, fotografi sul palco presenteranno, alternati da band del posto, il loro progetto. Un festival quindi tutto da seguire alla scoperta di nuovi cantautori ed artisti di ogni genere.

Antonello Furione

SUL WEB: www.myspace.com/indieavolato

Brian Eno - Small Craft on a Milk Sea

2010-10-05T19:33:00.002+01:00

Dopo 5 anni esce un nuovo disco di Brian Peter George St. John le Baptiste de la Salle Eno. In uscita il 2 novembre, (il 15 per il mercato inglese), “Small Craft on a Milk Sea” contiene 16 tracce più 4 per le limited e collectors’ editions con alcune creazioni visuali composte secondo una nuova tecnica da lui stesso inventata. Il lavoro di produzione e di pubblicazione sembra quello in grande stile dei tempi passati, ma con qualche sostanziale differenza. L’opera infatti segna il passaggio di Eno alla Warp Records, specializzata in elettronica.

Dalla traccia in ascolto sul suo sito ufficiale “2 Form Of Anger” pare proprio che i bei tempi passati non siano proprio conclusi. La sperimentazione e la voglia di portare avanti l’elettronica non sembra superata. Il gusto, la precisione e la qualità sono quelle artigianali di chi sa il proprio mestiere, e i due momenti come in un brano di musica classica partono da una drum n bass, per arrivare a prog rock alla King Crimson. Davvero emozionanti le percussioni, da ascoltare a tutto volume per non perdersi neanche un sibilo e da sognare pensando allo sviluppo che avrà ideato sul disco.

Per questo lavoro che non si può proprio definire “solista” Eno si è avvalso della collaborazione del chitarrista Leo Abrahams che ha pubblicato vari album da solista e ha lavorato con Nick Cave e Paul Simon, e del compositore elettronico e produttore Jon Hopkins con il quale si accompagna da tempo, nonché collaboratore di grandi nomi come Herbie Hancock e Coldplay. Secondo il chitarrista Leo Abrahams che sul suo blog questo disco: "Contiene i frutti di diversi anni di jam creati da noi tre. Non ho mai sentito nulla di simile, suona vivo e alieno allo stesso tempo." Davvero niente male le premesse, ora aspetteremo con ansia l’intera opera di arte “pura”.

Antonello Furione

ALBUM TRACK TITLES

1. Emerald and Lime

2. Complex Heaven

3. Small Craft on a Milk Sea

4. Flint March

5. Horse

6. 2 Forms of Anger

7. Bone Jump

8. Dust Shuffle

9. Paleosonic

10. Slow Ice, Old Moon

11. Lesser Heaven

12. Calcium Needles

13. Emerald and Stone

14. Written, Forgotten

15. Late Anthropocene

BONUS CD TRACK TITLES

Included with the Limited Edition and Collectors' Edition Box Sets.

1. Surfacing

2. Square Chain

3. Bimini Twist

4. Abandoned Ship

Read this review in english also on: Independentrock.co.uk

Contatti:

http://www.brian-eno.net/

http://warp.net/records/brian-eno

ED CAT - A Sleeper - The Urban Sessions

2010-10-02T17:19:00.004+01:00

L’immagine della copertina potrebbe trarre in inganno, no, non è Bono Vox. E' Ed Cat ed è un cantautore triestino davvero interessante. Anche se la scaletta del disco non è definitiva, voglio immaginare questo Ep, per come l’ho ascoltato con l’ordine delle tracce del sito, come fosse stato creato per esser pubblicato su un Long Playing: SIDE A: le prime 5 canzoni, a concludere le altre 4. Ho proprio immaginato due avventure, due viaggi diversi, due storie che creano un album ben strutturato e corposo.

Rock Blues, country e folk per tutti i gusti. S’incomincia con “Hello” ottimo intro e un brano che ricorda a tratti Heavy Soul di Paul Weller. Nella bellissima “Fill my heart” (with Joy) il timbro è molto caratteristico, anche se assomiglia a Paolo Nutini o Bryan Adams. Edward ha un’ ottima voce, una band intensa che ha il dono di saper usare ottime sonorità. Con “She” interessante è l’inizio di una possibile infinita jam session che chiude il brano. Abbiamo solo la possibilità di pregustare la performance in studio, e aspetteremo con ansia l’esibizione di questa dal vivo. In “Abstinence in a page” il piano di Fabio Valdemarin è davvero pulito, la chicca del rumore del volta pagina (cercato o capitato per caso?! ci sta molto bene); ma anche se la vena romantica riscalda il cuore, come nel brano precedente ed il livello non si abbassa l’atmosfera ed i testi diventano un po’ melensi. “Invincible” è un pezzo agli U2, che sinceramente non stona ma non aggiunge granchè al lavoro.

Con “Night time” si entra direttamente negli anni settanta, bello l’assolo in sottofondo di tromba, ed il primo assolo di chitarra di Amir Karalic. Ecco un ottimo inizio per la seconda parte del disco. Anche in questo caso, purtoppo si è un po’ sorpresi dall’inaspettata e rapida chiusura della jam. La slide guitar è il sole che illumina “Mady” ed è il modo migliore per proseguire il viaggio mentre si batte il tempo tra cori e ritmi reggae. “Sleep tight” è la lullaby ballad che ci vuole e che non può mancare in un album da viaggio.

Registrato, mixato e prodotto da Fulvio Zafret a Trieste e masterizzato da Will Quinnell allo Sterling Sound di New York “A Sleeper - The Urban Sessions” nonostante sia davvero “tradizionale” è gradevole e incredibilmente curato, è viscerale e coinvolgente e porta nel panorama italiano una ventata di aria fresca. L’unico rischio, di chi come tanti in Italia sente le radici musicali così lontane dal proprio paese di origine, è quello di aver fortuna all’estero ed esser poco compresi nel paese natio. Mancano solo i legami, perchè a tratti sembra un po’ spersonalizzato, ma per questo piccolo inconveniente c’e’ sempre tempo per risistemare le cose. Ci auguriamo di vederlo presto dal vivo in Italia e all’estero.

Antonello Furione

Contatti:

http://www.eddiecat.com

Tracce:

01. Hello

02. Fill my heart

03. She

04. Invincible

05. Abstinence in a page

06. Night time (Band Jam)

07. Mady

08. Sleep tight

09. When you think you’ve had enought

Musicisti e ospiti:

Eddie Cat: electric & acoustic guitar, lead & backing vocals

Paolo Muscovi: drums

Marco Seghene: bass

Amir Karalic: electric & acoustic guitar, ukulele

Fabio Valdemarin: hammond organ & grand piano

Srings arranged by: Tony Kozina

Horns arranged by: the Muscovi Brothers

Tony Kozina: violin & viola, Marianna Sinagra: cello, Stefano Muscovi: trumpet & flugelhorn, Marco Castelli: saxes, Silvia Zafret & Nicole Pellicani: backing vocals , Fulvio Zafret: percussion.

Dario Elia - Vie Impervie

2010-10-01T18:17:00.003+01:00

Poche parole per questo artista al suo debutto. “Le vie tortuose diverranno diritte e quelle impervie, spianate”, così Dario Elia, musicista e autore sardo presenta il suo lavoro “futurista”. La sua musica spazia tra atmosfere fusion, jazz, ambient e qualche breve momento “midi” di pura elettronica, in altri momenti invece sembra entrare in una cattedrale di suoni classici che ricordano un po’ le musiche monofoniche ecclesiastiche. Con un occhio al mondo d’oltreoceano psichedelico, ed uno al primo Battiato, Elia crea immagini incredibili che lentamente rincorrono le note e viceversa: suoni discreti, spesso ripetitivi, talvolta tristi e solitari, minimali e semplici.

Questo lavoro nonostante sia curato, non è sicuramente musica semplice da fruire, l’autore sembra esser a suo agio tra questi suoni, ha bene le idee chiare in testa e sembra sapere bene dove voglia andare, ma forse il successo sta nel riuscire a descrivere quello che ognuno di noi ha nel cervello ed in questo caso con qualche riff un po’ più accattivante e qualche minuto in meno, tutto sarebbe stato più semplice. Spesso la forma canzone è scomposta e ricostruita secondo cellule che hanno vita a sé stante. In aggiunta, l’impostazione vocale è abbastanza monocorde, l’album nel suo insieme è scuro, lento, troppe le ombre e troppi echi, troppo pochi i segni particolari per questo lavoro che sembrerebbe fin dai primi minuti invece davvero interessante ed innovativo. A tratti la chitarra ricorda Santana, la voce Antony and the Johnson, ma la poesia è troppo lenta per essere compresa, parole sparse come in un quadro astratto cercano di ricomporsi senza riuscirci. In definitiva è comunque un progetto ambizioso che vale la pena ascoltare e riassaporare con calma, speriamo che il futuro porti un po’ di sole su queste vie e qualche momento più sereno di concreta felicità.

Antonello Furione

Contatti:

www.darioelia.com

http://www.myspace.com/darioelia

http://www.reverbnation.com/darioelia

www.vesnahaus.com

Settembre con RiLibri...

2010-09-15T10:52:00.000+01:00

Anche con l’avvento dell’E-book e tutte le diavolerie teconogiche, la “bancarella” dei libri usati, se si parla di scuola è sempre presente in quasi ogni città, ma da qualche mese l’offerta si è spostata anche su internet, fruibile per tutti gli utenti, da tutto il mondo e offre la possibilità di comprare libri anche nuovi o usati al minor prezzo possibile. Tutto vero, stiamo parlando del nuovo servizio offerto da RiLibri.com, un comparatore di prezzi dei maggiori negozi online di libri che da oltre al consiglio del minor prezzo, anche la possibilità di disfarsi facilmente dei libri che occupano senza più alcun motivo la nostra libreria di casa. Serve solo registrarsi e con un sentimento eco-sostenibile di Ri-ciclo, di Ri-lettura il gioco è fatto.

Come c’è scritto sul sito, in fondo la vera scelta non è tra un libro nuovo o usato, ma tra le varie soluzioni disponibili per pagare meno un libro senza perdere la comodità di un acquisto veloce, utile e più economico. L’idea di questo sito ci è subito sembrata geniale. Se è vera l’indagine pubblicata in questi giorni da contribuenti.it, un italiano su tre compra testi usati per svariati motivi e quest’anno l’incremento è stato quasi del 10%. Tanti sono i motivi, ma il Ri-ciclo, Ri-sparmio, Ri-uso, sembra funzionare sempre meglio. Da un lato di fronte alla crisi economica, questa piattaforma gratuita e di facile utilizzo offre anche una vetrina virtuale in cui è possibile ricercare il proprio libro, leggere recensioni degli utenti, consigli, classifiche di libri appena usciti e molto altro ancora. Per pubblicare le proprie inserzioni bastano pochi minuti, ci si registra e si scrive il codice a barre sul retro del libro chiamato ”ISBN” e il libro sarà presto messo online. L’unico difetto, d’altro canto come per tutti i siti online è nel tempo di consegna, ma alla fine è un piccolo prezzo di fronte ad una grandissima opportunità di evitare il salasso annuale di inizio scuola, e quello di questo sito sembra un ottimo consiglio da seguire; se poi volete rimanere incollati alla tradizione e ai vecchi riti e metodi di fare le code dal libraio di quartiere, non vi lamentate, ve lo avevamo detto...

Antonello Furione

Ricky Gervais Live 2010 - HMV Apollo Hammersmith London

2010-09-07T16:20:00.002+01:00

Alcune foto della serata:
Le altre le trovate qui:
Ricky Gervais Live 2010

Notting Hill Carnival 2010

2010-09-05T18:29:00.001+01:00

Ecco alcune foto del carnevale di Notting Hill 2010
Per le altre cliccate il link qui sotto:
Notting Hill Carnival 2010

Francesco Grande - Solo

2010-08-18T09:30:00.009+01:00

“Dammi spazio, e ti regalo il mondo....”, l’elettronic pop romantico di Francesco Grande, con il suo nuovo progetto Solo è solo a tratti geniale, si veda ad esempio la chiusura di “Flash”o l’intro di “Dark”, alcune voci incrociate e polifoniche sparse in tutto il lavoro amplificano la cura ed il valore dell’intero breve lavoro, ma in definitiva manca un po’ di ironia che potrebbe semplificare qualche passaggio e renderlo meno mono-tematico. Infatti anche se come disce Battiato che “tutto l’universo obbedisce all’amore” le tematiche dell’abbandono sono prese troppo sul serio e sembrano essere l’unica base. Al di la delle ferite c’è la voglia di ricominciare, di non crollare di trovare un nuovo spazio, un nuovo tempo oltre la perdita di qualcuno o di qualche battaglia, perchè in fondo “qualche ferita può fare anche bene”.

Nonostante l’elettronica sia un po’ stra usata in questo periodo in Italia e questo sottolinea spesso la mancanza di idee che offusca anche con facilità il significato dei testi, questo progetto di Francesco Grande, ex chitarrista dei Gardenya, è tutt’altro che rivolto su questo piano fallimentare. Ci sono molte idee, molti spunti e ottime sonorità. Qualche testo forse è ancora troppo legato alla vecchia scuola, vedi “Limoni”, con l’attacco “Se fossi..., se fossi....” molto poetico certo, ma anche davvero troppo usato e sentito. Minimale e riflessivo rimane comunque un interessante opera prima o demo se si vuole chiamare così, e se la musica è spesso intesa come musico terapia, per colmare il vuoto, per andare oltre, spesso serve proprio una cura e se non ancora rivolta agli altri, come in questo lavoro ci si può inizialmente anche solo concentrare su se stessi. In futuro, rendendo più oggettivo anche "Solo" lo stesso copione si potrà oltrepassarne facilmente i limiti amplificando di certo già l’alto valore musicale che ha questo gruppo e si potrà arrivare ad ascoltarne il suo massimo potenziale.

Antonello Furione

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http://www.myspace.com/sologruppo

De Grinpipol

2010-08-08T12:50:00.002+01:00

Da Sassari i De Grinpipol nel febbraio 2010 fanno uscire il loro primo album omonimo. Rock fresco e potente, diretto e semplice: cantato in inglese, con molte citazioni oltre confine e forse un po’ poca Sardegna. Sicuramente molto più fruibile dal vivo, I De Grinpipol, formazione attiva dal 2004 hanno pubblicato il loro primo album ufficiale, interamente autoprodotto. Sono nove i brani che spaziano tra brit-rock e indie targato USA, molto interessanti alcuni riff ed arrangiamenti che denotano la buona preparazione musicale che è stata acquisita nei vari spettacoli dal vivo. Per quanto riguarda invece i dischi da studio in futuro si dovranno curare maggiormente parti vocali e variare maggiormente le sezioni ritmiche se si vorrà davvero trovare quella personale originalità in più.

La grinta non manca in questo lavoro, si ascolti “No!” e “Get this happiness”, ma parlando di suoni tradizionali non dico che si debba andar sempre a ripescare i suoni caratteristici della regione, possiamo anche accantonare per un attimo launeddas e cori polifonici sardi, ma questo disco potrebbe essere qualcosa di diverso e più corposo se ci fosse qualche momento più inedito ed esclusivo. Rimane comunque sound piacevole, divertente e coerente: preciso, che non è da tutti. Il gruppo in classica formazione: batteria, basso, 2 chitarre, voce e cori è ben costruito ed è maturo per poter fare un passo ulteriore verso la ribalta. La sperimentazione dovrà continuare ad essere l’ingrediente principale partendo proprio dall’esperienza maturata dal vivo. Da tutte le influenze ascoltate, si potrà fare la differenza in quella capacità di costruzione soggettiva che si dovrà mantenere comunque elementare e diretta com’è ora, ma si dovrà trovare il coraggio di andare oltre, alla ricerca di quella genialità che ha ben prima di loro caratterizzato il successo dei colleghi inglesi e americani.

I DGP se riusciranno a svestirsi dall’abito “Jump hard rock cover” per sorridere sarcasticamente al mondo (come solo dei bravi “Green Grin men” sanno fare) e fare base in Sardegna, avranno modo di continuare a far ballare e divertire il pubblico, facendo loro bettere le mani (come scimmie...) con accenni di blues, chitarre ruvide e sonorità anni settanta. Con la costanza e la bravura che li contraddistingue potranno avere qualche carta in più da giocare proprio solo amalgamando il sound della loro terra con quello che già hanno nel cuore.

Antonello Furione

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www.myspace.com/degrinpipol

The Bambi Molester - As The Dark Wave Swells

2010-08-04T09:33:00.001+01:00

I molestatori di Bambi, da Sisak, Croazia, fin dalla loro formazione nel 1995, hanno partecipato alla rinascita del genere surf rock e continuano a contribuire in modo significativo alla sopravvivenza di questo genere musicale e all'ulteriore sviluppo con grandi plausi di pubblico e critica.

Anche se per Michael Stipe dei Rem, sono la migliore band rock surf in circolazione e per questo hanno condiviso il palco della band di Athens come supporto per il loro tour europeo diverse volte, i Bambi Molester non sono una band ancora perfetta per ogni situazione, ma stanno cavalcando l’onda giusta per arrivare al successo molto presto. Con “As The Dark Wave Swells”, quarto album in studio, si viaggia in un film, anzi in una filmografia completa dagli anni ‘60 ai giorni nostri. I brani cambiano spesso forma e il contrasto con vari strumenti rende molto interessante il risultato finale. Misterioso ed intenso con pillole psichedeliche qua e la, non è propriamente musica da sottofondo, non cade mai nella noia, nonostante il lavoro sia interamente strumentale. Il surf rock del 2010 è contemporaneo ed ha suoni innamorati e melodie che trasportano tra le onde del mare, sotto un cielo solo a tratti nostalgico che si tramuta spesso con abilità del gruppo in un mare pieno di desideri e speranze.

Il loro sound è stato paragonato alla musica di Ennio Morricone, ma il gruppo si distingue proprio perchè non è revival, è essenziale, contemporaneo e soprattutto il sound è credibile, assolutamente senza quel kitsch così datato anni '90. L'album cresce ad ogni ascolto, e di sicuro ascoltando i vari brani non si pensa proprio alla Croazia, ma vengono in mente la spiagge assolate della California, delle Hawaii, nonostante ciò, i quattro croati provengono da un paese devastato da guerre e rovinose distruzioni e proprio per questo il sound è molto più originale con quell’alone di tristezza che è estremamente rara in questo genere. La storia di un paese, spesso si riflette sulla sensibilità degli artisti e a strade desolate, panorami infiniti, arrangiamenti bellissimi si accostano melodie talvolta drammatiche, sicuramente non spensierate come ci si aspetterebbe che fossero. È sorprendente che i Bambi Molester comunque siano l'unico gruppo proveniente dalla croazia di cui si sia mai sentito parlare, (per quanto mi riguarda è ovvio...) ascoltandoli ci si chiede quanti talenti siano ancora da scoprire in altrettanti paesi che per una storia o per l’altra non si avrà mai modo di conoscere. Lada Furlan Zaborac al basso, Dalibor Pavicic e Dinko Tomljanovic alle chitarre e Hrvoje Zaborac alla batteria in qualche modo oltre ad essere musicisti molto capaci sono stati anche fortunati ed ora sembrano proprio partiti alla conquista dell’Europa.

Antonello Furione

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www.thebambimolesters.com

http://www.myspace.com/thebambimolesters

Riccardo Ceres - James Kunisada Carpante

2010-07-05T11:22:00.003+01:00

“James Kunisada Carpante” è un disco un po’ vecchio stile. Voler ricuperare sound lontani dal tempo, senza molta originalità crea un po’ di banalità e pesantezza. Le tracce si trascinano lentamente e nonostante il sax di Mariano Lucchese faccia di tutto per inserire qualche perla di vigore, il sound non decolla. Con la traccia “Il piccione” anche se con un po’ più di energia in più e con un ottima parte chitarristica, si entra a piè pari in un mondo sempre più cupo e lento (che non vuol dire blues). Anche se Tom Waits aleggia spesso come fantasma in questo album, ed ormai sembra esser diventato un must per i giovani artisti italiani, dai Capossela a quasi tutte le nuove leve, Riccardo Ceres, con difficoltà, tenta di capire qual’è il proprio percorso e lo racconta con le esperienze di vita vissuta. Ci si limita troppo spesso infatti con facilità a seguire le orme dei più grandi musicisti del nostro tempo senza pensare alla propria visione della vita e non si riesce spesso a farne emergere la vera essenza. In questo disco d’esordio la parola è il fulcro, il parlato è predominante, Ceres sembra voler illustrare la vita del sud Italia, tramite alcuni racconti di quotidianità spietata, storie nere e senza speranza, ma tutto sembra un po’ troppo stereotipato per i giorni nostri, un po’ come sembra James Gandolfini alias Tony Soprano (per noi italiani) nella serie americana: davvero una strana combinazione di ingredienti.

Forse Paolo Belli avrebbe potuto creare questo disco nel 1989 con i Ladri di Bicilclette, e non avrebbe assolutamente sfigurato dandogli quel tocco di soul in più per alleggerire in maniera felice l'intero impianto compositivo, ma “James Kunisada Carpante” è un disco scuro, blues e nonostante ciò è sincero ed è un buon lavoro d’intenti per la capacità di ricerca e lo spessore dell'artista casertano. Per comunicare come facevano i cantastorie di un passato nemmeno troppo remoto, Ceres mette la musica al servizio della parola ed è appunto in alcuni brani parlati (come nella traccia “Il Santo”) che si trovano i migliori momenti di questo concept. Molto blues e lievissimi accenni jazz, ne fanno musicalmente parlando, un ottimo disco ma c’è ancora molta strada da fare se si vuole arrivare ad un lavoro più fruibile e completo. La sua scrittura cinematografica dai tratti visionari non può venire meno ad una capacità di tradurre un sapore nostrano e la lente di un cantautore italiano non può essere offuscata in maniera così preponderante da una d’oltreoceano con cui si fa difficoltà ad immedesimarsi.

Antonello Furione

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www.myspace.com/rceres

Picastro - Become Secret

2010-07-04T13:19:00.001+01:00

Tra fantasmi, violoncelli dark, romboanti ritmi e soporiferi vocalizzi, il tetro cantante dei Picastro: Lix Hysen canta come un fantasma di Joan Baez o Joni Mitchell, combinando toni profondi con una inaspettata vocalità dai toni alla Sigur Ros. Nel loro quarto album da studio, Become Secret si crea un atmosfera particolare, sperimentazione perfetta resa minimale con sapienza. Gli strumenti rarefatti seguono la tonalità della voce principale e il risultato anche se un po’ pesante potrebbe calzare a pennello per una colonna sonora di un film horror. La tensione sorge dalla prima “Twilight parting” e cresce a dismisura intervallata da alcuni sospiri elettronici e lamenti elettrici. A tratti "Neva" ricorda Neil Young, come se l’artista canadese cantasse “The needle and the damage done” sotto un coperchio o venisse fatto suonare sul Nautilus di mille leghe sotto i mari.

A tratti sinfonico, il gothic folk tormentato dei Picastro è davvero interessante, tra dissonanze e melodia è un mantra continuo che apre le coscienze ad un mondo che pare sempre più dalle idee piccole e limitate. Spogliando ogni musica di suoni superflui, rimane l’essenziale, ed è in questo modo che la suggestione viene arricchita di valori nuovi, dove la mente può scegliere a cosa pensare, dove viaggiare dove farsi trasportare proprio come se si stesse leggendo un libro o si stesse vivendo un capitolo della propria vita. Registrato quasi completamente in presa diretta, in bassa fedeltà, "Become Secret" è realmente ipnotico e si dice che il gruppo abbia tratto ispirazione da The Road di Corman McCarty, come anche dal film di Michelangelo Antonioni "Professione Reporter". Nella sua mezz'ora scarsa di durata, l’immaginazione ed il mistero attraggono ed in qualche modo si rimane imprigionati in un sogno in cui si può solo riflettere sul futuro di questa ottima band e alle ottime scelte stilistiche che verranno da qui in avanti.

Antonello Furione

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http://www.myspace.com/picastro

Zibba - Una cura per il freddo

2010-07-01T10:57:00.001+01:00

Terzo capitolo in studio per il cantautore savonese Zibba. Dopo il successo di “Senza smettere di far rumore”, ci si trova a scoprire un l’album adulto, caldo e intenso, dalla scrittura frizzante e solare che davvero si può utilizzare come terapia contro il freddo non solo atmosferico ma dell’anima prima di tutto. Uscito il 16 aprile, questo nuovo disco è suonato con la Almalibre, ed è mixato da Sandro Franchin, produttore artistico di grandi nomi tra cui Vasco, Tiziano Ferro, Simply Red e masterizzato al Nautilus di Milano da Antonio Baglio. Il disco si presenta in un cartonato ruvido e molto curato, un booklet completo e una grafica impreziosita dagli schizzi di Consuelo Ielo.

Zibba, con la sua voce graffiante, in quindici tracce crea un percorso musicale originale e completo, che va in profondità fino alle radici della musica italiana moderna, riesce a dosare con coraggio stili diversi, come quelli di Buscaglione, Celentano, Ligabue, Conte, Goran Bregović, Fossati, Gaber, facendoli propri usando sonorità e testi personali, intelligenti ed innovativi in un mix fresco di musica jazz, raggae, balcanica, folk popolare, rock, blues, rap, swing, funky, trasformandosi velocemente in vera canzone d’autore di classe. I testi sono curati parlano d’amore, di sesso, di speranze, di amicizia, di vita di tutti i giorni, di stenti, di incontri e nuove possibilità e creano attimi di assoluta poesia in cui spesso l’approccio diventa intimista, la noia viene meno e con semplicità i brani risultano più diretti, nonostante l’impianto dell’intero lavoro si mantenga piuttosto classico.

I personaggi delle sue canzoni sono spesso gente dimenticata, gente comune, emarginata, e per questo ricorda forse un po’, in termini contemporanei, la poetica di Fabrizio De Andrè, ma la maturità, la discrezione e la personalità di Zibba ne fanno sicuramente un artista sincero e molto interessante per il futuro del cantautorato italiano. Contaminare musiche differenti e riscoprirsi ascoltando storie di perone lontane dal nostro modo di pensare, di vedere la vita, sarà il vero futuro della musica italiana, e questo album sicuramente è all’avanguardia e fonte di ispirazione per questo motivo.

Gli Almalibre, o Anime Libere che lo accompagnano in questa avventura sono un gruppo di amici che, come una famiglia, credono in un progetto comune e con grande passione e trasporto vogliono esserci. Zibba infatti scrive: “Amo collaborare e lasciare che gli incontri musicali che si fanno nella vita regolino l’andamento delle cose. Perché la musica per me è fatta di collaborazione. Di persone che scelgono di fare un pezzo di strada insieme. Una visione romantica forse, ma l’unica che mi viene...” Così cercando di cogliere la poesia in ogni aspetto della giornata, Zibba non lascia nulla al caso e in ogni brano che fa storia a se, cerca nuove sfumature, nuovi colori, nuove espressioni con una capacità innata di emozionare come pochi.

Antonello Furione

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www.zibba.it

www.myspace.com/zibbaone

www.volumerecords.it

www.cramps.it

www.laltoparlante.it

www.protosound.it

Lorenzo Colella - Out South

2010-06-22T22:26:00.003+01:00

"Un percorso attraverso un anno, da un settembre al successivo, Nel settembre 2007, Villa a Sesta, nome della località toscana dove mi trovavo, è stato il primo brano di quelli del disco. Poi sono venuti gli altri durante l'inverno e, nel settembre 2008 sono stati registrati. "Jeff" è dedicato a Jeff Buckley, "Bianco" l'ho scritto per Luca, il contrabbassista, "Song" è una canzone. "Red" come la sulla in campagna. "Zut" per le occasioni perdute. "12/10" è una data. "S.o.s" è un momento critico. "Coda" per mio padre". Così Colella spiega il suo album d’esordio.

Raramente ascoltare buona musica ha la stessa pienezza di una buona lettura, ma è questo il caso di Lorenzo Colella che con il suo progetto originale “Out south” accompagna e lascia trasportare la mente proprio come si fosse nel bel mezzo di un capitolo di svolta di un romanzo. Autentico ed essenziale, che sa di vera vita vissuta e di grande coerenza stilistica, l’artista spazia in diversi generi tenendo come base un jazz confidenziale e di facile ascolto. Nelle nove tracce come fossero appunti di viaggi, si è proiettati in uno scenario suggestivo, un viaggio fatto di avventura, di gioia, di qualche momento di tristezza e anche di meditazione.

Out South, “Fuori da qui” senza eccessi e forzature, in 40 minuti scorre in maniera naturale, il quartetto riesce a creare un album vivo, passando dal jazz e rock-blues fino al folk americano. Tra le migliori tracce sicuramente Red, Song e Jeff da preferire alla più elettrica come 12/10, in cui la chitarra, nonostante spezzi un po’ il viaggio risulta un po’ troppo ossessiva in qualche passaggio. I musicisti provenienti da esperienza musicali diverse danno il loro contributo corale, i diversi viaggi, diverse esperienze portano al coraggio di innovare e provare a raccontare semplicemente quello che si è visto con più facilità e immediatezza, senza tanti ritocchi o ripensamenti e con molta semplicità. Questo è proprio un bel disco d’esordio che si trova confezionato a sorpresa con un packaging eco-sostenibile. Se forse si vuole trovare un difetto all’artista e che forse il guitar leader non spicca così tanto nell’amalgama del gruppo, ma a questo si potrà facilmente ovviare con i lavori futuri.

Per questa giovane etichetta: la Fitzcarraldo Records, l’originalità è di casa e sicuramente si riuscirà ad osare e a colpire sempre meglio con nuova musica giovane e di classe come questa, per giovani intenditori e magari sempre con questa particolare attenzione all’ambiente.

Antonello Furione

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www.myspace.com/lorenzocolella

http://www.fitzcarraldorecords.com

Irony Of Faith - Warmer Colors Warmer Sky

2010-06-21T09:34:00.002+01:00

Dal bianco inerte della copertina si passa ad uno spettro infinito di colori, suoni e calore proprio come Warmer Colors Warmer sky indica, tutto rivolto a scaldare gli animi ed i pensieri con uno sguardo al cielo. Pel il loro esordio gli Iron of faith decidono di creare un White Album personale, un mix di suoni e corposità fin troppo piena, e c’è da chiedersi come per i Beatles, cosa possa esserci o avvenire dopo? Nonostante sia davvero emozionante fin dalle prime note dell’intro di “Ufo On Earth” a cavallo tra Editors Linkin Park e Metallica, il gruppo milanese al suo esordio pare navigato ed ogni istante ha sonorità diverse e tutte allo stesso modo intriganti e degne di nota. Tinte dark e metal, tappeti di tastiere elettroniche e assoli infiniti di chitarre elettriche o arpeggi pianistici collegano ogni sorta di stile.

Una copattezza e fluidità melodica davvero interessante, che però alla dodicesima traccia stanca un po’, perchè c’è un tutto e subito, che va tanto di moda di questi tempi, ma che porta a capire fin dall’opening track quello che succederà già nei minuti che seguiranno fino alla fine e toglie subito ogni sorpresa e interesse a continuare in un secondo ascolto. Se il talento è nelle scelte, come dice qualcuno, c’è forse ancora un po’ di strada da fare, ma la band è sicuramente molto interessante ed abile, il sound è molto corposo, compatto e il gruppo suona davvero con coscienza di causa. Le tracce sono sicuramente originali ed ogni spunto non sfigura, anzi, ma in questo disco c’è del materiale per un intera discografia e tutto sta nel rendere questi ricchi arrangiamenti più radi e più pesati e misurati. Avere un potenziale così è un grande vantaggio rispetto a quello che è il risultato finale di tanti prodotti che si ascoltano oggi, quindi c’è solo da migliorare, ma si parte già da alti livelli. Se poi come in Scent si tentasse con un po’ più di coraggio di cantare qualche testo in italiano, sarebbe un enorme valore aggiunto che cambierebbe proprio dalle fondamenta l’intera opera. Restiamo in attesa quindi che la qualità sonora degli “Ironia della fede” e la loro qualità espressiva, fusa nell’oscurità e nella luce si espanda meglio e diventi realmente un futuro concreto della musica italiana.

Antonello Furione

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www.myspace.com/ironyoffaith

http://www.ironyoffaith.com/

http://www.fullstrokerecords.com/

Lorenzo Artegiani - Perchè no?

2010-06-20T12:14:00.001+01:00

Mai un titolo fu più adatto per descrivere un album d’esordio come quello di Lorenzo Artegiani. “Perchè no?” suona come Raf, forse come Laura Pausini (vedi Ogni Battito) ed in alcuni momenti addirittura come Gigi D’alessio e ci si chiede “Perchè no?” Perchè non dovrebbe ricalcare anche le orme di Antonacci o Caputo? Il pregio del debutto di questo artista sta proprio nel mix di così tante influenze, che lo rendono un discreto lavoro. Il disco, realizzato in collaborazione con Massimo Bozzi, già arrangiatore di Mina e Audio2, e con il trombettista jazz Samuele Garofoli per qualcuno forse sembrerà un po’ troppo retrò e superficiale, ma le musiche sono curate e il cantautore chitarrista e pianista di Senigallia suona un pop latino, o mediterraneo se così lo si vuol chiamare e canta bene. In alcuni passaggi nonostante ciò, la melodia sembra troppo anni ottanta per essere vivace ed innovativa. Mancano infatti degli spunti geniali, che in quest’opera proprio perchè vuol ripartire dal passato dovrebbero essere più visibili per andar oltre, rinnovare ed innovare. Ci sono buoni spunti, ma manca un po’ di coraggio e fantasia.

Nelle dieci tracce, l’ultima, la title track ricantata in spagnolo, c’è un percorso poco evolutivo che trasforma Artegiani in un cantastorie innocente che mette a frutto l’esperienza degli anni di teoria e di gavetta per gettarsi a capofitto nella prova numero uno, e questa altalena tra tradizione ed universo acustico nel complesso risulta essere assopita. La voce a tratti cantilenante sembra voler quasi raccogliere la tradizione dei trovatori, ma allo stesso tempo l’ideale dell’amor cortese al giorno d’oggi non va proprio più di moda e talvolta il cantato sebbene strutturato pare melenso e troppo semplicistico. Così qualche inserto più moderno, magari elettrico e tematiche più intense e di diverso spessore potrebbero aiutare il cantautore, a rinnovarsi, perchè il suo orizzonte, ed ogni accostamento, se non cambia strada, rischierà in futuro davvero di essere limitativo, prevedibile (come già in alcuni casi è questo lavoro) o peggio riduttivo. Speriamo sia stata solo una falsa partenza.

Antonello Furione

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http://www.myspace.com/lorenzoarte

Granturismo - Il tempo di una danza

2010-06-19T09:00:00.001+01:00

Se con “Canterò l’amore che arriva e va” I Granturismo nel finale di “Gospel in Giugno”, quasi sembrano voler scrivere un manifesto all’intero album, il sound di questo disco d’esordio crea atmosfere ricche e differenti, tra funky, elettronica, disco surf e murder ballad che sviluppano in maniera completa e piacevole l’intera opera e ne rendono piacevole l’ascolto. “Il tempo di una danza” un po’ come sottolinea la copertina è un album estivo. Il gruppo ricalca con raffinati riferimenti musicali il sound di Baustelle e La Crus (vedi la tittle track), ma anche più on the road dei Martinicca Boison (vedi Addio Tristi Lunedì) o ancora Velvet Underground di Sunday morning (La tua Casa), ma nonostante questo è un disco pieno, originale e curato. Sono atmosfere frizzanti, allegre, che potrebbero accompagnarci tranquillamente mentre andiamo in spiaggia, o ancora meglio mentre torniamo da una giornata assolata passata al mare. La band: Vincenzo Vernocchi alla chitarra e la voce profonda di Claudio Cavallaro, cantano di un amore nostalgico, di storie di vita passate e risolte o quasi, amore, incertezze della vita e passioni e dolori che evaporano nel tempo. D’effetto gli inserti di tromba di Marzocchi ed alcuni versi filosofici.

Quando gli amori finiscono, più che il rimpianto c’è la consapevolezza che sta iniziando una nuova avventura e forse proprio in questo rimane il bello della vita, fatta di piccole morti e piccole nascite, e nel coraggio di affrontare proprio il nuovo che verrà. Così si sviluppa in questi brani l’idea di semplicità, nel voler cogliere l’attimo che potrebbe finire da un momento all’altro, riuscendo a non prendersi troppo sul serio ed allo stesso tempo avere con se sempre un’antidoto alle difficoltà dei momenti duri della vita.

Uscito il 26 marzo per l'etichetta Live Global, è prodotto da Paolo Alberta sotto la supervisione di Fabrizio Barbacci (produttore di Ligabue, Negrita, Gianna Nannini, Roy Paci & Aretuska, etc.). La loro opera prima in definitiva è una buona prova cantautorale, che con lo sguardo a cavallo tra retrò e futuro getta le basi per un buon lavoro nostrano, senza grosse sorprese, ma piacevole e concreto. Se in futuro si vorrà di più però bisognerà osare in ogni direzione, soprattutto nella sezione lirica.

Antonello Furione

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http://www.myspace.com/granturismomusic

Matteo Castellano - 23.03.2010 Caffè Basaglia (TO)

2010-05-12T23:10:00.011+01:00

La canzone è senso che guida la voce. La società si trasforma, le persone perdono il senso e le canzoni cambiano, ma la voce non muore mai e continua a vivere negli autori, nei bambini, nei giovani e negli anziani narrando le storie che ognuno di noi porta nel cuore e vorrebbe ascoltare. Matteo Castellano è nato a Torino nel 1981, e fa parte delle belle sorprese che la nuova scena dei cantautori torinesi sa sfornare con metodica periodicità. Ha vissuto fino ai vent'anni a Fossano, poi ha deciso di viaggiare cercando di osservare con spirito critico il resto del mondo, da Roma a Londra, da Santo Domingo, per poi fare ritorno a Torino, imparando a vivere di musica, imparando a narrare al meglio i pensieri ed i sogni di una vita che la gente deve affrontare quotidianamente. Ha pubblicato un unico disco dal titolo "I Funghi Velenosi" recensito brillantemente da alcune riviste di settore e ora, sempre girando in lungo ed in largo l’Italia sta preparando un secondo album, anche se la soddisfazione maggiore è proprio suonare dal vivo potendo raccontare la sua vita al pubblico.

Suona la chitarra, il pianoforte e ama cantare gesticolando un po’ alla Giorgio Gaber quasi a spiegare meglio le sue composizioni, che sono già più che immediate. Sono composizioni teatrali, create come dipinti a colorare vita vissuta tra passioni e filosofie, tra ritratti umani bizzarri e malinconici. La canzone così si trasforma in spettacolo e incontro. Concerti ovunque, si suona in mezzo alla gente, dalla strada a locali più importanti, e le sue capacità sono davvero indubbie. I pezzi “madrepadre” e “Una zitella al neon” ad esempio fanno sorridere, ma anche pensare, la sua ironia è tagliente, disarmante, drammaticamente persa tra Ciampi e Jannacci, come se fosse un passaggio di testimone generazionale. Così l’emozione si ricrea ogni volta, come anche la ricostruzione dei suoi testi direttamente sul palco sapendo semplicemente ascoltare l’umore e la sensibilità del suo pubblico. Matteo Castellano sorprende, per la sua originalità, una personanlità fresca e sicuramente in fase di crescita, lo stesso Club Tenco lo ha invitato quest’anno alla prima edizione del Premio dedicato al grande Fred Buscaglione. Non si contano nemmeno più i numeri dei brani da lui scritti e che propone in ogni live, sta lavorando bene e tenacemente con una band di grande livello tra i quali Vito Miccolis, Toti Canzoneri, Simone Bellavia, Bozzi e ci si augura presto di poter ascoltare un suo nuovo lavoro anche in qualche disco da studio.

Antonello Furione

Il Disordine delle cose

2010-05-12T15:09:00.003+01:00

Se per qualcuno “Il disordine delle cose” la band piemontese è stata una rivelazione, il loro primo lavoro discografico omonimo uscito ad ottobre scorso e prodotto da Gigi Giancursi e Cristiano Lo Mele dei Perturbazione vede delle buone doti canore e originali creazioni, ma prevale una stanchezza di fondo ed una calma piatta che rende il disco in definitiva di difficile fruizione. I disordine sono sulla scena indipendente dal 2007 e per questo lavoro, hanno collaborato con un infinità di grandi ospiti che lo rendono un progetto davvero molto ambizioso, come Benvegnù, alcuni membri dei Perturbazione, Syria, Naif, Marcello Testa dei La Crus, Marco Notari, Enrico Allavena (Blubeaters), Giotto Napolitano (Fratelli di Soledad). I brani nonostante le aspettative si confondono e alla fine convincono poco, non dando alla band sicuramente la possibilità di esprimere al meglio le loro potenzialità.

Toni soffusi pop incorniciano ottimamente l’intero lavoro fin dai primi istanti, e lo rendono molto ricco, dalla delicata e intensa “Il colore del vetro” che apre, che è una delle composizione migliori dell’opera a “L’astronauta” o ancora “Piume di cristallo”. Sono tredici brani e una bonus per quasi un’ora di musica dove la malinconia si protrae a lungo e anche se qualche spunto sembra cambiare strada, tutto diventa lento, schematico, dalle atmosfere rarefatte così tanto che fin dal primo ascolto non si riesce a trovare proprio un appiglio necessario alla risalita. La magia dei primi minuti si trasforma ben presto una spirale musicale che scompone i testi fino a far perdere ogni punto di riferimento.

“L’ordine è il piacere della ragione, il disordine è la delizia dell’immaginazione” (Paul Claudel).

Una produzione accurata in grande stile con le energie spese che sembrano però troppo studiate a tavolino. Sono le situazioni troppo curate a dare fastidio, atte ad incorniciare momenti che sembrano di banale sentimentalismo. Il valore aggiunto di questo lavoro invece è proprio da ricercare probabilmente nel fatto che nel panorama indie italiano mancava il romanticismo più elegante e classicheggiante e con questo lavoro ci si tuffa in una poesia completa, costruita bene, al chiaro di luci soffuse, acustiche ballate tra arpeggi di chitarra e di pianoforte dai mille colori vengono raccontate come fotografie, e su questa strada si dovrebbe proseguire semplificando un po' le composizioni.

E’ indiscutibile la capacità tecnica dei componenti della band, è musica patinata, sul filo del turbamento tra cantautorato pop alla Nick Drake, Tenco e ad una nuova new wave italiana più ricercata. Nonostante ciò credo proprio si potesse fare qualcosa di più con le energie spese e i numerosissimi ospiti. Proprio un peccato per una grande occasione mancata.
Antonello Furione

Contatti:

www.ildisordinedellecose.it

Nicodemo - In due corpi

2010-05-07T10:11:00.003+01:00

Nicola Pellegrino in arte Nicodemo, a quattro anni di distanza dal precedente “Il treno per Bologna”, pubblica il suo nuovo lavoro dal titolo “In due corpi”, registrato a Cava dei Tirreni e mixato a Roma. Dieci canzoni in otto mesi di lavoro in studio di registrazioni e molte collaborazioni importanti come quella con Andy dei Bluvertigo nella traccia che apre il disco. La vita secondo Nicodemo è un viaggio e ogni tanto, ci si può facilmente perdere, per raggiungere il sogno e la serenità attraverso l’inquietudine. Soli davanti a quelle “Pareti” di solitudine si può e si deve parlare per descrivere la propria insofferenza. E non è come “Il cielo in una stanza” di Gino Paoli “...che restiamo qui abbandonati come se non ci fosse più niente al mondo”, e si era pronti a non vedere nemmeno più i muri, in questo caso vengono colorate di molti colori proprio a descrivere le proprie difficoltà e la propria ricerca. La confessione del cantautore campano tra fumosi sax ed elettronica continua a contaminare le atmosfere anni ottanta, talvolta dark e soffuse altre più acustiche, soffuse ed intimiste. Un tocco di cantautorato moderno ed originale. Il confronto è uno dei temi più ricorrenti in questo lavoro del bassista e cantante, tra Elettronica e traditional da “Opto per la radio” e “Telenovele”, si passa velocemente ad un interessante smokin’ jazz “Strano”.

Tutto il disco è da considerare un buon passo avanti nella ricerca musicale italiana. Lo stile dei suoi brani è elegante a tratti vagamente cupo e rarefatto, ma mai pesante, sicuramente innovativo. “Bella ed elegante” di finardiana memoria con le altre tracce che chiudono il disco narrano una voglia di rivoluzione culturale di profonda coscienza ed analisi del proprio presente, con sensazioni, umori e buone prospettive per il futuro.

A valorizzare ulteriormente questo disco altre collaborazioni importanti in particolare quelle di Luca Urbani (Soerba), Carmelo Pipitone (dei Marta sui tubi) in “Opto per la radio”, Raffaella Destefano (dei Madreblu) in “La reciprocità” e Sarah (dei Diva Scarlet) in “Autunno”.

Nicodemo descrivendo il suo lavoro scrive: “Penso a questo album come ad una stanza, grande ma spoglia: dentro di essa, me stesso e l’altro me stesso. Ho fatto i conti con la mia realtà, con i pensieri di chi osa sfidare i propri difetti per migliorarsi. Da “In due corpi” ne traggo l'incomprensibilità verso chi si incolla, per non rischiare, ad una sola visione delle cose.” Siamo quindi tutti alla ricerca di una soluzione per riuscire a cambiare? Forza e coraggio.

Antonello Furione

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Hayseed Dixie - live @ Spazio 211 - 30.03.10

2010-04-25T23:23:00.002+01:00

Spesso mi era capitato di “pogare” ad un sacco di concerti rock di ogni tipo e di ogni qualità, con un sacco di canzoni diverse, ma su un brano classico di Mozart suonato da 4 Killer grass del Tenessee questo è stata proprio un esperienza nuova.

Prima apparizione Italiana in dieci anni, gli Hayseed Dixies, allo Spazio 211 hanno dato davvero il meglio di loro, per un inatteso primo sold-out. Musicisti competenti divertenti, super professionali e stupiti dall'affetto del tanto pubblico accorso per la serata che comprendeva un pubblico davvero vario, dal giovane al metallaro, al più attento country man. Hanno iniziato alle 22 puntuali con un boato della folla, e hanno suonato alla velocità della luce “ Ace of Spades” dei Motörhead, “Highway to hell”, Bohemian Rhapsody contenuta nell loro ultimo lavoro e Ramblin’ man. A distanza di dieci anni dal loro esordio "A Hillibilly Tribute to AD/DC", e otto album pubblicati in studio che hanno sempre spaziato nel repertorio rock delle cover più disparate, la vera novità e che da qualche tempo John Wheeler e soci hanno hanno messo la testa a posto, forse, ed hanno iniziato a comporre anche canzoni, con testi che rispecchiano la loro vita. Non solo rivisitazioni in chiave bluegrass dei più grandi classici dell'hard rock quindi, ma anche idee proprie per poter finalmente iniziare a camminare con le proprie gambe, così sono nate e si sono ascoltate dal vivo anche Tollerance, In the Backyard, Norfolk girl e la pseudo romantica Don’t cry for me. Nel disco Killer Grass, uscito proprio quest’anno, ci sono dodici brani divisi fra sette brani originali e sei rivisitazioni, come narra l’adesivo in copertina fra cui Bohemian Rhapsody dei Queen e Won't Get Fooled Again dei The Who. In allegato nella versione italiana anche un DVD contenente sei video musicali e cinque video “didattici” in cui la band spiega davanti ad un mare di lattine e bottiglie di birre come si suonano gli strumenti che usano. John Weeler alla voce, chitarra, violino, Don Wayne al banjo, Dale Reno al mandolino e Jake Byers al basso hanno proprio dato spettacolo.

Versioni velocissime e suonate in maniera impeccabile con banjo, basso acustico e chitarre acustiche. Dagli AC-DC con la versione stratosferica di Hell's Bells a “Whola lotta love” dei Led Zeppelin, ai Rolling Stones, passando da Kiss, Queen, Aerosmith , ed infine Green day per accontentare proprio tutti. Parlano spesso con il pubblico, chiaccherano parlano di donne, birra, vino, ed il loro dissapore per i Coldplay, truccati e con sguardi truci comunicano in un brano che il “Merchandising is behind the corner” e lo ripetono da farne musica per una manciata di minuti. Disponibili per autografi e foto ricordo alla fine del concerto sono state circa due ore senza pausa, da sottolineare in scaletta anche sul finire della serata pezzi più stretti della tradizione americana come il traditional Needed time. Nei loro scherzi musicali sono davvero degli ottimi musicisti capaci di assoli ed improvvisazioni, e suonando semplicemente cover sono riusciti a ritrovare un’originalità davvero inaspettata.

Antonello Furione

Contatti:

www.hayseed-dixie.com

Andrea Chimenti - Tempesta di fiori

2010-04-24T23:14:00.004+01:00

Il nuovo lavoro di Andrea Chimenti s’intitola “Tempesta di fiori”, uscirà il 30 aprile ed ha avuto una gestazione di quasi cinque anni. Dal precedente “Vietato morire” le tematiche sono cambiate, la sua evoluzione è palpabile, dopo un paio di anni di intensa attività live, e notevoli progetti in cantiere la sua carriera arriva ad un altro nuovo punto di svolta. L’attesissimo dodicesimo album in studio quindi arriva proprio in un momento importante. Le sue parole servono a testimonianza di un nuovo inizio, di una nuova visione personale della vita: "Tutti i grandi cambiamenti, inaspettati e non voluti, sono, in qualche modo, desiderati nel profondo, e così arriva inesorabile il giorno della 'tempesta' dove tutto sembra crollare, ma in realtà è solo destinato a cambiare forma".

Chimenti è un artista poliedrico che ama spaziare tra poesia, immagine, teatro e danza, lo ha fatto in passato ed ora è solamente più diretto. “Tempesta di Fiori” è un album notturno, forse il suo Sgt.Pepper personale a livello sonoro, abbandonato il senso di solitudine di “Vietato Morire”, è un caleidoscopio di immagini e situazioni diverse, tutte accomunate dalla sensualità della voce e dalla ricerca musicale al servizio di quella testuale. Sono Dodici tracce di cui una cover (Vorrei incontrarti di Alan Sorrenti) con lo sguardo rivolto sempre al futuro, a partire dalla prima “Era di notte”, la fine di amore, porta a guardare avanti, ad un tempo migliore alla speranza di un domani che dia la forza di proseguire. In “Il cielo che si avvicina” il viaggio comincia, si guarda il mondo in una diversa prospettiva. “Bellissima” è uno dei pezzi più intensi dell’intero lavoro, una ballata luminosa che all’inizio sembra ricalcare la vocalità di Miguel Bosè per l’atmosfera sensuale che si conclude con un interessante coro ed orchestra un po’ beatlesiana che ritorna anche nell’ultima traccia “Lezioni pratiche di volo”. Davvero belle anche la progressione pianistica di “Stupido”, con le risate ed i discorsi in sottofondo ed il breve assolo finale di sax in ”Sangue” (da ascoltare poi eventualmente dal vivo...). Ogni suono, ogni nota non è messa a caso. Il viaggio prosegue con una dedica al figlio in “Delicato guerriero” che ha rimandi vocali alla Bowie per proseguire con la tittle track manifesto personale di speranza. La barocca e divertente “Perduto” è solo una breve pausa per soffermarsi a pensare che se “Qualcosa cambierà” non per forza dovrà essere in peggio: il viaggio finalmente continua.

Antonello Furione

CONTATTI:

www.andreachimenti.com

www.myspace.com/andreachimenti

WAINES - STU

2010-04-23T23:04:00.003+01:00

Se le note iniziali un po’ alla “Spirit in the sky” che aprono il primo brano Flow River Flow non facevano molto ben sperare, il primo album full length dei WAINES è davvero una scoperta.

L’avventura era partita come band liceale, da Pastense (vecchio nome della band) in seguito il progetto si è trasformato nel 2005 in WAINES, con l'idea di un trio senza basso in cui suonare per lo più jam improvvisate da sviluppare insieme. Così, proprio ricalcando quelle che sono i propri gusti musicali, anche eventualmente vecchi di quarant’anni, si crea freschezza, nuove idee e nuove sonorità.

Se con l’EP A Controversial Earl Playing, avevamo potuto gustare un antipasto di tutto rispetto, STU (si scrive tuttomaiuscolo, come il nome del gruppo), è un gran bel disco, undici tracce per circa 41 minuti, dove un sound denso e potente viene esaltato ulteriormente da una voce una voce convincente e carica di energia.

La nuova scena musicale siciliana in questo momento è davvero florida se si pensa ai Pan del Diavolo, ai Second Grace, ai Famelica, Donsettimo,e molti altri perchè è fatta di gente che vive di musica e che ha scelto di mettersi in gioco, spesso lavorando al proprio progetto e nello stesso tempo collaborando con altri gruppi, e, sulla lunga distanza questa situazione sta portando effetti tangibili. I WAINES così come altri, si sono ispirati dal continuo girovagare, hanno suonato un po' ovunque in Europa ed il disco di esordio, STU è uscito il 7 Agosto 2009 in Germania ed è stato seguito da un tour Europeo a fine ottobre che ha toccato Germania, Repubblica Ceca, Ungheria e la Slovenia. In Italia è arrivato solo a metà settembre, ma ha già riscosso notevoli apprezzamenti da pubblico e critica.

Nonostante le proprie radici ed i propri gusti musicali, che si ritrovano in Jon Spencer Blues Explosion, Black Keys, Raccounters, White Stripes e Allman Brothers, Black Crowes e ZZ Top passando ovviamente dai Led Zeppelin e gli stones, i WAINES, sono legati a canoni classici del blues elettrico, ma la loro personalità è davvero palpabile. Per i tre ragazzi palermitani si è sviluppato da subito un proprio processo creativo più o meno influenzato, ma di sicuro originale che li rende in qualche modo non dipendenti e schiavi del passato. Non si tratta quindi di triste revival trash, ma di cura e maturità musicale, come in "NY Excuses", splendida cover dei Soulwax, o in Let Me Be.

Profondamente immersi nel sound moderno, ruvido ed energico, tra dance, blues il gruppo è aperto a influenze, culture e tradizioni diverse da rispettare o da conservare, ed in più hanno anche decisamente qualcosa da dire. I Waines sono uno dei giovani gruppi italiani da tenere sotto controllo, magari proprio incominciando a vederli in uno spettacolo dal vivo.

Antonello Furione

CONTATTI:

www.3waines.org

www.myspace.com/3waines

www.800A.it

Folk Club -Torino - Intervista a Davide Valfrè e Paolo Lucà

2010-04-22T23:25:00.005+01:00

LA MUSICA È CULTURA

di Antonello Furione

Non si può parlare di musica a Torino senza pensare a Franco Lucà, storico operatore culturale della città sabauda, a quello che ha fortemente voluto e portato avanti per anni: Folk Club e Maison Musique. Due gioielli di cui Torino può ancora fregiarsi e che grazie al lavoro di Davide Valfrè (decennale collaboratore di Lucà) e di Paolo Lucà (figlio di Franco) continuano a regalare musica e cultura. Ne parliamo proprio con loro due, validi testimoni di uno stile e di un modo sincero di fare musica live.

Torniamo un po' indietro - diciamo 20 anni - qual è stato l'evento scatenante per l'apertura del Folk Club a Torino?

Nelle 'cantine' di Via Perrone era fin dall’inizio una proposta controcorrente. Franco Lucà - terminata l’avventura con Cantovivo, storico gruppo torinese di folk revival -, sentiva il desiderio di creare uno spazio dove proporre musica (folk, blues, cantautorale… la musica che amava da sempre), diverso per gestione e tipo di proposta artistica. Uno dei pochi ad aver creduto in quest’avventura fu Michele Straniero. A pensarci bene, forse scatenante fu proprio questa amicizia e collaborazione.

Come nasce invece Maison Musique? Quali le differenze dal Folk Club?

È stata un’opportunità colta al volo, un’idea per rivalutare un’area urbana degradata come l’ex mattatoio comunale. Il progetto aveva l’ambizione di realizzare la prima cittadella globale italiana della Musica e venne proposta al sindaco di Rivoli di allora, Nino Boeti, che approvò il piano ed il Centro Regionale Etnografico Linguistico potè spostarsi in una sede che avrebbe garantito da lì in avanti anche la consultazione di tutto il materiale del centro. Nel 2004 Franco Lucà riuscì a riunire - oltre a noi due – l’altro figlio (Matteo), qualche amico e partì l’avventura. La differenza rispetto al FolkClub è strutturale, visto che parliamo di un piccolo locale in centro a Torino; Maison Musique si sviluppa su un’area di 5.000 metri quadri e accoglie anche attività commerciali come il ristorante, il cocktail-bar, la foresteria, lo studio di registrazione; ma anche gli archivi del C.R.E.L., il Musicarium, le sale museali con gli strumenti tradizionali della collezione di Lucà e tanto verde intorno da farti sentire in un parco.

Da quanto lavorate in questo ambiente? Come ci siete arrivati e quale ruolo vi appartiene di più: promoter, appassionati di musica, o organizzatori di concerti per i vostri artisti preferiti?

(Paolo) – Prove, tournée, festival, studi di registrazione... a respirare queste atmosfere ho iniziato un po’ per osmosi fin da bambino; la vicinanza di mio padre era molto coinvolgente ma è nel 2001 che la passione si è trasformata in lavoro.

(Davide) - Un percorso più da “operatore culturale”, dopo la laurea in lettere e alcune esperienze ho iniziato a collaborare con il Premio Grinzane, ma nel ’96 la situazione diventò asfittica e iniziai a lavorare per il FolkClub.

Quali sono gli eventi che proponete con maggiore successo, quale tipo di persone attirano?

Il pubblico del FolkClub è composto per la maggior parte da over 30, con un bacino di 38.000 soci che ormai ha imparato a fidarsi delle nostre scelte. Per attirare un pubblico più giovane, abbiamo deciso di scontare del 50% il biglietto (under 26, poi under 30 nel 2008). La percentuale di biglietti ridotti è passata dal 5% al 12% nell’arco di una stagione. Numeri che fanno davvero pensare.

A proposito di giovani, raccontateci del vostro appuntamento fisso per le band emergenti...

GREENAGE nasce nel 1991, nel grembo del festival Pellerossa, ed è rivolta espressamente agli emergenti ed è libero da logiche commerciali. Alla sua 11ª edizione è la più lunga rassegna di questo genere in Italia, conta una quarantina di serate da settembre a giugno, 80 concerti (due a serata) per altrettante ore di musica senza nessun costo per spettatori e partecipanti.

Quali sono stati i concerti più importanti che avete organizzato? Il più grande artista che avete ospitato, magari con qualche aneddoto?

Se ci riferiamo a tutta la storia del FolkClub e Maison Musique i nomi da elencare sarebbero decine: da Pete Seeger a Georges Moustaki, da Dylan e Baez ai Chieftains… ma crediamo sia concettualmente errato cercare di stabilire chi è ‘il più grande’. Un aneddoto? Quando Dylan venne a Pellerossa, Lucà rimase davvero allibito quando constatò di persona (riuscì a malapena a stringergli la mano) che Bob era atterrito dalla paura di essere assassinato da un folle mitomane al punto da creare il vuoto permanente intorno a sé.

Qual è il concerto che vi piacerebbe organizzare?

Se stiamo nel mondo dei sogni irrealizzabili diciamo un live acustico di Tom Waits. Leonard Cohen, John Zorn o Bruce Springsteen sono altri obiettivi da sogno e come tali restano nel cassetto. D’altronde Franco ci ha insegnato che i sogni si può sempre provare a realizzarli… se non si prova certamente non ci si riesce! Passando su un livello di realizzabilità, stiamo lavorando da alcuni anni su Billy Bragg e prima o poi...

Anticipateci un paio di appuntamenti da non perdere nelle prossime settimane...

FolkClub chiude i battenti ai primi di maggio, riaprirà a ottobre con due serate dedicate a Gian Maria Testa. A Maison Musique invece l’8 maggio ci sarà una grande serata commemorativa del quarantennale dell’uscita di Let it Be con Sarah Gillespie, e a fine maggio per il compleanno di Maison Musique, tenteremo il record mondiale della jam session più lunga della storia. Partiremo venerdì pomeriggio e finiremo la notte tra domenica e lunedì: 50 ore di musica ininterrotta con tante iniziative collaterali...

Ratafiamm - Me Te O

2010-04-22T05:00:00.002+01:00

Liberamente scaricabile dal web l’album “Me te o” segna il ritorno dei Ratafiamm, un nuovo lavoro per la band livornese, una nuova veste e sempre poche (ma buone) canzoni che riprendono il discorso laddove l’avevamo lasciato con Pausa Ep e che con “I cavalli Cortez” ci aveva davvero molto emozionato. Andrea de Nittis ed Enrico Cibelli sono soli questa volta, chitarre e voci. L’idea è tutto in rete, senza reti, prendi e condividi, abbandonando etichette e management, alla ricerca di una visibilità da conquistarsi e guadagnarsi senza meccanismi commerciali, ma la scalata è difficile. La classe e la loro bravura, quella non è cambiata, ME TE O, è un album acustico, semplice, forse più scarno e più folk, ma sempre di grande stile, da gustarsi nelle cuffie e da portare in giro col proprio Ipod. I testi sono importanti e vanno ascoltati con cura e la semplicità musicale, alla fine premia e fa sognare chi con la mente vuol volare lontano e chi vuole essere magari anche accompagnato nel suo viaggio personale.

Cinque brani ed un filo in crescendo di fragilità che si costruiscono pezzo a pezzo, goccia a goccia per esplodere in un roboante tuono elettrico sul finale. Un temporale come un malessere quotidiano tra problemi e precarietà, con un punto di vista più sensibile di chi non si lascia vivere ma analizza denuncia e cerca in ogni modo soluzioni. Musica d’autore nel vero senso della parola, imbracciando chitarre come fucili, dove la parola italiana è rimasta il proiettile ed ancora ha qualche velleità. E’ una musica più nervosa ed imprevista spesso mantiene alta la tensione. Ed un’evoluzione dal precedente lavoro si può vedere proprio dall’abbandono di una fase elettronica, per elettrica e quasi esplosiva.

I Ratafiamm, formazione nata nel 1996, hanno vinto numerosi premi, trai quali il Premio Ciampi (2005), e nello stesso anno il Premio Speciale SIAE. La capacità di scrittura di Enrico Cibelli è ulteriormente migliorata, il significato profondo dei testi viene esaltato dalla partitura, ma in queste tracce, se proprio si vuol cercare un difetto, si nota una predominanza musicale che disturba un po’ offuscando la limpidezza della voce e delle liriche. Un incentivo che solo una grossa produzione ed un buon mixaggio possono dare. La passione è dilagante ed i tempi sono realmente maturi. Se con “Pausa” le quattro tracce non bastavano a soddisfare la curiosità, ancor meno quest’altra opera ci aiuta a toglierci la voglia.

Antonello Furione

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DonSettimo - Notte di Mamma

2010-04-21T05:00:00.001+01:00

Se avessi dovuto scegliere questo disco convinto dalla sola copertina, l’avrei lasciato sicuramente nel negozio, ma aperta la confezione tutto è cambiato. Cos’è la copertina e l’estetica rispetto ad un ottimo contenuto? Il packaging, ideato come un porta foto è solo l’inizio della cura e dell’originalità di questo album. All’interno nel booklet foto narrano attimi di vita vissuta. Settimo Serradifalco, voce e contrabbasso, arriva al cuore, alle radici del folk italiano già dalla prime tracce. È accompagnato per l’occasione dal fratello Riccardo, il padrino Salvo Compagno, il cantautore di Barcellona Pozzo di Gotto Toti Poeta, il produttore Cesare Basile e le voci femminili di Anna Balistreri, Giusy Passalacqua e Rossella Cubeta. Si parla di canzone d’autore nella sua accezione più alta, originale poesia ed un ruvido sound prodotto per la seconda volta da Cesare Basile. Donsettimo parte dalla terra, dalle tradizioni da un proprio percorso intimo e personale, senza tralasciare la tradizione siciliana e il folclore, che si alternano a grandi ispirazioni: da Fossati, De Andrè a Capossela, da Virginiana Miller a gli ultimi dischi di Marco Parente, da Leonard Cohen a Mark Hollis, da Tom Waits a David Thomas.

Nessuna imitazione, solo grande ispirazione e cammino verso qualcosa di innovativo nel panorama musicale folk italiano che si aspettava davvero da tanto tempo. E così ci ritrovi, impegno cantautoriale, atmosfere folk, e un racconto circolare, un viaggio che si conclude da dov’era partito, con un nuovo bagaglio di esperienza infinito. Sono nove brani in cui l'impegno lirico narrativo ha un’impostazione quasi teatrale, anche nel cantato, la ricerca sonora è ai massimi livelli. La costruzione è spesso essenziale, ma quando si ha davvero qualcosa da dire, non bisogna far tanti giri di parole. È un lavoro importante perché inaugura un percorso nuovo per la ricchezza e la varietà di un linguaggio. Ci vuole attenzione e mente sgombra dove in un panorama odierno, la maggior parte dei musicisti è mediocre, la qualità sta nel creare brani che davvero valgnoa la pena di esser messi in circolazione.

Raffinatezza a braccetto con semplicità di fruizione, la ricercatezza e impegno di un filo conduttore volte alla scoperta personale, la tradizione, i contrasti, gli strani personaggi che animano le storie sono i veri condimenti del vero senso della sua musica popolare. Occhi diversi, affascinanti abitudini e contraddizioni, tra la espressioni dialettali ed immagini di realtà lontane che vedono ed interpretano la stessa realtà.

Antonello Furione

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Strani giorni- Un passo avanti

2010-04-20T10:09:00.002+01:00

Disco d’esordio per gli Stranigiorni. Dopo una gavetta fatta di esibizioni nei locali di tutta Italia e da due anni come gruppo spalla nelle tournée di Fabrizio Moro la band romana pubblica “Un passo avanti”, disco autoprodotto costruito con un unico ingrediente: quello di un buon rock d’autore.

Il trio composto da Roberto Maccaroni (chitarra e voce), Stefano Proietti (basso) Daniele Teodorani (batteria e percussioni) ha un suono deciso, semplice e prettamente orientato alla produzione live. L’album omonimo i un packaging davvero curato, spazia tra undici brani in cui si assapora un sound rock-pop, una scrittura matura ed un'ottima cura per i suoni. Con grande energia nei loro testi ricordano i tempi passati, le malinconie, le scelte mai fatte, le fragilità di ognuno di noi. A partire proprio dalla prima traccia “Tornando a casa” si analizzano i rapporti esistenziali, amorosi, tutti catapultati nella quotidianità. Ottimo il testo di “Panda stanca”, poi si continua con la scuola romana vendittiana della tittle track, poi italiana, la band spazia tra un sound che va dagli Stadio, a Vasco Rossi riuscendo a rimanere sempre originale e non cadere nel già sentito.

La loro vera forza espressiva sta nell’immediatezza e nella carica del loro sound di chitarra, basso e batteria, che un po’ forse limitano la varietà e lo sguardo verso il futuro innovativo musicale, ma di sicuro tutta l’alchimia ne rende più fruibile il loro cantautorato elettrico senza trucchi e senza inganni. In prospettiva di un prossimo progetto musicale il loro sound dovrebbe essere un po’ svecchiato, il tempo dovrà cambiare le prospettiva, e se “passano le idee, i temporali estivi e le maree, lento il tempo scivola, tutto fortifica e se non ci uccide vedrai ci sazierà.” Proprio come in “Solo un dèjà vu” sarà importante guardare al futuro con un carica di speranza e innovazione per uscire dall’affollato mondo emergente, perchè per alcuni, come in questo caso, ne vale davvero la pena. Un passo avanti rimane un buon disco che va apprezzato per la scrittura matura e una capacità davvero unica di raccontare storie di vita vere.

Antonello Furione

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Camillocromo - Musica per ciarlatani, ballerine e tabarin

2010-04-19T07:57:00.002+01:00

In un momento di grande crisi, la musica dei fiorentini Camillocromo è la cura che serve. In una giornata triste, o semplicemente noiosa la loro musica riporta alla mente momenti circensi, gioiosi goliardici e festosi. Da “Una favola blu”, a “Il tango delle pulci” il sound è molto curato e trascinante. Una piccola orchestra, tra theremin e fisarmoniche, tra seghe e flicorni crea musica da vivere, da ballare più che da ascoltare comodi sul divano di casa. I sei musicisti, provenienti da ambiti musicali differenti, e con diverse collaborazioni alle spalle, hanno inciso prevalentemente colonne sonore, ed amano esibirsi a stretto contatto con il pubblico, nelle piazze o nelle strade. Questo è il loro punto di forza ed è lo stesso motivo che rende di difficile ascolto in disco tra le mura domestiche.

Bellissima la breve “Punto & Buster”, che sembra uscita da un grammofono degli anni ’20, con qualche incursione sonora di Bugs Bunny. In “Calypso” si ritrovano schemi più moderni e come riporta il titolo verrebbe voglia di andar in spiaggia a ballare con i Camillocromo. Hanno curato le musiche per numerose produzioni cinematografiche e spettacoli teatrali tra cui "I Musicanti di Brema", e varie collaborazioni con il Teatro Viaggiante, così viene proprio difficile distaccarsi da una musica così teatrale. In “Cicaleggio” una varietà di suoni indescrivibile porta a quasi fare un ballo di gruppo, alzarsi e ballare come posseduti alla “Beatle Juice”, sarà la forza del calipso?

E’ indubbia la tecnica di questo gruppo, ed è certo che la felicità e la spensieratezza sia da ricercare ad ogni costo, nonostante i periodi avversi. Se oltre alla musica ci fosse probabilmente anche un significato e qualche testo, allora sarebbe tutto forse più completo e fruibile. Undici tracce più una ghost malinconica con un bellissimo tema di violino, a chiudere l’opera, chiudere i battenti di una bella festa, quando ogni tipo di danza è finita, quando s’è gia fatta mattina e quando per forza di cose si deve partire, smontare il tendone del circo e mestamente come in un film di Fellini mettersi alla ricerca di qualcosa di nuovo per riportare anche in un altro luogo la stessa felicità e lo stesso buon umore.
Antonello Furione

Contatti:

http://www.camillocromo.it/

www.myspace.com/camillocromo

www.camillocromo.altervista.org

Enrico Zanisi - Quasi Troppo Serio

2010-03-19T18:52:00.006Z

Parrebbe l'ennesima storia del musicista jazz prodigio, genio e ragazzo, ma Enrico Zanisi, romano, classe 1990, vanta già di numerosi riconoscimenti nazionali ed internazionali e la sua carriera anche ora, a pochi mesi dall’uscita del suo disco d’esordio sembra esser un jet supersonico diretto al successo. Un folgorante talento creativo che lo porta ad incidere con un’etichetta giovane di tutto rispetto il suo primo album chiamato "Quasi Troppo Serio" e a partecipare a sessions con i più grandi musicisti jazz. La libertà di improvvisare secondo il proprio sentire giovane, con il gusto di esplorare nuovi territori avendo consapevolezza del passato è il miglior metodo per creare la magia musicale. Con l’aggiunta poi di una buona padronanza della tecnica, le idee musicali ravvivano l’intera sostanza. Zanisi rende corpose e fresche le undici tracce, togliendo la polvere da capolavori che di solito invece vengono suonati sempre con maestria ma con paura di personalizzare troppo il brano discostandosi dal gusto del compositore originale. Il rispetto e l’approfondimento, e l’utilizzo di un filtro personale porta il pianista a dare un volto nuovo e talvolta inaspettatamente immediato alle parti. Un perfetto equilibrio tra passato e futuro che finalmente svecchia e appassiona anche l’ascoltatore meno esperto. Due maestri jazz di prim’ordine come Pietro Ciancaglini: contrabassista romano, classe 1975 ed Ettore Fioravanti, batterista, compositore, direttore, arrangiatore, classe 1958, membro del Paolo Freso Quintet, lo accompagnano in questa avventura e rimangono leggeri ma presenti, come solo due maestri di alto livello sanno fare. Enrico Zanisi compone, sembra avere già in testa l’intera struttura melodica, inventa melodie, utilizza facili progressioni armoniche capaci di arrivare precise e sempre più comprensibili, improvvisa semplicemente creando connessioni jazz e swing. Oltre all’approccio classico, la scrittura è decisamente contemporanea, con rimandi a Radiohead, Pink Floyd, Brad Mehldau, Herbie Hancock. Dinamiche pseudo-rock come in “Chantez”, rendono divertenti alcuni passaggi, mentre standard come “Alone Together” o ballad come “Corale” scorrono veloci e precise. Ancora swing come Springtime, di Giovanni Mazzarino, pianista siciliano e amico di Zanisi o “Il Volo” sono composizioni dal tema molto intenso e vivace. “Isidore” invece è una composizione molto interessante, un po’ malinconica di Ettore Fioravanti. Ne “Il Caso Pone” quasi dieci minuti che scorrono rapidissimi, presenta una progressione di accordi molto efficace quasi prog-rock (ci mancherebbe solo sul finire un assolo di chitarra elettrica). L’artista riesce grazie al suo talento a conversare con gli altri due musicisti, creando vera perfezione nel suo trio. Con Alfie, di Bacharach, solo piano, che conclude l’opera, l’autore torna a sottolineare l’assoluta coerenza nella sua personale visione musicale. In definitiva davvero un disco molto bello e fonte di ispirazione, da ascoltare e riassaporare.
Antonello Furione

Contatti:
http://www.nuccia.it/enrico_zanisi.html
http://www.myspace.com/enricozanisi

Guido Maria Grillo

2010-03-18T13:30:00.019Z

Dopo aver scritto ed interpretato “Pensieri, musica e parole di Fabrizio De Andrè”, il giovane artista salernitano, con grossa maestria pubblica il suo album d’esordio. Cantautore impegnato su più fronti, miscela tradizione ed innovazione, con impegno ed un’ottima ricerca. Se in un certo qual modo Antony and the Jonhson riprende la vocalità di Jeff Buckley, in una versione nazionale, Guido Maria Grillo traduce l’esperienza poetica e vocale di questi due grani artisti con una aggiunta importante la poesia di Fabrizio De Andrè. Nonostante siano paragoni davvero importanti, la ricerca di questo interessante artista al suo debutto è davvero ben definita. Ed il bello di Guido Maria Grillo e che oltre al fatto di voler seguire la poetica di Faber, traduce il suo pensiero contemporaneo e riesce a portarlo su su schemi personali. Innovazione quindi e fusione con una propria e definita personalità, davvero interessante. La sua identità è la forza del suo primo omonimo disco. il suo stile è ricco di sfumature e variazioni di tono ed energia. Spesso cambi di tonalità spiazzano, cori ben amalgamati e ritmi tangheggianti sembrano un po’ fuori posto, ma la sua attitudine all’esplorazione è davvero delicata e piacevole. Nove canzoni in tutto con una sezione ritmica scarna e decisa, funzionale ad esaltare il testo: la voce alterna sussurri a grida disperate, arpeggi delicati a rullate di batteria possenti. Se riuscisse a togliersi un po’ alcune sonorità sanremesi così polverose ed ormai così abusate l’opera sarebbe davvero perfetta. In qualche occasione infatti ci si aspetterebbe qualche svolta più energica, qualche chitarra più contemporanea in più a sottolineare i passaggi rispetto a qualche arrangiamento d’archi un po’ confuso, che nasconde talvolta anche la sua bella voce. Ma è proprio voler cercare il difetto a tutti costi, questo è un album italiano, (e quindi per forza anche un po’ di rimando sanremese) raffinato, elegante, profondo e coinvolgente. E’ certamente un cantautore di talento da cui ci si aspetterà in futuro una crescita ancor più coraggiosa ed ispirata.
Antonello Furione

Contatti:
www.guidomariagrillo.it
myspace.com/guidomariagrillo

Rock Reviews MAG - Num.00/2008 - Num.01/2009

2010-03-15T10:00:00.016Z

Ecco a voi Rock Reviews Mag. Quattro pagine all'anno con una scelta degli articoli più belli di questo blog, impaginati come rivista, da tenere, leggere, collezionare (e se proprio si deve) stampare.
Buona lettura.

Edizione 2008:
http://www.antonellofurione.com/rock%20reviews-2008.pdf

Edizione 2009:
http://www.antonellofurione.com/rock%20reviews-2009.pdf

Kozminski

2010-02-08T11:25:00.003Z

Anche nella grigia periferia di Milano post industriale si può scrivere bene, e creare buone melodie. Tutto sta nel non fermarcisi troppo, e venir inglobati dalla vuota quotidianità trovando mille possibilità per viaggiare su e giù per l’Italia. Magari anche solo stilisticamente parlando, passando solo da Milano come una delle tante tappe. L’esordio dei Kozminski, dopo tre anni di attività live in giro per il bel paese è un ottimo punto di partenza, forse non è così ancora personalizzato caratterialmente, ma rimane impresso. Non spaventa anche per la durata di poco meno di mezz’ora del lavoro e le sette tracce lasciano ben immaginare per il futuro. Da “Milano” col fischiato finale di bosiana memoria (vedi “Se tu non torni”) al cantato di Matera (vedi “Sotto il segno dei Pesci di Venditti) sono forme e stili sono troppo riconducibili ai riferimenti nei più disparati ambiti del cantautorato italiano. Ottimi sono gli intro anche se un po’ slegati come in “Il sole alle otto” o “Matera”, entrambi avrebbero bisogno di più collante. Poco carattere ancora del quartetto milanese che dovrebbe invece prediligere una maggior rete da cui trarre consensi ed ispirazione artistica.

Se si possono trovare limiti nella poca personalità, legata anche forse all’autoproduzione, l’approccio live sicuramente valorizzerà gli arrangiamenti e la loro forza più incisiva e a loro dire psichedelica. Infatti come spesso accade nella musica, i pezzi devono essere in continua evoluzione, soprattutto dal vivo, quando si sente il bisogno di esprimersi, avendo cura dei testi, magari come faveva Woody Guthrie, poi Dylan, poi De Gregori, adattandoli alla realtà, al vissuto, oppure facendoli crescere, modificandoli sotto il vero nome di Folk music (musica per il popolo), narrando di realtà quotidiane, in un costante equilibrio tra il presente ed il passato.

Al momento la band milanese è interessante, soprattutto vera, ma questo la ricerca deve andare oltre se si vuole maturare. In un contatto diretto con il pubblico, i Kozminski possono realmente migliorare, arrivare alla svolta, mettendosi alla ricerca di maggior credibilità, in un rapporto più incisivo e nella cura della semplicità dei loro testi e magari ricercando qualche spunto curioso in più dal lato tecnico musicale.

Antonello Furione

Contatti:

http://www.myspace.com/ikozminski

I Melt - Il nostro cuore a pezzi

2010-02-03T18:29:00.001Z

Attivi nel panorama indie italiano sin dal lontano 1992, tornano alla ribalta i vicentini I Melt, con il loro sesto album da studio. Anche se in passato hanno avuto collaborazioni importanti, come con Giorgio Canali, Tre Allegri Ragazzi Morti e Derozer, per il loro nuovo lavoro si affidano esclusivamente a loro stessi, andando a ricercare nel più profondo la loro reale essenza. “Il Nostro Cuore a Pezzi” esplora diverse sonorità, con alcuni omaggi come The Housemartins di “La bella bambina”, fino a “ Non mordo più”, vestito a pennello come fosse una cover de “Le luci della centrale elettrica”.

Essendo musica giovane, suonata ormai da veterani, il riflesso di un disagio generazionale viene raccontato in maniera sfocata, le dodici canzoni raccontano il mondo in cui vivono e la realtà che li circonda rende i brani però poco assimilabili a chi dovrebbe essere il reale fruitore del progetto. Gli I Melt utilizzano una trita miscela di rock e glam, (per altro senza grosse novità tecniche), ma hanno davvero con buon gusto. Musicalmente sono buone canzoni e soprattutto sono suonate bene, i tre sono ottimi musicisti, ed è davvero un peccato che a livello testuale si senta così poco di interessante.

Se li si avvicina al punk rock, è ancora peggio. Una volta, il punk era legato strettamente ad un certo tipo di testi, che anche se sguaiati e stonati (Sid Vicius in primis), arrivavano perfettamente alle orecchie del pubblico, senza curarsi troppo di musica e del contorno. Quello che si cantava si Doveva dire. Per gli I Melt sembra che, sebbene tutto sia suonato magistralmente, l’incazzatura sia finita chissà dove (e non si morde più per davvero), le motivazioni del suonare e cantare vengono in qualche modo tradite cantando di cambiamenti generazionali che non sembrano così sentiti, come se si fosse alla fine rimasti assuefatti, comodi sul divano, obbligati a vivere quello che la vita propone ed in qualche caso impone, con un “filo interdentale“ di criticità che certo non basta per convincere in maniera completa.

Il power trio lavorando con precisione nel dettaglio si racconta in maniera matura in tutte e dodici le tracce senza mai ripetersi, dimostrando un’ampiezza stilistica molto varia. Il brano iniziale "Anidride" è sicuramente uno dei brani migliori del disco. Momenti riflessivi ed intimi (come “L’ultima stella sopra Francoforte”) si alternano a momenti più oscuri e crudi. La ricerca musicale di nuove influenze premia comunque il buon lavoro che risulta in definitiva un coerente viaggio nei generi. La visione disincantata della realtà è un sentimento che accomuna tutto il gruppo e la disintegrazione del cuore della copertina ora ha creato nuove unità pulsanti ognuna a suo modo libera e coinvolta nel vivere, battere, sentire ed affrontare in maniera sincera a suo modo la realtà.

Antonello Furione.

CONTATTI:

www.myspace.com/meltrock

Il sogno e il veleno - Di stelle in un caffè

2010-02-01T23:28:00.002Z

"Di stelle in un caffè", prodotto da I dischi della lavatrice è un debutto con tanti sogni ed un po’ pochi veleni. Così dal “Il sogno e il veleno” di due innamorati sotto un lampione, l’amore finisce sul lungo mare della copertina. Si entra in un mondo pacato, soffuso, ed i sei brani del pescarese Alex Secone risultano tenui, quasi sussurrati, si aspetta fino alla fine qualche cosa, qualche bomba che esploda, qualche fuoco d’artificio, ma il pianoforte è implacabile e anche se muta la velocità fino ad entrare in un loop anni ’20 come nel caso della riuscita “Canzone di Notte” brano strumentale che potrebbe essere la colonna sonora di un film muto alla Charlie Chaplin, sporcato addirittura dal gracchiare di una polverosa puntina, la sostanza rimane invariata.

La malinconia e l’evanescenza di rapporti difficili non ha lasciato ancora spazio alla consapevolezza dell’errore o a qualche progetto per una soluzione. Così la base del lavoro del giovane autore si limita a raccontare gli avvenimenti. Da "Preludio", un po’ alla David Gray dei tempi di “A new day at midnigth”, e cantata un po’ alla Pacifico, la cura per gli arrangiamenti diventa molto precisa. Bello il cambio di tonalità sul finire del brano, peccato che sia appena accennato.

Tra stati d’animo sofferti, tutto scorre, così anche "Pornoromantica" passa senza colpi di scena come i brani precedenti. Per apprezzare a pieno l’artista, bisogna quindi focalizzare l’attenzione realmente sui testi, lasciandosi prendere dall’emotività della situazione narrata. L’amore svanito, l’abbandono, le difficoltà onnipresenti nella vita di ogni giorno, il tutto avvolto da una nebbia malinconica densa, alla Nick Drake o ancor più alla Damien Rice. L’amarezza della distanza, il distacco si intravede anche in “Beth” rilettura di un brano dei Kiss dell’album del 1976 Destroyer, che sottolinea ancora per l’ennesima volta anche in inglese la depressione più profonda senza via d’uscita. E forse è proprio questa l’unica cosa che realmente manca a questo disco d’esordio.

In definitiva è un disco curato e pone buone basi per il futuro. Come un bozzetto di un artista che presenta uno disegno a matita del suo prossimo lavoro definitivo che deve ancora esser creato. Quella che abbiamo ascoltato è solo un’idea, e ci sono buone speranze che in futuro “Il sogno e il veleno” possa crescere anche su un piano più ampio e meno ruvido. Se alla fine del buio più oscuro si dovesse vedere la luce, come nel film The Blues Brothers, beh, questo sarà il momento giusto per Secone per iniziare la scalata per il suo successo. Uno spiraglio di luce, una scintilla servirà a salvare l’anima persa dalla tristezza e darà una nuova spinta creativa per ogni soluzione che il cantautore vorrà ricercare.

Antonello Furione

Contatti:

http://www.myspace.com/ilsognoeilveleno

30.01.10 - LUNA PERSA - Folk Club Torino

2010-02-01T17:13:00.002Z

Grande ovazione e pubblico da record al Folk Club per Max Manfredi con 170 prenotazioni e più di 250 ingressi. Nello scorso novembre Max ha ritirato dalle mani di Gianni Mura, sul palco del Teatro Ariston di Sanremo, la Targa per il Miglior Disco 2009 del Club Tenco, per il suo Luna Persa (già presentato al locale torinese nell'ottobre del 2008). L'album, pubblicato da Ala Bianca, con distribuzione Warner, è un lavoro affascinante, ricco, inusuale nel panorama italiano, di quelli che si possono contare ancora sulla dita di una mano, registrato e mixato negli studi Maccaja di Genova, è prodotto dello stesso Manfredi con Federico Bagnasco e Fabrizio Ugas, due componenti della Staffa, il gruppo che da anni lo accompagna. Si è così scelto di creare sabato 30 Gennaio 2010 una festa al FolkClub di Torino, visto che da vecchia data Franco Lucà aveva riconosciuto e sostenuto il valore di Max ed ora, grazie alla disponibilità di Davide Valfrè e Paolo Lucà, il figlio di Franco, la sede è parsa subito adatta all’occasione.

L’evento presentato e ideata dal giornalista musicale Enrico Deregibus, è andato in scena per festeggiare la vittoria della targa dell’artista ligure, ottimi musicisti e cantautori si sono alternati sul palco dello storico locale torinese per festeggiare un disco davvero fortunato e lodato da pubblico e critica. Hanno eseguito quasi tutti canzoni di Max Manfredi, solo alcuni si sono spinti oltre nello scrivere brani propri per omaggiare l’artista. A questo proposito molto toccante e sentita la performance del veronese Marco Ongaro, visibilmente emozionato nel cantare un brano pubblicato nel 2002 nell'album "Dio è altrove" “Il conte Max” espressamente scritto per Manfredi. Sul palco infatti, come dice lui, non è così facile cantare e suonare rivolgendosi a qualcuno (che non è morto) e che trovi seduto in prima fila. Così il pezzo di Ongaro, a differenza delle partecipazioni ai premi rivolti ad omaggiare persone scomparse (vedi il Ciampi in passato) è stato piacevolmente sentito, garbato e apprezzato. Da segnalare anche Augusto Forin che ha cantato “Max” un brano inedito che prendeva spunto da un vecchio brano di Manfredi.

Tra i grandi assenti della serata purtoppo Armando Corsi che avrebbe dovuto suonare “Fado del dilettante” e Vittorio De Scalzi, che per impegni di reunion all’ultimo minuto (data zero) dei New Trolls al teatro Carlo Felice di Genova ha dovuto dare forfait per problemi di contratto, portandosi dietro anche Corsi. La serata e proseguita ricalcando principalmente le orme di Luna Persa, dal “Morale delle truppe” di Boggero, a “Retsina” pigra e dolce ballata suonata da Bep o da “Aprile” cantata elegantemente dal torinese Carlo Pestelli. Il trio Ugas-Boschiero-Bagnasco ha suonato “Va a dormire Europa” con la voce splendida di Erica Boschiero, cantante veneta già vincitrice di molti premi.

Tra i momenti più toccanti della serata di sicuro la bellissima “Cattedrali” cantato e suonato dai Managrè, il brano presente sul disco “L’intagliatore di santi” ha coronato uno dei più bei momenti di collaborazione ed è stato un autentico sviluppo "in diretta" della tradizione genovese. Il gruppo ha recentemente aperto diverse date di Manfredi. La cantautrice Isa, voce e basso intona “Il regno delle fate” un delicato brano visionario che racconta storie di tutti quegli invisibili oppressi nel nostro sistema senza valore, mentre Federico Sirianni sale sul palco con soprabito, occhiali da sole e cappello e con grande trasporto, con la sua voce graffiante trascina il pubblico in una country ballad “Il treno per Kukuwok” una piccola meraviglia che narra di una stazione immaginaria dove il popolo dei pendolari può lasciare scalpi e scalpori.

Sale verso le 23.30 l’ospite d’onore accompagnato dai fidi Marco Spiccio, al pianoforte, Federico Bagnasco al contrabbasso, e Fabrizio Ugas e Matteo Nahum alle chitarre. Applaudito da tutto il pubblico in visibilio, Manfredi sul palco chiude la serata con una manciata di canzoni, tra le quali la balcanica “Zimbalon”, Luna Persa, un brano di Leonard Cohen e Diadema, canzone inedita che uscirà sul prossimo disco. Manfredi narra di storie di invisibili, storie d’amore, problemi sociali, in un paese dove mancano i poeti ed i poveri e i pazzi arricchiscono il mondo. Ascoltare questo tipo di poetica può essere un buon modo per liberarsi e dispiegare le ali verso qualche cosa di più elevato. Con calma come un artigiano, guarda il mondo con occhi sinceri, crea testi profondi e raffinati, racconta di disagi, sentimenti, tutto cantato in modo passionale. In questo Manfredi è realmente il futuro. In questa splendida serata ha affidato il compito ai suoi amici fidati e come un passaggio di consegne da ieri ad oggi, dal maestro De Andrè che appare nell’ultima traccia del disco, si spinge con coraggio verso qualche ascoltatore e musicista a cui possa ancora narrare in forme nuove e di qualità garantita le storie di oggi, coinvolgendo anche i ragazzi del presente.

Antonello Furione

Vinicio Capossela - Da solo

2010-01-26T16:52:00.010Z

Qualche volta succede a tutti di fare i conti con i ricordi, e quando apri una scatola non sai mai dove andrai a finire. A quasi tre anni di distanza dall’ultimo lavoro di Vinicio Capossela: “Ovunque proteggi” (80 mila copie vendute) è uscito l’ottavo disco in studio dell’artista: “Da Solo” (Warner Music), registrato e mixato a Milano da Taketo Gohara e ai Brooklyn Studios di New York da JD Foster (produttore di Marc Ribot, Calexico) ed Andy Taub tra il gennaio e il marzo del 2008 e prodotto dall’artista con la collaborazione del chitarrista Alessandro Stefana. “Da solo” di Vinicio Capossela, è molto diverso dal disco e dal tour precedente, è intimo, introspettivo, romantico, musicalmente semplice ma contiene arrangiamenti molto complessi e ricercati. Solo pianoforte e voce ed una miriade di “strumenti inconsistenti” (come li chiama lui) che come un coro aggiungono compagnia e grande classe al solitario Vinicio. Poi tanto swing, ragtime anni ’20, tutto rivisitato con occhi di oggi di un uomo artisticamente maturo del ventunesimo secolo.

Da “Il gigante e il mago”, Vinicio cantando come un bambino, porta l’ascoltatore in un mondo circense, malinconico e colorato, a tratti quasi felliniano, cantando la bellezza e la speranza del divenire adulti senza perdere il proprio mondo fantastico. In quel mondo interiore ci si può rifugiare davvero, così la musica passa quasi in secondo piano, la fiaba incanta, quasi 7 minuti. Poi “In clandestinità”, una riflessione sulla libertà, con una metrica lirica al quanto particolare affronta la tendenza a nascondere la propria vera natura e sottolinea l’incapacità o il coraggio di iniziare il proprio cammino, per arrivare alla libertà dalla clandestinità. La divertente e spensierata “Una giornata perfetta”, introdotta dal fischio d’amore dell’amico Vincenzo Costantino “Cinaski”, sembra uscita da una vecchia radio a valvole, mentre con “Orfani ora”, bellissima canzone d'amore e “Vetri appannati d’America” si cambiano i toni ed i temi, storie lontane, solitudine la precarietà ed il fallimento di una nazione che ha perso sé stessa. In “Lettere di soldati”, pianoforte, battito del cuore e violoncello su tutto, si è perso ogni senso di umanità al fronte, la vita sopravvive solamente dentro alle lettere d’amore dei soldati. I Calexico con “La faccia della terra” accompagnano Vinicio, ma sono solo l’ennesimo sottofondo fantasma strumentale, rimangono davvero troppo nell’ombra. I brani di “DA SOLO” sono tutti scritti da Vinicio Capossela, tranne “Non c’è disaccordo nel cielo” che riprende il titolo ("There's not disappointment in heaven") di un vecchio inno composto nel 1914 da Frederick Martin Lehman, di cui Vinicio ha conservato la melodia riscrivendone il testo, nel suo personale modo di sentire l’argomento.

In definitiva "Da Solo" contiene ottimi pezzi, che confermano Capossela come uno dei più grandi cantautori contemporanei italiani, e la cosa stupefacente è che l'effetto in questo disco, a differenza di quelli passati è raggiunto proprio senza alcun trucco magico circense ne effetti speciali.
Antonello Furione

Sintomi di Gioia - Segnalibro

2010-01-06T14:54:00.006Z

Sulla scena alternative rock alessandrina da ormai dieci anni ci sono i Sintomi di Gioia. Sono tante sfumature che ne rendono difficile la catalogazione, ma il loro primo lavoro ufficiale per un’etichetta indipendente è davvero bello e la miscela di suoni ed il cantato rigorosamente in italiano portano un bel raggio di sole nel panorama musicale nazionale.

Giochi di silenzi si alternano a ritmi incalzanti, in una ricerca di innovazione particolare e sicuramente originale. Luca Grossi ha un’ottima personalità vocale, ed una delicatezza che spiazza, il suo timbro lascia l’ascoltatore appeso ad un filo, soprattutto nei pezzi più accesi, mentre nei cambi di registro e nei giri armonici dosa una grande forza vocale. La gran sicurezza ed intonazione crea linee melodiche semplici ma non usuali, (anche difficili da ri-cantare) che portano a pensare che se Layne Staley (Alice in Chains), o Chris Cornell (Soundgarden) avesse cantato sempre in italiano, di sicuro non si sarebbe discostato molto dal sound grunge della voce del gruppo.

L’opera si sviluppa in modo equilibrato e sensato, passando da pezzi più tenui (“E così”), ad altri decisamente più saltellanti (Macigno, Come le scarpe), il sound, a tratti inaspettato, alterna arpeggi curati a momenti distorti ed in crescendo. In qualche occasione la band diventa proprio come un macigno elettrico, che libera la forza in caduta, in altri momenti invece le chitarre acustiche e gli archi (anche dal vivo violino e violoncello) rendono tutto più caratteristico e pieno di fascino, ad esempio in “Non Puoi” e nella romantica “E’ Così”. Ottimi gli arrangiamenti, ottimi tutte le parti dei musicisti, studiate con cura, ottimo il mixaggio che realmente premia la resa sonora anche dopo diversi ascolti. L’artwork del disco è curato da un’artista siciliano: Francesco LoCastro, trasferito ormai da tempo negli States, l’artista con l’opera “When Clouds come from” risulta essere surreale ed evocativa quanto i Sdg stessi. La band acquisisce così uno stile pulito, soprattutto in brani come Non puoi, Segnalibro ed E così, suoni e parole mai scontati, in assoluta libertà giocano con gemme sonore acustiche ed eleganti: l’impronta grunge dei primi anni ’90, (che ormai ha ben quasi vent’anni) viene svecchiata, rimodernata e resa davvero contemporanea. Perchè “Tutto diventa una scia quando è dentro alla nebbia” e così occorre farsi strada, camminare dritti e sicuri con qualcosa da proporre di ancora inascoltato per evitare i rischi che i suoni risultino confusi e mediocri. L’instancabile perseveranza di Luca Grossi & Co., “da buon italiano”, ha portato e porterà sicuramente nuovi successi, magari anche con la ricerca di nuove collaborazioni importanti.

Segnalibro, è davvero un disco sorprendente, una gran opera prima, belle canzoni, forse non troppo immediate, ma con alla base una gran ricerca sonora e vocale che si ricompone nella fusione di più generi, che dalla metà degli anni novanta accompagnavano la vita dei 4 ragazzi di Tortona. Come dice Luca Grossi in una piacevole intervista si è sempre trattato di cantare in italiano, avendo sempre nelle orecchie i riff dei Pearl Jam. Grande classe.

Antonello Furione

Contatti:

www.sintomidigioia.it

www.myspace.com/sintomidigioia

http://www.imaginaproduction.com/

Nigro - Orientato a Sud

2010-01-06T14:52:00.006Z

“Quando i giorni del Nord si fanno gabbia di gelo, una rondine non può che ritornare orientata a Sud”, così come dalla citazione all’interno del cd, la tradizione in questa opera prima diventa una scelta consapevole, e non un’abitudine. “La tradizione è un’accettazione cosciente e deliberata. Una vera tradizione non è testimonianza di un passato remoto: è una forza viva che anima e alimenta il presente”. Nigro non è quello che al primo ascolto potrebbe sembrare, un artista che ripropone il già sentito, non è conservatore di suoni, bensì conoscendo la tradizione si spinge oltre, la fa propria, come solo un vero artista coraggioso sa fare, prendendosi tutti i rischi del caso. Il lavoro del fisarmonicista calabrese, in questo breve disco interamente strumentale, (se non per l’ultima traccia) è la mappa di un viaggio orientato a sud ed all’oriente, partendo da un rag-time dal vivo di un locale fumoso negli States si passa ad un omaggio a Django Reinhardt ed altre melodie popolari e tzigane e girovaghe, da una Milonga, ad un Tango argentino, sempre con un occhio nostalgico a dove il deserto e l’acqua si abbracciano, dove il sole ti bacia: il Sud. La title track è l’unico pezzo cantato dell’album, interpretato da Cinzia Cerenzia ed è stato scritto da Mirco Menna che per due anni con Nigro è stato il front-man de Il Parto delle Nuvole Pesanti.

Trattasi per Nigro quindi di musiche del mondo incontrate per la strada, o più semplicemente di tradizione calabrese rivista, rielaborata e contaminata con una sensibilità mediterranea molto piacevole. L’intensità creativa di tutti i musicisti di contorno, diventa improvvisazione, ma non toglie spazio al sound principale della fisarmonica. Davvero fenomenale alle percussioni Gennaro de Rosa, così come il sassofono di Gianfranco De Franco. Esordio in definitiva maturo e sicuro, trai migliori brani sicuramente da sottolineare il tradizionale “Lammabede” e “Jug”, con un ottima struttura ritmica, ed un ottimo intro di fisarmonica. L’artista con questo disco ci porta otto volte in giro per il mondo, ci fa assaporare culture, sapori ed immaginare mondi ancora lontani, sempre però con la faccia rivolta al centro del mondo ed al mezzogiorno, qualunque esso sia.

Antonello Furione.

Contatti:

http://www.myspace.com/pasqualenigro

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Gardening at night - Act Surprised Ep

2009-12-27T22:55:00.004Z

Buona la prima, per i Gardening at night, che prendono spunto da uno dei primi brani dei R.E.M del 1982 per dare inizio alla loro carriera musicale. Pubblicano così un breve Ep, mantendendo la stessa forma folk-rock, ed un occhio al giardinaggio notturno.

E’ un buon punto di partenza, nonostante ci siano ancora un po’ di imperfezioni, la voce di Michele Sarda è intonata pulita, solo ogni tanto confusa dalle troppe voci dei cori, così come la chitarra solista, non sempre troppo sulla linea melodica vedi il solo di Fake. La batteria è poco precisa in We don’t know. In un packaging originale, il risultato è comunque positivo. La band si mostra senza filtri, contemporanea, che vive, soffre, gioisce, e sperimenta. Più che un viaggio, però è solo una breve avventura, Act surprised dà l’impressione di essere uno spot, tutto troppo veloce per capirne l’ambientazione. I testi sono originali, e anche se il sound prende spunto dalla band americana, le melodie sono piacevoli e fanno ben sperare per il futuro. Per il momento tutto necessiterebbe solo di una maggior cura e precisione musicale, e forse la mano di qualche produttore. “Old habits”, l’ultima traccia, colpisce per il sound curato, ed in crescendo di intensità. Quasi 5 minuti di intensa passione, l’ascoltatore al termine vorrebbe avere ancora una traccia da poter ascoltare. Amore, speranze, futuro, irrequietezza, sono questi i temi trattati dalla band di Rivarolo. Tutto fa ben sperare per il futuro. Speriamo di vederli presto con un’intera opera e magari dal vivo in qualche locale torinese.

Antonello Furione

Contatti: http://www.gardeningatnight.it

Coffee Orchestral - Chocolate suitcase

2009-12-27T22:45:00.005Z

All’interno della valigia dei Coffee Orchestral, non c’è solo cioccolato, ma canzoni ed atmosfere soffici, semplici e create con eleganza e maestria: armonie acustiche dal sound prettamente autunnale. I Coffee Orchestral, a distanza di un anno da "Tobacco Symphony", tornano con la stessa formula del loro primo lavoro: voce e chitarra, pura, semplice e morbida folk-music, senza alcun effetto speciale. La semplicità, del trio di Bergamo, non tradisce il precedente lavoro, ed è nuovamente alle prese con visioni sognanti, intimismi "easy listening" e malinconici arpeggi dal forte impatto emotivo. Si creano così già dalle prime tracce suggestioni filmiche, atmosfere delicate, intrecci orchestrali. Annalisa Locatelli, Matteo Amico alle voci, non forzano mai i toni, ricalcano atmosfere per lo più americane, tra sound alla Billy Corgan degli Smashing Pumpkins e Nick Drake. Lorenzo Mangili, al basso e all’armonica impreziosisce e sostiene l’impianto sonoro. A caratterizzare l’intero lavoro sono ballate introspettive, dodici canzoni fatte di accordi semplici, timbri caldi ed un gioco di voci che si insinua uno nell'altro a creare un effetto ammaliante e quasi ipnotico. Anche se il sound è interessante, purtroppo però tutto il disco scorre quasi sullo stesso livello mono-tono, poche variazioni ritmiche, poche sfumature e grande staticità di fondo.

Il sound carico di atmosfere evocative è capace di affrontare un genere decisamente già sentito ma alla fine non risulta troppo noioso o scontato, il brano 34 ad esempio, dal sapore più country alleggerisce molto l’opera mentre Sureness, sicuramente è di forte impatto ed è da annoverare trai migliori del disco. Il tessuto acustico dell’intero lavoro è molto unitario e fa sì che si percepisca quasi un’ininterrotta jam session/ninna nanna di circa 40 minuti (un po’ eccessiva), se si pensa invece ad un unica traccia, come una colonna sonora, allora il lavoro prende forma, importanza, come fosse un loop infinito elegante e minimalista tra sogno e speranza. Semplicità, purezza, malinconia e sogno, amplificano anche sotto il profilo lirico, aiutando chi ascolta a tirar fuori emozioni sepolte in fondo alla memoria del tempo. In definitiva è un album raffinato da ascoltare nelle fredde sere d'inverno, davanti a un camino e una bottiglia di vino. Più che apprezzabile per gli amanti del genere.

Antonello Furione

Contatti
http://www.coffeeorchestral.com/
www.myspace.com/coffeeorchestral

ISOLA FREE out soon

2009-11-12T17:35:00.004Z

PINO JAZZ FEST 12.06.09

2009-09-17T14:27:00.008+01:00

ELIO in "FIGARO IL BARBIERE 25.07.09

2009-09-09T14:44:00.009+01:00

FORTE DI EXILLES (To) - Assedio 2009. Suoni e Visioni dal Forte - SABATO 25 LUGLIO ore 21.00

ELIO in “Figaro il barbiere”

Roberto Fabbriciani: flauto

Fabio Battistelli: clarinetto

Massimiliano Damerini: pianoforte

Franco Battiato un tempo cantava “A Vivaldi e Sinatra preferisco l’insalata” e oggi per molti è ancora così, ma per il nuovo progetto di Elio le cose vanno diversamente. “Figaro il barbiere” è una rilettura in versione cameristica de “Il barbiere di Siviglia” di Gioacchino Rossini. Atto unico adattato su un libero racconto del flautista Roberto Fabbriciani con musiche ridotte dall’opera originale. Alla musica di Rossini, si unisce un narratore: Elio, che, dialogando con il pubblico, racconta i momenti salienti e introduce i personaggi.

Innamorato dell’opera lirica italiana, Elio aveva già dato prova del suo estro eccezionale durante il festival di Sanremo 2008, quando aveva stupito tutti per l’interpretazione magistrale del “Largo al factotum” rossiniano ma, in questa occasione, ha un inedito spirito divulgativo e si propone al grande pubblico, viaggiando verso una nuova maturità artistica, con l’obiettivo di rendere l’opera lirica accattivante e apprezzabile ad un pubblico di giovani.

In una fresca sera di mezza estate, nella splendida cornice del cortile del forte di Exilles, per la rassegna Musica 90 “Assedio 2009”, Elio, senza le Storie Tese, raduna quasi un migliaio di persone, attente e curiose per l’innovativa lettura critica dell’opera. E’ un racconto visto dalla parte di un moderno barbiere, un vero e proprio progetto di semplificazione di Rossini, solo 3 strumenti: un pianoforte, un clarinetto, ed un flauto.

Elio è un grande artista, un ottimo musicista e nonostante abbia una voce dal timbro non puramente lirico, non si possono che elogiare le sue indubbie doti canore. Mantiene un uso della voce preciso, pulito e non sfigura comunque con i migliori tenori classici, anche se i canoni e la situazione sono sicuramente differenti. Sale sul palco alle 21.30 e senza sosta per un'oretta e poco più dà il meglio di sé, diverte, crea e cattura. Anche se Rossini è famoso, l’Opera lirica è ancora difficile da assimilare, e per la maggior parte del pubblico moderno, molto spesso non si capisce nemmeno la trama, ed è difficile capire fino a fondo un tempo così distante dal nostro. Nonostante ciò, Elio coniugando i giovani e la tradizione, è ansioso di condividere con la platea i segreti e la bellezza dell’Opera, e diventa perfino scrupoloso nella spiegazione dell’intricatissima trama.

Così ricalcando in qualche modo anche Benigni, che con la sua lettura della Divina Commedia di Dante ha incantato tutta l'Italia e tutto il mondo, Elio riesce nel suo intento di far comprendere con la trama dell'opera e fa arrivare Rossini al pubblico come mai nessuno prima. E' riuscito a svecchiare la storia, cantando e recitando arie e romanze, da “Largo al factotum” di Figaro a “La calunnia è un venticello” di don Basilio, coinvolgendo e divertendo anche i bambini presenti. Mentre insaponava (letteralmente parlando, con della schiuma da barba e pennello) il clarinettista Fabio Battistelli e Fabbriciani, Elio ha trovato il modo di coinvolgerli nelle gag e, contemporaneamente, d’illustrare a loro e alla platea il quadro socio-economico in cui maturò l’opera di Rossini. “Figaro è una perfetta incarnazione della nuova borghesia in ascesa, estremamente pratica e sensibile alle ragioni del denaro. Lei invece non mi paga da quattro mesi” – spiegava al suo cliente (Battistelli) in uno dei tanti passaggi sospesi a metà.

Tutto ciò è davvero un buon punto di partenza per portare l’opera ai giovani e a quelli come me che se la sono persa, anche perchè parlare di crisi della classica è inutile se non si fa nulla per avvicinare il grande pubblico. Si spera come dice Elio in un’intervista sul progetto che lo spettacolo possa essere visto da persone improbabili, non da chi segue l’opera normalmente: il pubblico va educato, da trent’anni non c’è spinta creativa nella musica e la conseguenza è che il pubblico non è più aperto come una volta. L’importante è avvicinare il pubblico a questi capolavori anche cambiandone l’organico strumentale e il tipo di voce. La storia è narrata da un barbiere vero, che vede il Figaro dell’opera come un idolo, una specie di rockstar. La lirica è bella: storie appassionanti, trame ben raccontate, musiche che hanno resistito per secoli. Certo, in senso stretto è incomprensibile, le parole si capiscono poco e non sempre sono di uso comune. Ma il problema è che viene vista come un oggetto prezioso e fragile, che non si può sfiorare, oggi invece bisogna che si comprenda che con l’opera si può anche ridere.

Antonello furione

Nick Cave Torino Traffic 2009

2009-07-17T23:14:00.006+01:00

Un altro concerto perso.... sigh....

Stoop - Stopid Monkeys in the House

2009-06-23T16:16:00.006+01:00

In un Africa di tre milioni di anni fa: un gruppo di ominidi, guidati da un capo, sopravvive a fatica in un ambiente arido e ostile, un giorno davanti alla loro grotta appare misteriosamente un grande monolite nero, gli ominidi a contatto col monolite impareranno ad usare strumenti, ad uccidere animali per cibarsene e ad uccidere altri ominidi per conquistarne il territorio.

E come in “2001 Odissea nello spazio”, per gli Stoop tutto cominciò con una scimmia.

Questi sei ragazzi di Reggio Emilia arrivano al loro primo album dopo cinque lunghi anni di gavetta on the road. “Stoopid Monkeys in the House” è un disco attuale, un contenitore di melodie legate magicamente insieme da grande tecnica ed uno stile personalissimo.

Un’amalgama di divagazioni e di esperimenti che partono dal folk, ballate rilassanti come “Lesson 2”, altre più ruvide come “Sleeping Awake”. Le chitarre aspre e taglienti condiscono l’intero album, la musica risulta curata e molto spazio è stato dato a parti corali, che caratterizzano la maggior parte dei brani e ai fiati, come le parti di Simone Benassi alla tromba, e di Donald Castagnetti al trombone. Diego Bertani chitarrista e vocalist del gruppo si smarca tra mille contaminazioni, influenze come Cake, Gomez, Supergrass, R.e.m., dove una solida scrittura è armonie artigianali si fonde in un’ampia varietà di atmosfere e suoni, steel guitar, banjos, trombe western e vibrafoni.

Uno sguardo un po' cinico e disilluso trapela da alcuni testi come “Garbage In The Space” che racconta di una pioggia di rifiuti spaziali che piove dal cielo; è il miglior brano dell’album, un risultato soddisfacente di come si possano affrontare problemi e sensazioni moderne in cui tutti prima o poi saremo costretti a ritrovarci.

Non è un disco immediato e questo è forse proprio l’unica pecca di questo lavoro, che si traduce alla fine in un mancato riscontro del grande pubblico, la sensazione atona e pesante dell’enorme caleidoscopio di arrangiamenti disorienta e spaventa, sono ricordi di ascolti inglesi e americani cupi e profondi, che riletti raccolgono le idee del gruppo nella più ampia libertà e ben descrivono la nostra vita quotidiana.

Gli Stoop proseguiranno diritti sulla loro strada, a bassa fedeltà, coscienti di aver fatto un ottimo lavoro fino a questo punto, cercando di rasserenare anche un po’ gli animi di chi li ascolta e dare una speranza fresca di ripresa. Per tutti coloro che amano l’indie rock contemporaneo e non si lasciano sfuggire proprio nulla.

Antonello Furione

Web:

www.stoop.it

www.myspace.com/stoopmusic

www.prismopaco.com

Fabrizio De André 30.05.09 - Villa Serra (GE)

2009-06-01T12:32:00.009+01:00

“Voi quella notte, voi c'eravate” – GENOVA 30.05.09

A Villa Serra di Comago (Sant'Olcese) sabato 30 Maggio i personaggi cantati da Fabrizio De André, zingari, prostitute, giudici e detenuti e tanti altri, sono stati i protagonisti di un emozionante ricordo di Faber. L'evento ad ingresso gratuito dal titolo “Voi quella notte, voi c'eravate” è stato curato da Radio Popolare in collaborazione con la Comunità di Don Gallo, ed è stata l’inizio della XXI edizione del Break Out Festival. Nella splendida cornice del parco storico di villa Serra, artisti, musicisti e scrittori sono saliti sul palco per proporre un tributo personale al grande cantautore genovese a dieci anni dalla sua scomparsa.

Un Ensemble d'archi accompagna la soprano afro-americana Moncia Small, che con “Le Nuvole” e poi “Ottocento”, a seguire “Hotel Supramonte” con il giudice Vincenzi Papillo insieme a Gian Maria Testa. “Preghiera di gennaio” è stata interpretata con una ritrovata Paola Turci, in ottima forma accompagnata per l’occasione dalla Rumenian Gipsy Band. A De André non sarebbe dispiaciuta la serata, Doris, dell’associazione “Le Graziose” per la difesa dei diritti delle prostitute, insieme a De Scalzi ha proposto un testo non troppo conosciuto, “Vorrei comprare una strada”, e Valentina, trans-gender/camallo del porto di Genova, tra omaggi a Paride Batini e dichiarazioni sulla corsa al profitto, si è cimentata in una bellissima “Princesa” da brividi con Fabio Barovero dei Mau Mau e Mirco Menna. Poi Mauro Ermanno Giovanardi con l'Orchestra Bailam crea magia con “Rimini”, anticipata da un piccolo brano del Coccodrillo di Pasolini. Due detenuti del carcere di Marassi, recitano “La canzone di Marinella”, ripresa a seguire da Giuliano Sangiorgi dei Negroamaro, che lascia tutti perplessi, per la sua interpretazione così personale del brano.

Altra sorpresa della serata è stata quella di trasmettere sul maxi schermo alcune scene di ''Effedia', sulla mia cattiva strada'', film-documentario prodotto da Dori Ghezzi per la regia di Teresa Marchesi, in cui anche il regista tedesco Wim Wenders si augura che si faccia un grande concerto in memoria di Fabrizio, e aggiunge che si potrebbe filmarlo per mantenere un ricordo vivo e sempiterno dell’artista.

La qualità musicale è andata in crescendo fino alla chiusura, con l’arrivo del gruppo “Mille Anni Ancora”, che con uno strepitoso Alessandro Adami, (classe 1982), hanno riproposto inizialmente l'intero concept album del 1973 "Storia di un Impiegato" (sesto lavoro da studio), in una originale e fedele rilettura, compresa l’emozionante “Verranno a chiederti del nostro amore”, “Bombarolo”, per poi dedicarsi ad una carrellata di classici come Il pescatore che hanno concluso la serata.

“Mille anni ancora”, è un gruppo composto da vari musicisti che hanno collaborato con Faber, come Ellade Bandini alla batteria, Giorgio Cordini alle chitarre e bouzouki, Mario Arcari ai fiati ed ancora Alessandro Adami (voce), Max Gabanizza (basso), Eros Cristiani (tastiere), Enrico Mantovani (chitarra), Stefano Zeni (violino).

La scelta di suonare con musicisti di un’altra generazione, significa passare ai giovani la speranza del futuro, il testimone del pensiero di Fabrizio e della sua attenzione per gli altri, più deboli e sfortunati.

A distanza di anni la sua musica dal vivo, oltre che ridare voce al messaggio del musicista e del poeta, riesce ad esprimere perfettamente le contraddizioni della vita moderna, sapendo suscitare nei più amore e rispetto per i deboli e gli sconfitti: sempre una grande lezione di vita.

Antonello Furione

Giacomo Crott - Prova a cambiare Idea

2009-05-26T09:57:00.006+01:00

Prova a cambiare idea è il titolo dell’album d’esordio del lucchese Giacomo Crott e sembra anche essere una sua filosofia di vita: laureato in giurisprudenza, svolge la professione di arteterapeuta, neurolinguista ed in seguito tecnico specializzato ed ingegnere del suono. Sul versante artistico invece è musicista dal 1995, ha avuto diversi gruppi e nel 2005 ha composto insieme a Piero Gabriele una colonna sonora per un corto dal titolo "Non ti aspettavo", diretto da Barbara Rossi Prudente. Nel 2002 ha partecipato al Premio Lunezia Giovani Autori con il brano Giorno andato, contenuto in questo album, aggiudicandosi il terzo posto.

La fine della sua ricerca nel 2009 lo ha portato proprio ad incidere questo disco, "Prova a cambiare idea", che spazia (poco) all'interno dell'enorme mondo del cantautorato italiano. Con una voce molto calda ed un ottima batteria di Donald Renda, Crott si limita a brani di retorico rock melodico, con testi ad effetto e ben poca accuratezza per gli arrangiamenti, nonostante le buone orchestrazioni nei soli.

Per un disco realizzato in sei mesi, il missaggio di Andrea Benassai e Francesco Baldi non è sufficiente e non trova buoni riscontri, le nove tracce scorrono piatte senza grandi picchi. Dai testi traspare una forte malinconia, parecchia solitudine come nella già citata Giorno andato (da notare i fiati sottofondo), in Angeli persi si scorge un eco vendittiano che distoglie l’attenzione, così come in Respiro dove il testo contiene rime un po’ facili ed il cantato sta tra Britti e Ruggeri.

Niente di nuovo quindi sotto il sole mostrato in copertina, anche se Giacomo Crott è un buon chitarrista e ha delle ottime potenzialità. Oggi si limita a cantare un buon rock melodico, ma nulla più.

Cambiare idea, come recita il titolo di questo album, potrebbe essere un buon inizio, ma allo stesso tempo è doveroso fermarsi il giusto per costruire basi solide: è tempo per Giacomo Crott di fermarsi ed imboccare un’unica direzione convogliando tutte le forze alla ricerca di uno stile più personale.

Antonello Furione.

Morgan - FolkClub Torino - 23.05.09

2009-05-25T07:59:00.005+01:00

MORGAN - FOLKCLUB TORINO - 23.05.09

Marco Castoldi in arte Morgan, piano solo al FolkClub di Torino, poco sorprende i numerosi spettatori venuti a vederlo e anche se con uno spettacolo discreto e divertente non esalta. Morgan oggi, a 36 anni, e a diversi anni dalla separazione dalla sua donna canta ancora i giorni dell’abbandono, stesse tematiche e poca fantasia. Il suo indiscutibile genio sembra chiuso in una corazza, e sembra non non voler lasciar passare le vere emozioni che prova. Diventa così un cantastorie, lasciandosi alle spalle l’ottimo cantaurotato personale dei tempi dei Bluvertigo e di “Canzoni dell’appartamento”, per due ore e più passa da un brano all’altro seguendo una ipotetica sequenza che segue un ipotetico filone che vive in maniera esclusiva nella propria testa, o che sceglie a caso da un mucchio di fogli sparsi sul pianoforte, non termina quasi mai un brano, e costruisce dei lunghissimi medley. Sono per lo più abbozzi di brani, che spaziano da Bowie, Freddie Mercury (These are the days of our life) all’amato Battiato (Te Lo Leggo Negli Occhi), passando da cover ri/incise anche da lui come “Il cielo in una stanza” di Paoli (del suo ultimo disco “Italian song book vol.1” uscito il 10 aprile 2009), o “il Dottore” di De Andrè (di Ne al denaro... che ha pubblicato in maniera completa). E’ un Morgan sempre in ottima forma, almeno in apparenza, dopo ben 4 concerti in due giorni, tenuti due alle 17.30 e due alle 22, canta e suona divinamente il pianoforte, è intonato, preciso, pulito nel canto (anche se gran fumatore), ed è un ottimo intrattenitore, divertente e divertito dalla sua audience. A stento suona suoi brani, commenta infatti che lui si diverte di più a cantare canzoni di altri, ed in men che non si dica riparte con Bindi, con Guccini, si misura quasi sempre con grandi artisti, ma brani per lo più sconosciuti o mai editi (come il Lavoro di Ciampi, che aveva cantato anche in altre occasioni, come il bellissimo spettacolo al teatro Verdi di Parma lo scorso anno), ed il pubblico fatica a seguirlo. Speriamo che la poca fantasia, e la paura di far conoscere al mondo esterno i suoi veri sentimenti di oggi, possano svanire presto per risvegliare la sua bravura nello scrivere degli ottimi testi e che riesca di nuovo a divertirsi suonando anche brani propri ed a stesso tempo proseguire con la sua poetica e come una diceva una volta lasciandosi dietro il passato per andare altrove.

Antonello Furione